Once were brothers

ROBBIE ROBERTSON (Once were brothers)

Robbie Robertson tuvo el mérito de liderar The Band, un grupo de cinco geniales músicos cuyo debut en 1969 con el álbum Music from the Big Pink electrizó las bases de la música rural americana con mirada moderna y sonoridad impresionista.
Así, un elenco de grandes figuras se reunió (Neil Young, Joni Mitchell, Bob Dylan, Van Morrison…) para rendirles homenaje y participar en vivo en The Last Waltz (1978), el álbum con que se despedían. Robbie inició su carrera en solitario once años después.
Lo hizo con un álbum epónimo que produjo el también canadiense y afamado Daniel Lanois. Las claves de su futura música estaban ya aquí, y tenían que ver con la tendencia a crear atmósferas sosegadas pero abiertas a una estimulante reflexión.
Se interesó por la música tribal (su madre era india) y trabajó en bandas sonoras para películas de Scorsese. Acompañó Sinematic, (2019) con pinturas propias, una afición que cultivó para cumplimentar pictóricamente el contenido narrativo de sus canciones.

(Cuando la luz se apague / Y no puedas seguir / Echarás a faltar a tus hermanos / Pero ahora ya se han ido / Cuando la luz se apague / Iremos cada uno por nuestro lado / No quedará sino oscuridad / No hay motivo para quedarse / Fuimos hermanos / Ya no / Perdimos la conexión / Tras la guerra /  No habrá reverdecimiento / No habrá repetición / Fuimos hermanos / Ya no / Cuando caiga el telón / El pasado quedará atrás)

Shake Sugaree

ELIZABETH COTTEN (Shake Sugaree)

Elizabeth Cotten, nacida en Carolina del Norte en 1893, aprendió a tocar con el banjo de su hermano, pero a los quince años lo trocó por la guitarra, desarrollando un estilo que pertenece ya a la historia de la música étnica tradicional americana.
Aunque a los once años compuso el clásico 'Freight train', que ha sido interpretado por numerosos artistas, entre ellos Peter, Paul & Mary, Jerry Garcia, Bob Dylan o Laura Veirs, su nombre y su talento fueron descubiertos muy tarde.
Tras mucho rodar, el destino la llevó a casa de Mike Seeger, un apellido de máximos representantes del folclor americano, quien desvelaría la magia de la guitarra de Elizabeth Cotten a través de grabaciones domésticas.
El sello Folkways editaría Folksongs & intrumentals with guitar (1958), y después Shake Sugaree (1965), en donde Elizabeth Cotten y la voz de su nieta Brenda Evans evocan un mundo atemporal en la canción del mismo título.

(Toma una cancioncilla / No llevará mucho tiempo / Cántala bien, una o dos veces / Oh, Señor, ¿no probé fortuna?/  Nada me queda y todo lo he empeñado / El reloj / La cadena / He empeñado todo lo que estaba a mi nombre / Oh, Señor, ¿no probé fortuna? / Oh, Señor, nada me queda y todo lo he empeñado)

Slipping Away

PEARL CHARLES (Slipping Away)

Pearl Charles (Los Ángeles, 1991) se dio a conocer artísticamente formando a los dieciocho años el dúo The Driftwood Singers, en el que además de cantar tocaba la guitarra y la autoharpa. Luego sería baterista en el grupo garajero The Blank Tapes.
Comenzó su carrera en solitario a en 2015 con el disco epónimo que le descubre una fuerte personalidad musical, entrecruzando reflejos clásicos y modernos que bien podrían pertenecer a Emmylou Harris y Lana del Rey, como señaló algún crítico.  
El estilo de Pearl bebe en fuentes californianas de soleado country pop, una modalidad que domina con voz cadenciosa y grácil sentido melódico. En Sleepless Dreamer (2018,) deja que su espíritu soñador se entregue a abundantes promesas de felicidad.
Muestra de la firme progresión de la artista es Magic Mirror (2021), un álbum que Pearl distingue con dinamismo ligero y elegantes arreglos, y recuerda al pop vitalista pero soterradamente convulso de Fleetwood Mac en los setenta.

(He estado así semanas y semanas / ¿Por qué parecen años? / Sabemos que vivimos y morimos / Pero no sabemos por qué estamos aquí / Los horizontes de nuestras mentes cambian con la perspectiva / Nunca ha habido una línea entre el pasado y el presente / Mira como se desvanece, ahí lo tienes / Lo que antes decíamos ha dejado de tener sentido…/ Solo quedan las canciones como prueba de una existencia incompleta)

Touch of Grey

GRATEFUL DEAD (Touch of Grey)

Los Grateful Dead, con Jerry Garcia (guitarra acústica, voz) a la cabeza, estrenaron su discografía en 1967 dando vida a un sonido vitalista y garajero que enseguida mutaría al aire denso y ácido de la psicodelia que estrena el álbum Anthem of the sun (1968).
A Grateful Dead los unía además un sentido de vida contracultural, en la que las sustancias psicotrópicas conferían a sus conciertos en vivo, a los que sus seguidores acudían como en cónclave religioso, el carácter de improvisado viaje mental.
Aun sufriendo cambios de personal, Grateful Dead dejó durante un par de décadas un reguero de música sobresaliente que primero fue psicodélica y luego, a partir de Workingman’s Dead y American Beauty, ambos de 1970, más country-rock.
Mucho había llovido desde su debut, pero todavía en 1987, año de la publicación de In the dark, Grateful Dead seguía manteniendo la inspiración para componer canciones de tono jubiloso que, como 'Touch of grey’, les daba acceso a una mayor audiencia.

(Debe estar haciéndose temprano, los relojes van atrasados / El sabido cielo matinal suena a falso / El alba despunta por doquier, enciende una vela, maldice el resplandor / Cierra las cortinas, no me importa, no pasa nada  / Me las apañaré, sobreviviré / Te veo con el puño al aire, di lo que tengas que decir y vete / Veo el meollo del asunto, pero está bien / Lamento que te sientas así, es lo único que puedo decir / Todo rayo de luz lleva una mancha de gris / Me las apañaré)

Man in the tree

PEARLS BEFORE SWINE (Man in the tree)

Respondiendo a la personalidad de Tom Rapp, que como músico y letrista tendía a componer canciones oscuras y de contenido simbólicamente religioso, Pearls Before Swine fue un grupo excéntrico hasta en su mismo nombre (Perlas para los cerdos).
Residiendo en Florida, Tom formó el PBS en 1965 con tres músicos más. Debutarían dos años después con One Nation Undeground (1967), luego que el sello neoyorkino ESP –sinónimo de todo tipo de rarezas– los acogiera en su catálogo.
Aquel álbum es una pieza de singular folk psicodélico, característica que denota ya la misma portada, adornada con el ‘El Jardín de las delicias’, del Bosco. No menos interesante es Balaklava (1968), que incluía una versión de ‘Suzanne’, de Leonard Cohen.
El sentido extrañamente original que movía a Tom se refleja nuevamente en These Things Too (1969), en donde ‘El hombre del árbol’ podría ser el Cristo que en la cruz revaloriza la condición humana y sus momentos de felicidad.

(El hombre del árbol me está mirando / La sangre le va cayendo / Dice: ‘¿Adónde te diriges?' / Respondo: ‘Voy yendo a la ciudad para deshacerme de mi corona / Y no volver aquí nunca más’ / Mi dama, a la espera, está tejiendo un traje / De seda y luz de luna y de ahora / Y nunca pregunta cómo / Tarea tan placentera, ella nunca pregunta / Y solo escucha a los amigos / El hombre de la tienda mira mi corona / Escucha mi triste historia / Dice que nunca falla / Si la corona está a la venta, te daré algunos clavos)

Genevieve Waite

GENEVIEVE WAITE (Love is coming back)

En 1976 David Bowie se estrenó en el cine protagonizando el papel principal de El hombre que cayó a la tierra, una película que, basada en la novela homónima del escritor americano Walter Tevis, dirigió el realizador inglés Nicolas Roeg.
Este film de culto presenta a un Bowie extraterrestre llegado a la Tierra procedente de un planeta inhabitable. Su intención de regresar a Anthea y salvar a los que allí quedan se verá frustrada ante la autodestrucción al que le arrastran el vicio y la soledad.
Pero la banda sonora no tuvo como autor a Bowie, que había publicado un año antes su clamoroso Young Americans, sino a John Phillips, alma del grupo californiano Mamas & The Papas, y al percusionista y compositor japonés Stomu Yamashta. 
La banda sonora daba paso también a la voz de Louis Armstrong en ‘Blueberry Hill’ y a la entonces esposa de Phillips, una sorprendente Genevieve Waite, que había publicado en 1974 el disco del que formaba parte ‘Love is coming back’.
 
(Me parece que está volviendo el amor / El romance está al alza / Y en todas partes, chicos y chicas intercambian miradas / Van caminando juntos / Cogidos de la mano y manteniendo largas conversaciones / Sobre algo dulce, algo amable / Es un punto decisivo / Abre la puerta, enciende un cigarrillo / Dile que está guapa y a ver qué pasa / No so aburrirá si haces de musculitos / No dejará de prestarte atención)

Keep me turning

PETE TOWNSHEND / RONNIE LANE (Keep me turning)

Desde el primer álbum de The Who, aparecido en 1965, Pete Townshend proporcionó la señal de identidad del grupo en su papel de guitarrista y principal compositor, pero luego concibió ideas y proyectos que sobrepasaban el marco de su trabajo conjunto.
Con Tommy (1969) escribió la considerada primera ópera rock. Los músicos participantes eran también actores subordinados al hilo narrativo de la historia: la de un joven al que un secuestro psicológico ha convertido en sordomudo y ciego.
Luego Quadrophenia (1973) hurgaría en las trastornos personales y familiares de un mod de clase trabajadora. Antes, en solitario, Who came first (1972) había dejado traslucir inquietudes religiosas sustentadas en las enseñanzas de su gurú Meher Baba.  
A esta onda expansiva pertenece igualmente Rough Mix (1977), una colaboración con Ronnie Lane (The Small Faces, The Faces, Slim Chance), que, producida por el prestigioso Glyn Johns, resultó en una pequeña obra maestra, reflexiva y estimulante a la vez.

(El río está creciendo / No hay leña para el fuego / Ellos han visto al Mesías / Pero yo me lo he perdido otra vez… / El agua está acercándose / Será mejor será llamar al tendero / Y almacenar patatas / Oh, Jack, ¿vendrás, por fin, un día? / ¿Tu alma operística se tornará negra? / Que tú me hagas seguir dando vueltas / Que por ti siga ardiendo / No me dejes nunca)