Christmas in my soul

LAURA NYRO (Christmas in my soul)

Laura Nyro, igual que Carole King, perteneció a la aristocracia de cantautoras americanas cuya obra surge a finales de los sesenta revitalizando la mirada de inspiración folk con elementos nuevos procedentes del jazz, el soul y el rythm &blues.

En el caso de Nyro, hija de un trompetista de jazz y niña de infancia infeliz, sus composiciones cobran una especial intensidad gracias a arreglos que están dotados de rica expresividad y de una voz que puede arrastrar profunda emotividad. 

Las dotes de Nyro como escritora de canciones la sitúan en la parentela de la escuela Brill Building, pero su fuerte idiosincrasia explica que canciones como ’Stoned Soul Picnic’ o ‘And when I die’ fueran primero famosas en versiones de otros artistas.

El álbum Christmas and the Beads of Sweat (1970), último de la trilogía para Columbia, contenía la canción ‘Christmas in my soul’. La artista contraponía aquí el ideal de paz de la Navidad a la destrucción que causaba la política de guerra en Vietnam.

(Venid, jóvenes valientes / Venid, jóvenes muchachos / Venid conmigo al Libro del Amor / Sé que no es fácil / Pero buscaremos días mejores ... / Amo a mi país, mientras lo veo morir / En guerras y dolor ante mis ojos / Camino por calles en donde ha reinado la descortesía / Los pecados de la política, la política del pecado / En la falta de humanidad se oscurece mi alma / En Navidad… / Los niños de Dios han ido a juicio / Y el amor de Dios no está de moda / En Navidad / Navidad en mi alma)

I've got to have you

KRIS KRISTOFFERSON & RITA COOLIDGE (I’ve got to have you)

Kris Kristofferson y Rita Coolidge se conocieron a finales de 1970 en un avión que hacía la ruta entre Los Ángeles y Memphis. La ocasión les dio para un enamoramiento a primera vista e iniciar una relación sentimental y artística que duraría seis años.

Kris había debutado discográficamente por entonces y pronto sería célebre cantautor contracultural de música country; Rita, por su lado, había destacado como cantante de acompañamiento para la gira americana Mad Dogs and Englishmen de Joe Cocker.

La pareja publicaría conjuntamente tres álbumes. El primero de la serie sería Full Moon (1973), siendo el amor el tema estrella de un disco de doce canciones mayormente relajadas que están animadas del combinado contraste de sus voces.

La misma fórmula, principalmente en torno a versiones y algunas canciones propias, se repetiría en Breakaway (1974). Aquí se encontraba la canción de Kris ‘I’ve got to have you’, que Carly Simon había anticipado espléndidamente tres años antes.

(Llegaste sonriente y sin ruido / Con timidez y la facilidad de un soñador, a mi mundo / Luego, antes de darme cuenta del peligro / Me encontré mirándote a los ojos / En alguna parte de sus colores / Vi promesas de cosas que nunca antes había visto / Esto se acabó / Tienes que ser mío ... / Atrapado en ese instante, hablando, callado / Sabiendo que podría perderte en cualquier momento / Y así, sin avisar, recuerdo / Que temblaste al tocarte con la mano)

 

Comfortably numb

PINK FLOYD (Comfortably numb)

Syd Barrett fue cofundador y líder de Pink Floyd a través del alucinado viaje psicodélico que recorre The Piper at the Gate of Dawn (1967). Sin embargo, su temprano extravío mental, motivado por el consumo de LSD, lo dejó fuera del grupo en 1968. 

Roger Waters emergió entonces como la fuerza que iría determinando la dirección temática y musical de Pink Floyd, hasta el punto de absorberla totalmente en el álbum The Final Cut (1983), tras el cual emprendería una carrera en solitario.

Las ideas de Roger sobre las diversas formas de alienación que ocultan la exaltación del dinero y la mercantilización del tiempo culminan en The Wall ((1979) con el muro que finalmente levantan, dejando al individuo solo y aislado frente al dolor.

El disco se prestó a sofisticar la escenificación teatral que Roger ideaba para las actuaciones en vivo. De su éxito respondió igualmente el trabajo estelar habitual de David Gillmour (guitarra), Richard Wright (teclista) y Nick Mason (batería).   

(¿Hola? / ¿Hay alguien ahí? / Mueve la cabeza si me oyes / ¿Hay alguien en casa? / ¡Vaya, pues! / Veo que estás sin ánimo / Bueno, yo puedo aliviar tu pena / Ponte en pie de nuevo / Relájate / Primero, necesito alguna información / Solo los puntos básicos / ¿Me podrías mostrar dónde te duele?... / No hay dolor que tú puedas borrar / Barco distante / Humo en el horizonte… / No entenderías lo que pueda explicar / No se trataría de lo que yo soy / He llegado a sentirme cómodamente insensible)

 

In The Air Tonight

PHIL COLLINS (In The Air Tonight)

Phil Collins (Londres, 1951) destacó desde pequeño por sus dotes para el canto y la actuación en comedias y producciones musicales. Lo testimonia su participación en 1964 tanto en la obra teatral Oliver como en el musical A Hard Day’s Night.

Collins se dio a conocer musicalmente en Freehold, un grupo de música bailable que luego se llamaría Flaming Youth. Fue aquí donde despertó al rock progresivo que desarrollaría, a partir de 1970, como batería y vocalista de Genesis.

Tras abandonar Peter Gabriel la formación, después de que publicaran The Lamb Lies Down on Broadway (1974), Collins asumió el liderazgo, conduciendo al grupo a la senda de fantasía melódica que evidencia ya A Trick of the Tail (1976).

El álbum Face Value (1981) fue su debut en solitario. Se abría con la canción ‘In The Air Tonight’, la más conocida de su propio repertorio. El artista explicaría que la motivó la frustración por la ruptura con Andrea Bertorelli, su primera esposa.

(Puedo sentirlo en el aire esta noche, Oh Señor / Y he estado esperando este momento toda mi vida, Oh Señor / ¿Puedes sentirlo en el aire esta noche?, Oh Señor / Si me dijeras que te estabas ahogando, no te tendería una mano / He visto tu rostro antes, amigo mío, pero no sé si sabes quién soy  / Pues yo estaba allí y vi con mis propios ojos lo que hiciste / Así que borra esa sonrisa / Sé dónde has estado / Todo ha sido un montón de mentiras / Y puedo sentirlo en el aire, oh Señor)

 

Elusive Butterfly

BOB LIND (Elusive Butterfly)

El cantautor americano Bob Lind cosechó un temprano éxito en 1966, cuando, con veintidós años, su canción ‘Elusive Butterfly', cara B de un sencillo editado por la discográfica World Pacific de Los Ángeles, se alzó a lo alto de las listas de Billboard.

La canción, el anhelo que mueve a las personas a la búsqueda del amor u otras formas de felicidad, estaba inspirada en el poema de Yeats Canción del errante Angus: “Fui al bosque de avellanos / Porque había un fuego en mi cabeza…”

Los arreglos de cuerda del músico y productor Jack Nietzsche, así como Leon Russell al piano contribuyeron al encanto de la canción. Sin embargo, la súbita fama no sentó bien a su autor, que cayó en la drogadicción y en enredos con la industria.  

Se mudó a Santa Fe en 1969 esperando hallar serenidad. Tras publicar Since there were circles (1971), una desatendida obra maestra del pop-rock, Bob Lind se retiraría hasta 2004, año en que sorpresivamente retomó las actuaciones.

(Una mañana podrías despertar / Al sonido de algo que el viento hace pasar por tu ventana / Y si te levantas con rapidez  / Aún captarás el fugaz destello de la sombra borrosa de alguien / Allá, en el nuevo horizonte / Podrías ver el movimiento oscilante de un par de alas / Y si el sueño ha liberado tus oídos / Podrás oír pasos veloces en campo abierto / No te preocupes, no te harán daño / Soy yo, que busca sin saber bien qué entre mis sueños / Con redes de asombro voy a la caza de la brillante y esquiva mariposa del amor)

One Too Many Mornings

CAT POWER (One Too Many Mornings)

Al llegar a Nueva York en el invierno de 1961, Bob Dylan traía consigo el espíritu trovadoresco de su admirado Woody Guthrie, junto al genio para transfigurar sus singulares visiones y experiencias bajo un inextinguible hálito poético. 

El primer gran aldabonazo lo dio con la publicación de su segundo álbum, el legendario The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), donde letras y música presentaban ya el imaginario de otra realidad en la que "el color es el negro y ninguno es el número”.   

Para Cat Power (Atlanta, 1972), el día que, de estudiante, escuchó en la radio ‘Desolation Row’, perteneciente a The Times They Are A-Changin’ (1964), fue como despertar a una nueva consciencia y caer para siempre bajo el hechizo de Dylan.

Cat, que tiene unos diez álbumes en su haber, parece haber saldado una deuda emocional mediante versiones que, como quien delicadamente se limpia una herida, participan de su Cat Power Sings Dylan; The 1966 Royal Albert Hall Concert (2023).

(En la calle hay perros ladrando / Y el día está oscureciéndose / Según la noche vaya cayendo / Los perros dejarán de ladrar / Y la noche silenciosa se rasgará / Con los sonidos que pueblan mi cabeza / Pues soy la mañana de demasiadas mañanas / Y he dejado miles de millas atrás / En la encrucijada del umbral de mi puerta / La vista se me nubla / Me giro a la habitación / Donde mi amor y yo hemos estado juntos / Y miro la calle / La acera y las señales/ Y soy la mañana de demasiadas mañanas)

 

White as diamonds

ALELA DIANE (White as diamonds)

Hija de padres músicos, Alela Diane, nacida en Nevada City (California) en 1983, lleva publicados más de media docena de álbumes, en los que abunda la mirada buscadora de la simplicidad en la naturaleza o en las relaciones de amistad y de familia. 

Alela hizo su debut discográfico con The Pirate's gospel (2006), que, no obstante su plena contemporaneidad en cuanto a producción, va cargado de ese sonido y voz de raigambres folk que hacen de la sencillez un atributo necesario de la belleza.  

En aquel disco, igual que en el siguiente (To be Still, 2009), hay canciones de atmósfera íntima y recogida, como si contuvieran fragmentos de la voz oculta de la tierra. Así, 'White as diamonds’, se llena de una intensidad nostálgica inaudible al ruido.

Sin embargo, Alela Diane & The Wild Divine  (2011), su tercer álbum de estudio, mostraba ya una musicalidad más dinámica, ampliada al country-rock, dando cabida al reconocimiento de que en el corazón de todos hay oro pero también polvo. 

(He conocido mañanas blancas como diamantes / Silenciosas por las noches muy frías / Tal es la quietud, la calma, cuando la lechuza surca el aire / Nuestras vidas están enterradas en la nieve / Estaba rebuscando en los montones / Con un hilo enredado en la mano / Cada tirón paciente de la maraña / Es un atisbo de lo que ha sido / Las partes pesadas requieren manos fuertes / Hay grandes agujeros donde debía haber diamantes / Debe ser que la mañana los robó)

 

Souls Island

LEE HAZLEWOOD (Souls Island)

 

Fruto del genio y la excentricidad, Lee Hazlewood pudo desarrollar durante cuarenta años una carrera multifacética como productor, escritor de canciones, compositor y cantante que aún ejerce su influjo entre músicos del rock alternativo. 

De pinchadiscos para la radio del ejército en Japón, saltó, residiendo en Phoenix a mediado de los cincuenta, a la producción discográfica. Lograría pronto dar canciones de éxito a artistas como Sanford Clark y Duane Eddy.

Con voz distintiva de barítono, Lee, por su parte, se inició como cantante en el álbum Trouble Is a Lonesome Town (1963), en donde daba vida, no sin ternura, a ciertos caracteres de una ciudad campestre ficticia, llamada Trouble.

En 1965 prestó canciones a Nancy Sinatra para hacer de ella un icono feminista pop; juntos grabarían el valorado Nancy & Lee (1968). Ya en Suecia, puso música a la película A House Safe for Tigers (1975), de la que procede la leve 'Souls Island'.

(Si no fuera por el sueño en los ojos de nuestra madre / Tú y yo aún iríamos a lomos del viento / Dos semillas que nadie necesita / Al este de toda isla de almas / Esta tierra, isla de alma, siempre será el corazón tuyo y mío/ Isla de almas / Si no fuera por el fulgor en los ojos de tu padre / Tú y yo nunca hubiéramos sido / Nunca yaceríamos en esta sombra púrpura / Nunca sabríamos de la isla de las almas / Si no fuera por el rayo en la mente de algún dios / Tú y yo nunca habríamos sido)

 

Sunny Came Home

SHAWN COLVIN (Sunny came home)

Shawn Colvin publicó su primer álbum, el titulado Steady On (1991), a los treinta y cinco años, mostrando el talento de una escritora, cantante y guitarrista en la escuela de Joni Mitchell o James Taylor que justificaba el premio Grammy con el que fue galardonada.
Era estudiante universitaria en Illinois cuando comenzó a actuar ante el público. Formaría el grupo de rock Shawn Colvin Band, mientras luchaba contra la ansiedad y el alcoholismo. Establecida en Austin, fue vocalista de la banda Dixie Diesels.
A finales de los setenta, en Nueva York, ayudó al country contemporáneo de la Buddy Miller Band. Se volcó en el circuito folk y trabajó en producciones de Broadway en los ochenta, a cuyos comienzos conoció al músico y productor John Leventhal.
De él recibió el impulso con el que fraguó su admirado disco de debut y asimismo A Few Small Repairs (1996), el tercero, en donde la canción ‘Sunny Came Home’ –la más celebrada de su repertorio– nace del también poder motivador de la infelicidad.

(Sunny volvió a su cuarto favorito de la casa / Sunny se sentó en la cocina / Abrió un libro y una caja de herramientas / Sunny vino a casa con una misión / Dice: “Los días pasan, estoy hipnotizada / Estoy caminando sobre la cuerda floja / Cierro los ojos y el pensamiento me lleva / Al fuego” / Sunny regresó a casa con una lista de nombres / No creía en la transcendencia / “Es hora de hacer algunas pequeñas reparaciones”, dijo)

Long May You Run

THE STILLS & YOUNG BAND (Long may you run)

En 1976 se publicó Long May You Run con las firmas de Neil Young y Stephen Stills. El álbum debería de haber sido continuación de la saga musical que con fenomenal éxito habían protagonizado aquellos dos músicos junto a Graham Nash y David Crosby.
La asociación de los cuatro había permitido grabar Deja Vu (1970), en el que escenificaron todo un grandioso canto de cisne del movimiento hippie, pero cada uno tenía aspiraciones y proyectos por separado que los impedían continuar juntos.
Aún así, de la gira promocional subsiguiente resultó 4 Way Street (1971), uno de los álbumes en directo más sobresalientes de la época. Todavía se reunirían – ‘por dinero, según Stills– para tocar en estadios norteamericanos e ingleses en 1974.
Compromisos discográficos enfrentados iban a ahuyentar el propósito de que la nueva obra fuera una creación conjunta. Con todo, Young y Stills eran artistas suficientes para hacer de Long May You Run, alegoría de tiempos de cambio, disco de oro.

(Hemos pasado juntos por algunas cosas / Con baúles de recuerdo todavía por llegar / Supimos hacer cosas en tiempos de tormenta / ¡Que tu transitar llegue lejos! / Aunque estos cambios han venido / Teniendo tu corazón de acero cromado brillando al sol / ¡Que tu transitar llegue lejos! / Fue en 1962 estando en Blind River / Cuando te vi por última vez con vida / Pero, envueltos en el largo declive, nos perdimos el cambio / ¡Que tu transitar llegue lejos!)

Do it again

STEELY DAN (Do it again)

El dúo formado por Walter Becker (bajo) y Donald Fagen (voz, teclados) presidió el elegante sonido de Steely Dan, que en la década de los setenta representó una sofisticada y brillante combinación de pop, rock y cool-jazz.
Becker y Fagen se conocieron en Nueva York en 1967. Tres años más tarde, la colaboración con Jay & The Americans les sirvió para emplearse en Los Ángeles como escritores de canciones de la compañía ABC/Dunhill.
Conocerían aquí en 1971 a Gary Katz, productor de sus siete primeros álbumes, en los que iría apareciendo el ejercicio de graciosa experimentación armónica y tonal que ambos sirvieron de manera inmaculada con detenido trabajo de estudio.
Al puñado de inmarcesibles canciones legadas por Steely Dan pertenece particularmente 'Do it again' (Can't buy a thrill, 1972), muestra de sabiduría musical a ritmo de bossa nova, por cuya letra discurren violencia, mujeres y dinero.

(De mañana vas a la caza del hombre que te robó el agua / Y le disparas hasta quitarle la vida, pero te atrapan en la frontera / Las plañideras entonan un cántico mientras te arrastran de los pies / Pero el verdugo ya no ahorca y te ponen en la calle / Vuelve, Jack, vuelve a hacerlo, la rueda no cesa de girar / Vuelve Jack, hazlo otra vez / Al saber que ella no va de aprovechada, se convierte en tu mejor amiga / En el cuarto con tu amante, te das cuenta de estar cerca del final )

Sometimes love just ain't enough

PATTY SMYTH (Sometimes love just ain’t enough)

Los Beatles elevaron el amor a requisito necesario, y casi único, para una existencia feliz. ‘Todo lo que necesitas es amor’, repetían en aquella famosa canción, dada a conocer por primera vez en junio de 1967 para una emisión especial de televisión.
Veinticinco años después, Patty Smyth (no confundirla con Patti Smith), artista americana conocida ya desde 1982 dentro del grupo Scandal, les vino a contradecir en una balada de ventas millonarias cuyo traducción sería ‘A veces, solo el amor no es suficiente’.
Tras declinar en 1984 la invitación a formar parte de los rockeros de Van Halen, Patty debutaría en solitario con Never Enough (1987), que contenía su potente versión de ‘Downtown train’, original de Tom Waits, y daba cuenta de su gran talento musical.
Antes había colaborado con Don Henley, del grupo californiano Eagles, y este le correspondió participando a las voces en ’Sometimes love just ain’t enough’, incluida en el epónimo Patty Smyth (1992), segundo álbum de la discografía de la artista.

(No quiero perderte / Pero no quiero utilizarte / Y solo tener a alguien a mi lado / No quiero odiarte / No quiero aprisionarte / Pero no quiero ser yo quien llore / Eso a nadie le importa ya / Pero como una tonta, sigo perdiendo mi sitio / Y sigo viéndote andar por esa puerta / Pero hay un peligro en querer demasiado a alguien / Y es triste saber que no debes confiar en tu corazón / Hay motivos por los que la gente no está donde toca / Cariño,  a veces el amor no es suficiente)

Let it be

THE BEATLES (Le it be)

De las doscientas once canciones grabadas por los Beatles, más de ciento cincuenta llevan la firma conjunta de John Lennon y Paul McCartney, si bien es fácil conocer a quién de los dos se debe la principal autoría de cada una de ellas.
Paul, más melódico y romántico, fue el creador de ‘Hey Jude’, ‘Yesterday’ y ‘Let it be’, canciones de tono elegíaco. A John le corresponden los reflejos más inesperados y caleidoscópicos de, por ejemplo,‘Lucy in the sky with diamonds’ o ‘Norwegian wood’.
La magia que desprende la música asociativa de ambos, especialmente notable en Sgt. Pepper (1967) va cambiando, todavía sin perderse, a medida que sus personalidades van disociándose, tal como muestra ya el doble blanco de 1968.
Habían crecido tanto y de modo tan diferente en más de diez años juntos que la canción ‘Let it be’ (dando título a su último álbum de 1970), mientras que en John despertaba cierta sonrisa burlona, era entonada por Paul, en cambio, con solemnidad casi religiosa.

(Cuando me hallo en dificultades, Madre Mary viene a mí / Y sabiamente me dice que lo deje pasar / En mis momentos oscuros, ella está ante mí / Y habla palabras sabias diciendo que lo deje pasar ... / Susurra palabras de sabiduría, déjalo pasar / Cuando en el mundo la gente de corazón doliente se ponga de acuerdo / Habrá una respuesta, déjalo pasar... / Y en la noche nubosa, hay todavía una luz que brilla sobre mí / Brillará hasta mañana, déjalo pasar)

Beautiful Loser

BOB SEGER (Beautiful Loser)

Bob Seger es una figura legendaria en el medio Oeste tras más de quince álbumes de estudio, habiendo sido el primero Ramblin’ Gamblin’ Man (1968), que contenía ya un gran éxito en la canción del mismo título, explosiva muestra de rock, escuela Detroit.
Allí formó su primer grupo, The Decibels, en 1961, pero tendría que esperar un lustro hasta ser parte representante, con la nueva The Bob Seger System, del denominado sonido de Detroit al que ya habían dado fama tanto MC5 como Iggy Pop & The Stooges.
Al rock impetuoso inicial, característico de Mongrel (1970) y Seven (1974), Bob Seger fue incorporando baladas resonantes que, grabadas con la Muscle Shoals Rythm, diversificaban su repertorio y lo complementaban desde una mirada más introspectiva.
Ese punto de inflexión lo marca Beautiful loser (1975), el álbum que contaba con la Silver Bullet Band y músicos sobresalientes como Spooner Oldham o Barry Becket. El hermoso perdedor, en la canción homónima, resulta de no aspirar al cielo como meta.

(Quiere soñar como un joven / Y tener la sabiduría de un hombre mayor / Busca hogar y seguridad / Quiere vivir como marinero en el mar / Hermoso perdedor / ¿Dónde vas a caer / Cuando te des cuenta / De que no se puede tener todo? / Él es tu más viejo y mejor amigo / Si lo necesitas, allí estará nuevamente / Siempre está dispuesto a ser el mejor reemplazo / Será el perfecto inquilino, el perfecto huésped / Hermoso perdedor, léelo en el muro / Y date cuenta de que no puedes tenerlo todo)

Laughing

DAVID CROSBY (Laughing)

David Crosby fue una figura relevante en la creación de canciones con sonido y letras intérpretes de la revolución musical desatada en California en la segunda mitad de los sesenta, reflejo de otra más vasta de carácter cultural extendida por todo el país.
Crosby dejó ya su sello particular en The Byrds, cuando en Fifth Dimension (1966), Younger Than Yesterday (1967) y The Notorious Byrds Brothers (1968) impulsó al grupo más allá del folk-rock, hasta la psicodelia y a líneas melódicas del jazz modal.
En 1968 formó parte de Crosby, Stills, Nash & Young, todo un supergrupo que alumbró el álbum Déjà vu (1970), cumbre artística del ideario musical hippie. Poco después empezaría a trabajar en If I could only remember my name (1971), su gran estreno en solitario.
La muerte de su novia Christine Hinton lo lleva aquí a ensoñaciones alumbradas por una claridad crespuscular que toma ricas y múltiples texturas gracias a la ayuda de más de una veintena de amigos músicos y le descubre en 'Laughing' una equivocación. 

(Creía haber encontrado una persona que decía saber lo que es el hombre / Que sabía lo que pasa / Me equivocaba, solo era un extraño que conocí / Y pensé que había encontrado la luz / Para guiarme en mis noches y en sus oscuridades / Me equivocaba, solo eran reflejos de una sombra que vi / Y pensé que había visto a alguien que por fin / Sabía qué es la verdad / Me equivocaba, solo era un niño riéndose al sol)

Lovesong

THE CURE (Lovesong)

El guitarrista y cantante Robert Smith ha pilotado The Cure antes de que en 1979 el tema ‘Killing an Arab’ los pusiera en el sendero de la fama, imprimiendo al grupo, pese a repetidos cambios de personal, su característico aire musical y estético de rock gótico.
En el álbum de debut, el titulado Three Imaginary Boys (1979), se aprecia aún el ímpetu punk, pero Seventeen Seconds (1980) perfilará ya la auténtica seña de identidad de The Cure, desarrollada en medio del lento oleaje de la tristeza y el lamento.
Ese fue el disco que añadió teclados (Mathieu Hartley) al sonido del bajo (Simon Gallup) y del batería (Touhurst), iniciando una vertiente musical que Robert empuja hasta la reverberante oscuridad de Pornography (1982), álbum icónico de los ochenta.
Sin embargo, Disintegration (1989) será la obra maestra de The Cure. Robert vence aquí las asechanzas de la depresión y firma canciones como ‘Lovesong’, en la que el amor a su novia Mary Poole se alza como una oda de ritmo febrilmente melodioso. 

 
(Siempre que estoy a solas contigo / Me haces sentir de nuevo en casa / Siempre que estoy a solas contigo / Me haces sentir en plenitud una vez más / Cuando estoy a solas contigo / Me haces sentir la juventud de nuevo / Siempre que estoy a solas contigo / Vuelvo a sentirme nuevamente divertido / Aun lejos, siempre te querré / Por mucho que aquí esté / Siempre te amaré / Diga lo lo que diga / Siempre te amaré)

Get together

DINO VALENTE (Get together)

Dino Valente heredó de sus padres, actores de circo ambulante, un espíritu desarraigado, generoso y libre, complementado con una disposición artística natural fraguada ya a los diecisiete años, al llegar en 1960 al circuito folk neoyorkino del Greenwich Village.
El Café Wha? recogió su primera actuación en la ciudad, en donde otros pioneros (Fred Neil, Tom Paxton, Bob Dylan,…) también alimentarían las filas que desde una sensibilidad urbana inspiradora de tiempos nuevos transformaría el folk y el blues tradicionales. 
En 1963 Dino se estableció en la bahía de San Francisco y alcanzaría reconocimiento dos años después como guitarrista, cantante y letrista del grupo Quicksilver Messenger Service, cualidades que sobresalen especialmente en Just for Love (1970).
Dino es sobre todo recordado como autor en 1964 de 'Get together', una canción generacional que invitaba a la vida y el amor compartidos. Sin embargo, fue el grupo The Youngbloods quien primero la dio a conocer, y con gran éxito, en 1967.

(El amor no es más que una canción que nosotros cantamos / El temor es una forma de morir / Se puede hacer retumbar las montañas / O que lloren los ángeles / Que sepas que el amor está revoloteando / Y quizá no sepas por qué / Ahora sonreíd todos a vuestros hermanos / Juntaos todos / Esforzaros en amaros los unos a los otros ahora… / Si has escuchado esta canción / Has de entender que tienes la llave del amor y del miedo en tus manos temblorosas / Sólo una llave abre uno y otro / Y está en tus manos...)

Beat Angels

RICKIE LEE JONES (Beat Angels)

Rickee Lee Jones tuvo un comienzo fulgurante con su álbum epónimo de 1979. Sus canciones, que traslucían la avidez de experiencias del ideario beatnick, iban acompañadas de sutiles texturas de jazz y de su voz arrebatadamente elástica e intensa.
Cuando publicó el soberbio Pirates (1980), aún desconsolada por su ruptura sentimental con Tom Waits, las composiciones de Rickie Lee comenzaban a constituirse como un mapa con señales de cuanto le deparaban el amor y el crecimiento espiritual.
Este segundo aspecto se acentuaba vigorosamente en Traffic From Paradise (1993), llegando a decir que “fuera del corazón, hay oscuridad”. Sexto de su carrera, en el álbum participaban ilustres de la guitarra como Leo Kotke y David Hidalgo.
Rickie Lee traía aquí canciones de comienzos y finales vaporosos, dotándolas así de profundas sugerencias. No falta la imaginería beat que le es tan querida, reiterando en ‘Beat Angels’ que también los caídos y perdedores participan de la gloria.
 
(Pidiendo limosna por calles de sol ardiente / Sin poder entablar conversación / Aquí los locales no hablan inglés / Dónde está mi mujer, nadie lo sabe / Ah, bueno, algunas chicas han de marcharse por la noche / Mientras duermes profundamente / Pero no me preocupa, sé moverme en la oscuridad / Hubo luces, hubo luces fronterizas / Me pareció oír un tambor tocando lejos / Vi la luz, puedo jurar que allí había ángeles caídos)

Mr. Bojangles

JERRY JEFF WALKER (Mr. Bojangles)

Jerry Jeff Walker tituló su autobiografía ‘Cantautor gitano’, como reconociéndose a sí mismo en la libertad del nómada. Nació en Nueva York en 1942, pero fue en Tejas donde desarrolló una carrera artística a la altura de la de Willie Nelson o Townes van Zandt.
El vagabundeo lo llevó a Nueva Orleáns en 1963 y al blues del Delta. En 1967, de vuelta en Greenwich Village, militó dos años en Circus Maximus, grupo de folk-rock psicodélico. Asentado en Austin en 1971, su música se pobló de forajidos y marginados.
Asentaría el prestigio de su extensa discografía con Jerry Jeff Walker (1972) y Viva Terlingua (1973), álbumes de country tejano ‘desaliñado pero sin mancha' que realizó acompañado de The Lost Gonzo Band, una banda de músicos amigos.
Jerry Jeff Walker debe su gloria, sin embargo, a 'Mr. Bojangles', canción que compuso en 1968 para contar su encuentro en prisión con un bailarín negro que, aun en horas bajas, trasluce dignidad. Hay muchas versiones de ella (Bob Dylan, Nina Simone...)

(Conocí a un hombre que se llamaba Bojangles / Bailaba para la gente / Con su calzado desgastado / Tenía pelo plateado, una camisa raída / Pantalones abombados y viejos zapatos de baile / Daba grandes saltos / Pero caía suavemente en el suelo / Mr. Bojangles, ¡Baila! / Me encontré con él en una celda de Nueva Orleáns / Yo estaba en horas bajas / Me miraba con ojos de haberlo visto todo / Hablaba de la vida y se reía)

Fall down or fly

LINDI ORTEGA (Fall down or fly)

Lindi Ortega se dio a conocer al gran público con el álbum Little Red Boots (2011), en donde su voz de indómita frescura juvenil reverdecía, mediante canciones como ‘Fall down or fly, la línea representada en la escena country por Dolly Parton o Patty Griffin.
En realidad, Lindi provenía de Toronto, donde nació en 1979, de madre con origen irlandés y de padre mejicano. A este, que tocaba en una banda latina, le debió la afición con que se entregó a la guitarra y a escribir canciones siendo todavía adolescente.
Para cuando autoeditó un primer álbum en 2001, reconocía a Linda Ronstadt, Leonard Cohen o Van Morrison entre sus influencias. Todavía era un tiempo de aprendizaje, que completó durante varios años alistándose como cantante en diferentes bandas.
Instalada en 2012 en Nashville, publicó aquí tres álbumes con los que cada vez fue ganando mayor número de seguidores y presencia en las listas de country. Inopinadamente, tras el último (Faded Gloryville, 2015) decidió parar y darse un largo respiro.  
 
(Dijiste: ‘Chica, tienes que soñar, darlo todo / Hacerles ver que así tenía que ser / ¿No piensas que deberías intentarlo otra vez/ Has visto la gloria y el deshonor, belleza y dolor / Debilidad y fortaleza / Esperando la fama / ¿No crees que deberías darlo todo? / Porque esta es tu vida / Puedes dejarte caer o volar / Puedes consumirte o resplandecer, si quieres, sí / Es tu vida, puedes vivir o morir/ Rendirte o seguir esforzándote, si quieres / Pero no te rindas, no te rindas)

Living next door to Alice

SMOKIE (Living next door to Alice)

La afición musical compartida por Terry Utley (bajo) Alan Silson (guitarra) y el vocalista Mike Chapman en su tiempo de colegiales en Bradford fue la semilla originaria del grupo Smokie, cuya gran aventura se inició al unírseles el batería Pete Spencer en 1973.
Hasta finalizar los setenta, Smokie publicó cuatro álbumes en donde hubo canciones de éxito bajo la fórmula que desprendía sonido country-rock ligeramente psicodélico, estribillos pop, sedosos arreglos de cuerda y la siempre distintiva voz de su cantante.
Entres aquellas canciones, una muy conocida fue ‘Don’t play that rock & roll to me’, protesta contra el amor insincero, que apareció en Changing All The Time (1975). La escribieron para el grupo Nick Chinn y Mike Chapman, también productores del álbum.
Sus nombres estuvieron igualmente detrás de los ecos románticos de la canción ‘Living Next Door To Alice’, que incluía el álbum Midnight Café (1976) y, atendiendo a la excepcional acogida del público, fue la canción más exitosa en toda la carrera de Smokie.

(Sally llamó al enterarse / Y dijo: ‘Supongo que ya sabes lo de Alice’ / Cuando corrí a la ventana / Y miré afuera / Apenas podía creer lo que veía / Una larga limusina se desplazaba por la calle de Alice / Oh, no sé por qué se va / O adónde quiere ir / Imagino que tiene sus razones / Pero no las quiero saber / Porque durante veinticuatro años / Yo he vivido al lado del portal de Alice... / Crecimos juntos / Éramos dos niños en el parque / Grabamos nuestros nombres / En lo profundo de la corteza / Yo y Alice)

For what it's worth

BUFFALO SPRINGFIELD  (For what it's worth)

Buffalo Springfield se constituyó en Los Ángeles a mediados de los sesenta, y en poco más de dos años dejaron tres excelentes álbumes de folk-rock, a la altura de la importancia de los músicos integrantes del grupo, Neil Young y Stephen Stills entre ellos. 
En Buffalo Springfield también estaban Bruce Palmer (bajo), el batería Dewey Martin y el guitarra rítmica Richie Furay. En 1967, tras la marcha temporal de Neil Young, se les unió Jim Messina. Este y Furay formarían en 1969 el grupo de country-rock Poco.
Buffalo Springfield definieron una línea complementaria a la de los The Byrds, menos psicodelizada y más campestre y coral. Debutaron en el Troubadour, en abril de 1966, y poco después el Whisky a Go Go los vería en actuaciones electrizantes.  
En la grabación de Buffalo Springfield (1966) se reflejó el sello especial de Stills y Young. Tras presenciar disturbios callejeros en Sunset Strip, el primero había escrito la canción 'For what is worth’, que se alzó con valor emblemático del rock de los sesenta.

(Algo está pasando aquí / Pero no se sabe exactamente qué / Ahí hay un hombre con una pistola / Diciéndome que me ande con cuidado / Me parece que es tiempo de parar / Hermanos, ¿qué es ese sonido? / Que todos miren lo que pasa / Las líneas de batalla están trazadas / Nadie tiene razón si todo el mundo está equivocado / La gente joven expresa lo que siente / Enfrentándose a la resistencia que viene de atrás / Es hora de parar / ¿Qué sonido es ese?… / Miles de personas en las calles)

Feeling good

NINA SIMONE (Feeling good)

Ambientada en Tokio, la reciente película de Wim Wenders Perfect Days enseña que la vida puede ser entendida desde una mirada apreciativa de lo simple y cercana a la experiencia concreta, equivaliendo al amanecer de una nueva conciencia.
Al final de la película, la banda sonora refuerza esa idea haciendo sonar ‘Feeling good’ en voz de Nina Simone, una canción de su álbum I Put A Spell On You (1965), título que reconocía a un autor, "Screaming Jay” Hawkins, de fuerza liberadora en el rock.
Ella pasaba entonces de la treintena y pronto sería reconocida como ‘la alta sacerdotisa del soul’, pero sabía que ser mujer y negra en Estados Unidos conllevaba una doble discriminación que cabía combatir con leyes y el despertar a la propia dignidad.
Nina se sumó al Movimiento por los Derechos Civiles y a las fuerzas emancipadoras que promovía el arte. Encontró así ‘Feeling good’ en un musical inglés estrenado en 1964, interpretando la canción como si fuera una extensión de su propia personalidad.

(Pájaros que vuelan alto, imagina cómo me siento / El sol en el cielo... / Brisa que va desplazándose, imagina cómo me siento... / Es un nuevo amanecer / Es un nuevo día / Una vida nueva para mí / Me siento bien / El pez en el agua, imagina cómo me siento / El río fluyendo en libertad... / Floración en el árbol, imagina cómo me siento / Libélulas moviéndose al sol, ya sabes lo que quiero decir, ¿verdad?... / Dormir tranquilo al terminar el día, a eso me refiero / Y este viejo mundo es un nuevo mundo)

Time after Time

CYNDI LAUPER (Time after time)

No hay mejor imagen para caracterizar a la Cyndi Lauper de 1983 que la que ilustra la portada de su álbum She’s so unusual, el arrollador debut de pop bailable que parecía haberse intoxicado de noches de fiesta y del poder concedido al dinero.
A Cyndi se la veía dibujando un desinhibido escorzo de libertad y movimiento, proyectando la idea de que las chicas no ponían límites a pasárselo bien. Había obtenido aquella imagen icónica Annie Leibovitz, la fotógrafa que había convertido el retrato en arte.
El disco, producido por David Wolff, su mánager y novio entonces, puso dos canciones (‘Girls just want to have fun’ y ’Time after time’) entre los número uno de las listas, fue platino en ventas y tuvo omnipresencia en la MTV, la cadena de vídeos musicales.
Las diez canciones del álbum llevaban la gracia de su voz singularmente aniñada, como si Cyndi (tenía treinta años) temiera la edad adulta y con ella perder la profusión de colores que, admirando la belleza del arco iris, adornaban su falda, su pelo y su música.

(Echada en la cama / Oigo el tictac del reloj y pienso en ti / Atrapada en círculos / La confusión no es nada nuevo / Me acuerdo de noches ardorosas ya casi sin continuación / Una maleta de recuerdos / Una y otra vez / A veces te hiciste una idea de mí / Como si caminara muy por delante / Me estás llamando / No puedo oír lo que dices / Luego vas y dices: ‘Ve despacio, estoy caído detrás / El tiempo va pasando / Si estás perdido, puedes mirar / Y me encontrarás una y otra vez / Si caes, yo te agarraré / Estaré esperando una y otra vez)

The Time Has Come Today

THE CHAMBER BROTHERS (The time has come today)

The Chamber Brothers fueron sensación en el Festival de Newport de 1965, cuando ya poco tenían que ver con sus raíces en el góspel, forjadas en los cantos de su iglesia Baptista y la pobreza de la vida rural en el Estado de Mississippi de los años cuarenta.
El grupo de los hermanos Chambers (George, bajo; Willie, guitarra; Lester, arpista; Joe, guitarra) y el percusionista británico Brian Keenan se formó en Los Ángeles en 1964, haciendo de su música un movido rythm & blues de fogosas armonías vocales.
Resultado de prodigarse en los escenarios fue su álbum de estreno People Get Ready (1965), que contenía animadas actuaciones registradas en el club Ash Grove de Los Ángeles versionando canciones de artistas negros (Curtis Mayfield, Bobby Womack…)
Asociándose a la agitación socio-cultural del momento, The Chambers Brothers lograron con The Time Has Come (1967), cuarto álbum del grupo, una obra gloriosa de rythm & blues psicodélico que, fiel a la época, llamaba a la acción y el cambio.

(El tiempo ha llegado hoy / Los corazones jóvenes pueden ir a su manera / No puedo posponerlo otro día / No me importan lo que otros digan / Da igual, dicen que no escuchamos / El tiempo ha llegado hoy / Hoy han cambiado las normas / No tengo donde quedarme / Estoy pensando en ir a la estación de metro / Mi amor se ha marchado / Me acuden, contengo las lágrimas / Oh, Señor, tengo que ir vagabundeando / Sin hogar)

None of us are free

SOLOMON BURKE (None of us are free)

Nacido en 1940, Solomon Burke estuvo vinculado al gospel y a cierta iglesia evangélica de Filadelfia desde niño. Como cantante, obtuvo un primer éxito en 1955 con ‘Christmas presents from Heaven’, sin que ello le evitara verse desempleado poco después.
En 1960 firmó con el sello Atlantic, iniciando una carrera que haría de él patriarca del soul y lo pondría a la altura de Otis Redding o Sam Cooke. Dirigido por el productor Jerry Wexler, logró ampliar con gran éxito su repertorio y ser bienvenido en el circuito rock.
Solomon, siempre deudor de su fe baptista, rehuyó el pop para ser el incorruptible 'rey del rock & soul' durante más de cuarenta años, tiempo en el que publicaría una veintena de discos, servidos con clasicismo y el sello inigualable de su voz.
En 2002, cuando su estrella parecía languidecer, el álbum Don't give up on me, atesorando composiciones de Van Morrison, Bob Dylan, Joe Henry y otros, reafirmó su inalterable magisterio. The Blind Boys of Alabama lo acompañan en 'None of us are free'.

(Haríais bien en escucharme, hermanas y hermanos / Porque si lo hacéis, podréis oír / Las voces que no dejan de llamar a través de los años / Y sus gritos cruzan el océano / Y se extienden por la tierra / Y así seguirá siendo hasta que todos entendamos / Que ninguno de nosotros es libre / Ninguno de nosotros es libre / Mientras haya alguien con cadenas / Y gente aún en la oscuridad.../ El mensaje tiene que oírse y ser trasladado fuerte y claro / Ninguno de nosotros es libre)

Snow in San Anselmo

VAN MORRISON (Snow in San Anselmo)

Van Morrison tenía veinte años en 1965, cuando arropado del grupo Them consiguió hacer de ‘Gloria’ un tema clásico. Pero el verdadero salto lo daría dejando atrás los aires tormentosos norirlandeses por los más sugestivos que encontró en Nueva York.
El excitado rythm & blues mutaría allí en el folk impresionista con textura cercana al jazz que llena el fabuloso Astral Weeks (1968). Luego, asentado en Woodstock, compondría Moondance (1970), donde se entrega a la mística en la búsqueda de sí mismo.
Armado de una voz radiante, Van se hallaba en el periodo de máxima creatividad que aún perdura en Hard Nose the Highway (1973), séptimo álbum de estudio, grabado en su casa de Fairfax (California) con ayuda de la California Soul Orchestra.
Aunque aquí haya temas con más técnica que emotividad, tampoco faltan momentos deslumbrantes, como los que ofrece ‘Snow in San Anselmo’, una celebración de la llegada de la nieve, ausente durante treinta años, que abre el coro de la sinfónica de Oakland.

(Nieve en San Anselmo / El ciervo cruza junto a las luces / La misión en el viejo San Rafael / Un loco en busca de pelea / El salón de masajes está abierto / La clientela entra y sale / La estación de música clásica / Suena de fondo baja y apacible / El silencio envuelve las cascadas / Hielo crujiente y claro... / Nieve en San Anselmo / Mi camarera, mi camarera / Dijo que estaba cayendo / Le dije que eso fue, que no había pasado en treinta años / Pero estaba depositándose en el suelo)

Fly bird

GALE GARNETT (Fly bird)

Gale Garnett (Auckland, 1942) nació en Nueva Zelanda, en una familia que se mudaría a Inglaterra cuando ella tenía ocho años. A esta edad ya le dieron papeles en anuncios de televisión. El oficio ambulante de su padre aún los llevó a Canadá en 1954.
Gale era adolescente cuando en Nueva York estudiaba interpretación escénica, valiéndole después esto para actuar en populares series televisivas. Pero en 1963 centró su interés en el camino de cantante que la actuación en un club musical le había abierto.
Ese mismo año consiguió un gran éxito con ‘We’ll sing in the sunshine’, sencillo que llegó a ser disco de oro. En los cuatro años siguientes firmaría para el sello RCA una media docena de álbumes, siendo My kind of Folk Songs (1964) el primero de ellos.
Ya en Los Ángeles, a finales de la década realizó dos álbumes de folk psicodélico con el grupo Gentle Reign. Los setenta vieron su regreso al mundo de la interpretación en el cine, la televisión y el teatro, mientras iba despertando a la faceta de escritora.

(Vuela pájaro, vuela, vuela pájaro, vuela / No volarás más solitariamente que yo / Hay un pájaro que vive en la parte oscura del cielo / Y cuando me llama / Sé que he de ponerme a volar ... / El sonido más triste que oyeron mis oídos / Fue el de un niño llorando... / Ni el pájaro ni yo vemos tierra alguna / Y cuando muramos / Será solo entonces cuando caeremos… / Te diré lo que harán pronto un día / Matarán a mi pájaro / Y esa mañana yo también moriré / Vuela pájaro, vuela  / No volarás más solitariamente que yo)

Come along buddy

JOACHIM COODER (Come Along Buddy)

Joachim Cooder (Santa Mónica, 1978) creció en el privilegiado ambiente musical que rodeaba a su padre Ry, gran artífice de una obra ecléctica que da cabida a muy variados estilos e influencias con suelo en Norteamérica y el Caribe.
Dice Joachim que su afición a la percusión nació del embelesamiento que de niño le procuraba observar al batería Jim Keltner, colaborador de su padre. Y fue como percusionista que participaría en el celebrado disco cubano Buena Vista Social Club (1997).
Del multiinstrumentista artista maliense Ali Farka Touré le vino asimismo aficionarse a la calimba, una suerte de piano tradicional africano. Una adaptación modernizada del instrumento destaca en su tercer álbum, el titulado Over that road I’m bound (2020).
Joachim desarrolla aquí temas inspirados en Uncle David Macon, el banjista de repertorio en antigua música de los Apalaches. Nota enternecedora es que diera cierta dirección al trabajo escuchando los comentarios de su hija Paloma, entonces de cuatro años.

(Dejé mi casa hace una semana / Ahora aquí estoy, junto a tu ventana / Hay algo que huele muy bien / Quizá podrías guardarme algo, si te va bien / Me siento contento, ¿sabes? / Venga, amigo, ¿no quieres partir? / La chica del tren de vapor va de un lado a otro / De la Montaña del Gran Oso a la ciudad de Feldin / El vagón va atestado de sueños / De tantos como la mirada alcanza …/ Me he construido una casa en el árbol / Quizá quieras quedarte conmigo / Envía estas fotos a los amigos / Y que sepan que finalmente te he encontrado)

The Girls in Paris

LEE HAZLEWOOD (The girls in Paris)

Por la obra de Lee Hazlewood, que abarca tanto sus trabajos de producción como una idiosincrásica carrera singularizada con su grave voz de barítono, discurre una original inventiva que está sembrada de humor y heterodoxia.
Lee Hazlewood nació en 1929 en Mannford, noreste de Oklahoma. Su juventud estuvo repleta de paisajes y oficios variados. La radio le ofreció, primero en la Corea de guerra y luego en Phoenix, empleo como presentador de discos.
En este desempeño aprendió técnicas de producción que en Los Ángeles puso a disposición de los primeros éxitos de Duane Eddy. Y Nancy Sinatra le debe el haber revitalizado su carrera en 1966 gracias al consejo que de él recibió: cantar para camioneros.
El segundo álbum de su trilogía para MGM se tituló Hazlewoodism: Its cause and cure (1967), en donde Lee se acompaña de Suzi Jake Hokom en la canción ’The girls in Paris’, cuya alegre orquestación dejar escapar hasta aires de mariachi.

(Las chicas de Paris son especiales y únicas / Lo ves en sus ojos cuando van andando por la calle / Cantan una canción que mi pobre corazón no puede olvidar / Ójala pudiera estar todavía esta noche en París / Óyelas cantar: 'La La La La Lee La La La Lee' ... / Las chicas de París se enamoran una vez a la semana / Solo de amor saben y solo de amor hablan / Óyelas cantar: La La La La Lee La La Lee)

China

TORI AMOS (China)

En el pueblo suizo de Montreux, a los pies de los Alpes, se celebra desde 1967 su famoso festival veraniego, que, pensado al principio para músicos de jazz, enseguida realzó su prestigio al abrirse a la excelencia de artistas y bandas de otros géneros.
En 1991 Tori Amos preparaba en Londres el que, titulado Little Earthquakes (1992), sería su álbum de debut –un arrollador ejercicio de catarsis personal característica y vigorosamente punteado al piano–, cuando fue invitada a participar en el festival.
A Tori le tocó hacer de telonera de los Moody Blues, pero decidió darse a conocer definitivamente, adueñándose del escenario con la rara frescura interpretativa de que era capaz, y para lo que solo necesitaba de su voz pasional y de las firmes notas del piano.
Tori adelantó aquí siete canciones de Little Earthquakes, una de ellas ‘China’. Hija de predicador metodista, Tori volvería a Montreux al año siguiente para gritar ante un público ahora expectante que ya contaba con una voz libre tras tantos años de silencio.

(La distancia de China a Nueva York / Puedo sentirla acercándose / Estás justo a mi lado / Pero necesito un avión / Puedo sentir la distancia en tu respiración / A veces pienso que quieres que te toque / Pero, ¿cómo hacerlo si levantas un muro tan grande a tu alrededor? / En tus ojos vi un futuro juntos / Tú solo miras a la distancia / China decora nuestra mesa / Es curioso que las grietas no acaben de mostrarse / Sirve el vino, querido / Dices que nos iremos de vacaciones / Pero no nos ponemos de acuerdo a dónde ir)

Turn! Turn! Turn!

THE BYRDS (Turn! Turn! Turn!)

The Byrds, el grupo que Roger McGuinn y Gene Clark formaron en Los Ángeles en 1964, impulsaron desde sus inicios el folk-rock eléctrico que, con afán innovador y genialidad artística, fue pilar fundamental del panorama musical californiano de los sesenta.
El grupo, que se completó hasta 1967 con David Crosby, Chris Hillman y Michael Clarke, participaba del mismo espíritu visionario y festivo con el que los Beatles y Bob Dylan revolucionaron los contenidos temáticos, poéticos y musicales de la música popular.
Apoyados en sus densas armonías vocales y la reverberante guitarra de doce cuerdas de McGuinn, The Byrds dieron resplandor en el comienzo a algunas canciones de Dylan con base en el folk, como ‘Mr. Tambourine Man’ o ‘The times They Are A-changing’.
Antes de adentrarse en la psicodelia (Fith Dimension, 1966), en su segundo álbum (Turn! Turn! Turn!, 1965) adaptaron con gran éxito el tema que le daba título, y que había escrito Pete Seeger en 1959 inspirándose en un capítulo del Libro del Eclesiastés. 

(Para todo - girar, girar, girar / Hay una estación - girar, girar, girar / Y un tiempo bajo el cielo para cada propósito / Un tiempo para nacer, un tiempo para morir / Un tiempo de plantar, un tiempo de cosechar / Un tiempo para matar, un tiempo para curarse / Un tiempo de reír, un tiempo de llorar / Para todo - girar, girar, girar / Hay una estación - girar, girar, girar ... / Un tiempo para edificar, un tiempo para destruir / Un tiempo de bailar, un tiempo de apenarse)

Mysteries of love

JULEE CRUISE (Mysteries of love)

La cantante y actriz americana Julee Cruise llevó su nombre asociado al romántico psicodrama de la película Blue Velvet, que David Lynch dirigió en 1985, teniendo a Angelo Badalamenti en la composición musical y a Isabella Rossellini como intérprete principal.
Ateniéndose al clima túrbido que envuelve la película, Julee cantaba con voz vaporosa 'Mysteries of Love’ en un intento de transmitir el cálido tremolar de la llama que, sobreponiéndose al bosque frío del misterio y la descomposición moral, enciende la pasión.
Favorecida por la popularidad, Julee publicaría el álbum Floating In The Night (1989) con diez temas compuestos por Badalamenti y letras a cargo de Lynch. Algunos de ellos aparecieron repetidamente en la serie televisiva Twin Peaks.
Si bien colaboró con B-52s entre 1992 y 1999 y ella misma actualizaría su sonido en The Art Of Being A Girl (2002), dando paso a la electrónica en clave trip-hop, su mayor reconocimiento lo siguió encontrando en la nebulosidad romántica de sus principios.

(A veces un viento sopla / Y tú y yo / Flotamos / En medio del amor / Y nos besamos eternamente / En medio de una oscuridad / Y los misterios del amor / Devienen claros / Y danzan / En medio de la luz / En ti / Y muestran / Que nosotros / Somos Amor / A veces un viento sopla / Y los misterios del amor / Devienen claros)

Helpline Operator

THE THE (Helpline operator)

Matt Johnson (Londres, 1961) formó el grupo The The en 1979, continuando una temprana afición musical cuya semilla debieron de ponerla los músicos que pasaban por el pub Two Puddings de su padre y las salas de baile y de conciertos de su tío.
Tanto el álbum Burning Blue Soul (1980), su debut discográfico, como Soul Mining (1983) iniciarán, mediante percusiva música electrónica y melodías de engañoso pop bailable, la que será su insistente idea sobre la fragmentada conciencia moderna.
Una agotadora autoexigiencia artística quizá fue la causa de que en 2000, tras publicar casi una decena de álbumes, Matt paralizara The The para dedicarse a actividades empresariales relacionadas con el mundo de la música y la edición literaria.
Pero en 2018, tras estar inactivo dieciséis años, regresó al escenario junto a tres de sus antiguos músicos (DC Collard, teclados; Earl Harvin, batería; James Eller, bajo) y el guitarrista Barrie Cadogan, dando un concierto triunfal en el Royal Albert Hall.

(Miro el sol poniéndose en la ciudad de Londres / Espero el sonido de las voces nocturnas / Huelo el dolor en el aliento de los desorientados y solitarios / Oigo los pensamientos que albergan los corazones de todo hombre / Soy el operador de ayuda telefónica y te regalaré mi tiempo / Soy un extraño muy cercano/ Tus problemas serán los míos... / Susúrrame al oído / Cuéntame las cosas que no quieres ver / Todo el mundo busca a alguien… / Todos andan buscando un amor de verdad)

The Fool On The Hill

HELEN REDDY (The Fool On The Hill)

En noviembre de 1976 se puso en cartelera la película All This And World II, que, con imágenes de archivo de la Segunda Guerra Mundial procedentes de noticieros de la compañía Movitone News, quería manifestar lo absurdo de aquella y de otras guerras.
El guión debía de estar contagiado de ese mismo absurdo porque los críticos recibieron el film con total desdén. Caído en el olvido, la banda sonora, en cambio, ha pervivido gracias al interés de estar basada en interpretaciones del cancionero de los Beatles.
Participaron en ella, entre otros, los nombres de Rod Stewart, The Bee Gees, Tina Turner o Bryan Ferry. Todos ellos, sin embargo, se supeditaron a la grandilocuencia sinfónica de la London Symphony Orchestra, bajo la dirección musical de Lou Reizner.
La pomposidad orquestal, así como la ensoñación que inspira a Paul McCartney seguramente sonaban extemporáneas al punk incipiente, pero nada distrajo a Helen Reddy de devolver solemnemente a ‘The Fool On The Hill’ su brillo de diamante.

(Un días tras otro / El hombre de sonrisa tonta se mantiene completamente inmóvil / Pero nadie quiere conocerlo / Ven en él solo a un loco / Y nunca responde a algo / Pero el loco de la colina ve ponerse el sol / Y los ojos de su cabeza ven el mundo dar vueltas / Con determinación / La cabeza en una nube / El hombre de mil voces habla bien alto / Pero jamás nadie lo escucha / O el sonido que aparentemente hace / Y no parece que él se dé cuenta de ello / Pero el loco de la colina ve ponerse el sol / Y los ojos de su cabeza ven el mundo dar vueltas)