Pat Kilroy

LIGHT OF DAY (Pat Kilroy)

Pat Kilroy murió prematuramente de enfermedad el Día de Navidad de 1966, a la edad de veinticuatro años, pero dejó tras de sí Light of Day, un álbum interesante por ser precursor del denominado folk ácido.

Aún realizaba estudios en una localidad del Big Sur cuando Pat Kilroy conoció a amigos con quienes compartió su interés por la música india y del Medio Oriente, entre ellos Stefan Grossman, hoy famoso guitarrista.  

El grupo formado aportaba un sonido de reminiscencias gitanas, mientras Pat Kilroy, en actuaciones por la Bahía de San Francisco, jugaba a improvisaciones vocales que anticipan la desmesura posterior de Tim Buckley.

'Light of Day', canción que da título a aquel álbum, es un buen ejemplo de la intención que perseguía Pat Kilroy tanto en los temas de sus letras como en su música.

(¿Vendrías a pasear conmigo esta noche / Por la senda de la aflicción / Hasta el bosque del fulgor? / Recordaremos que la oscuridad se desvanece / Y la mañana más temprana trae la luz del día)

<

Julie Driscoll

Julie Driscoll & The Trinity - "Tramp"

Julie Driscoll contribuyó en primera fila a la fiesta solar del "swinging London" con su enorme estilo personal y una voz que era brasa viva. 

Como en el cuento de la Bella durmiente, Julie Driscoll pasó de quinceañera del club de fans de los Yarbirds a estrella radiante del pop después de ser descubierta por G. Gomelsky, el productor del grupo.

En 1967, aún por cumplir veinte años, empezó con Brian Auger & The Trinity su etapa musicalmente más gloriosa. De ese año es "Open", un gran álbum en el que no falta jazz rítmico y blues sudoroso. 

En "Tramp", diálogo a una sola voz sobre el amor como primer valor, la fascinante Julie Driscoll está rodeada de un tempestuoso acompañamiento, con Brian Auger al órgano Hammond.

("¡Trampero! No llevas ropa del continente ni sombreros Stetson. -Te diré una cosa... Soy una persona amorosa... Sí, mi madre lo fue, y mi padre también. Yo soy su hijo único. Y lo único que quiero hacer es amar")

River

JONI MITCHELL (River) 

Joni Mitchell, la que fuera primera dama de Laurel Canyon, es la más grande y genial de las compositoras de la generación de Woodstock. 

La cantautora canadiense cimentó su celebridad con sus trabajos de los años setenta, pero su carrera artística, que abarca también la pintura, se extiende a más de tres décadas de indagación en el folk, el jazz y las vanguardias.

En el año 1971 publicó Blue, un gran logro musical en el que, en un ejercicio confesional infrecuente en el rock, Joni Mitchell desveló profundas heridas emocionales y sentimientos escondidos.

La canción 'River' es la condensación de su tristeza ante unas Navidades que le hablaban de amor cuando lo había perdido, ante unas fiestas que destruían naturaleza para tener arbolitos adornados de luces.

(Llegan las Navidades / Ya están cortando árboles / Poniendo renos / Y cantando canciones de gozo y paz / Oh, ojalá tuviera un río para escapar patinando / Pero aquí no nieva / Y sigue igual de verde...)

PJ Harvey

PJ Harvey - "In the dark places"

Polly Jean Harvey, una mujer de espíritu libre que siempre arriesga y apunta a territorios de expresión musical nuevos, llegó en 1992 con fuerza huracanada para inaugurar una época en la música popular.

Desde entonces PJ Harvey ha publicado más de diez álbumes que expresan sin compromisos la furia y el ruido pero también los remansos de paz que habitan su mundo interior. 

"Let England shake" ha sido votado el mejor disco de este año por las revistas especializadas como reconocimiento a la majestuosa conjunción de música y letras para evocar un pasado doloroso de su país. 

En la canción "In the dark places", PJ Harvey contrapone el proyecto de explorar y vivir los misterios de este mundo al sinsentido de la guerra y sus muertes.

("Nos levantamos temprano/Nos lavamos la cara/Nos pusimos a andar por los campos/Y levantamos cruces/Pasamos por montañas odiosas/Fuimos hacia el infierno/Y de los nuestros algunos volvieron/Otros no")

Linda Perhacs

Linda Perhacs - "Moons and cattails"

Era altamente improbable que Linda Perhacs trabajando de auxiliar dentista explotara a ratos la magnífica veta musical que llevaba dentro, pero lo hizo y el resultado reverbera  en el tiempo.

Con el Pacífico detrás de la ventana, Linda Perhacs vivió cerca de bosques y colinas una normalidad aparente mientras observaba fascinada cómo la música joven estaba revolucionando la sociedad y la política en América.

Alentada por Leonard Rosenman, compositor de bandas de película y música clásica, Linda Peharcs creó las canciones de "Parallelograms", un álbum de folk psicodélico que se publicaría en 1970.

La magia de la naturaleza y experiencias sutiles y quebradizas son los temas principales del álbum. Así, "Moons and Cattails" es un viaje a los orígenes, allá donde se disuelven las diferencias.

("Lunas y espadañas, sol y arenisca/De tiempo antes me eran conocidos/Dejemos atrás  la cueva/Dejemos atrás el aullido/Volvamos a las húmedas noches/Al pesado sueño del tiempo/A la negrura desnuda del basalto")

Ann Peebles

Ann Peebles - "Hanging on (You just keep me)"

Desde sus tempranos comienzos en el coro gospel de la iglesia baptista de su padre, Ann Peebles supo que la música soul era su vida.

Cuando, con veintiún años, en 1969 firmó contrato con Willie Mitchell, el famoso productor y propietario del sello HI Records de Memphis, la vida artística de Ann Peebles adquirió vertiginosa aceleración.

Su colaboración con Don Bryant, el escritor en nómina de aquellos estudios, dio pronto sus frutos, y el nombre de Ann Peebles entró varias veces en el Top 20 de las listas de Rythm and Blues.

La poderosa sección rítmica destaca en "I can't stand the rain", el excelente álbum de 1972, en donde hay una rendida interpretación de "You keep me hanging on", canción escrita por Ira Allen y Buddy Mize.

("Es verdad que me tienes atrapada entre tus dedos/Es como si les perteneciera/Tú sabes cómo retenerme/Sabes cómo apasionarme/Y sabes cómo controlarme, y consigues que me guste/Lo justo para mantenerme colgada de ti")

Dale Hawkins

Dale Hawkins - "Suzie Q"

Dale Hawkins provenía de las tierras pantanosas de Louisiana, en donde el aire húmedo y caliente del Golfo crea un paisaje de fertilidad y abundancia que contagia la producción de los artistas. 

El sonido rockabilly, en el que Dale Hawkins militó en los años cincuenta y tuvo a campeones como Bill Haley y Carl Perkins, fue un género híbrido de country y rock, con ingredientes de boogie woogie y rythm and blues.

Dale Hawkins sofisticaría su sonido después con producciones cuidadas y suntuosas que incluían flautas, guitarra fuzz o melotrón, pero, por encima de todo, siempre será recordado por una canción de leyenda.

Escrita en 1957, "Suzi Q" ocupa un lugar imborrable en los anales del rock. Elvis o Creedence Clearwater Revival, entre tantos otros, la hicieron suya  en grandes versiones, mas el padre de la canción fue Dale Hawkins.

("Oh Suzi Q, te quiero, Suzie Q/Me gusta tu manera de andar/Tu manera de hablar.../Dices que serás fiel/Te quiero, Suzie Q.../Dices que serás siempre mía.../Oh, Suzie Q, muchacha, te quiero")

Buffy Sainte-Marie

Buffy Sainte-Marie - "He's a keeper of the fire"

Buffy Sainte-Marie, como mujer nacida en una reserva india de Canadá, ha sido mucho más que una chica country o una chica folk dentro de la escena musical.

A Buffy Sainte-Marie parece dominarle la fuerza antigua de sus ancestros desde sus primeros álbumes para Vanguard, el primero de 1964. 

"Illuminations", de 1969, es una muestra de apasionamiento en el que el vibrato de su voz y la distorsión de la guitarra son a veces llevados al extremo.

En "He's a keeper of the fire", canción de aquel álbum, Buffy Sainte-Marie utiliza un ritmo trepidante para transmitir la clase de visión que sólo poseen los artistas de energía incendiaria.

("Tiene la pesantez del plomo, chica/Tiene la delgadez del alambre/Es el profeta de un nuevo día, chica/Él es el guardián del fuego.../Le vi andando por el valle/Pude verle a través de los árboles/Le vi hablando a la luna/Iba andando de rodillas/...Él es el guardián del fuego")

Tim Buckley

Tim Buckley - "Phantasmagoria in Two"

Tim Buckley creó en diez años una obra a la medida del volcán encendido que llevaba dentro.

En 1966 se dio a conocer con canciones espléndidas en la línea folk-rock, pero en trabajos sucesivos acometió otros estilos, con su voz como estilete para abrirse paso entre su mundo complejo y cambiante. 

Tim Buckley tenía veinte años cuando compuso en 1967 "Goodbye and Hello", un álbum destacado en su discografía, que muestra intensamente las esperanzas y temores de aquellos tiempos de grandes promesas. 

En la canción "Phantasmagoria in two", el artista desnuda sus sentimientos y se muestra conmovedoramente frágil. 

("Si me dices una mentira, lloraré por ti/Háblame del pecado y reiré/Si me hablas de lo mucho que has sufrido/Nunca más volveré a sonreír/Hay lluvia en todas partes, mi amor/Hay miedo en todas partes")

Jim Sullivan

Jim Sullivan - "U.F.O"

Jim Sullivan dejó Los Ángeles en marzo de 1975 buscando reactivar su carrera musical en Nashville, pero al llegar a Santa Rosa, en Nuevo Méjico, desapareció misteriosamente para siempre.

Jim Sullivan procedía de Nebraska, en cuyos locales y bares se impregnó del bluegrass, del folk y del blues. Esto le convertiría después en el joven músico que formó parte de varios grupos de rock del área de L.A.

La fama llegó a rozarle en 1969, cuando Jim Sullivan compuso un puñado de canciones de folk-rock hipnótico para el álbum "U.F.O", en el que participaron músicos de estudio de la famosa banda Wrecking Crew. 

 "U.F.O" también es una canción del álbum, y muchos la consideran como premonición y explicación a su misteriosa desaparición.   

("...¿Llegó en un platillo volante?/Algo está pasando que no está nada claro/Algo diferente a otros años/Creo que la felicidad esta muy cerca/No dejo de mirar el espectáculo con mirada absorta")

Jim Ford

Jim Ford - "Changing Colours"

En las tierras mineras de Kentucky donde nació Jim Ford en los años cuarenta no había para los jóvenes mucho más que el trabajo duro de las minas y la distracción de la música que transmitía la radio.

Después de unos años en Nueva Orleáns, todavía adolescente, y servir en el ejército, Jim Ford llegó a Los Ángeles donde trabó amistad con los músicos locales. Sly Stone y Bobby Wittmack estaban entre ellos.

Jim Ford dio a otros canciones que llevaban el sello del éxito, aunque él sólo llegó a publicar "Harlan County" en 1969, un disco reconocido como country-funky pero que guarda diversos estilos y emociones.

Sin llevar su firma, se le atribuye la canción "Changing Colours", que con un arreglo orquestal sobresaliente cuenta una historia de acusaciones y reproches.

("Me dices que no estarás para cuando la cabeza me dé vueltas/¿Qué te hace pensar que no saldré adelante cuando me haya jugado la última carta?/ Por primera vez te veo/ Y me alegra haber visto/Algo así como un camaleón que cambia de color")

Dave van Ronk

Dave van Ronk - "Clouds"

Nacido en Brooklyn en 1932, Dave van Ronk fue una figura pionera en aquel vivero musical que en los sesenta fue el Greenwich Village de la Gran Manzana.

Dave van Ronk incluía en sus trabajos principalmente canciones del folclore tradicional a las que insuflaba nueva vida a través de sus personales lecturas del blues, del folk, del gospel, del jazz o incluso del ragtime.

Dave van Ronk sirvió de guía a muchos jóvenes músicos que luego alcanzarían gran fama, y él mismo nunca dejó de ser un intérprete inspirador y siempre fiable.

Se dice que Joni Mitchell le regaló "Both sides now", que, en un álbum de 1967, Dave van Ronk tituló "Clouds" para hacer una versión con la sinceridad de las cosas arrancadas al corazón.

("...Habría hecho tantas cosas/Pero las nubes se interpusieron en el camino/Las he mirado desde los dos lados/Desde arriba y desde abajo/Y, de alguna manera, lo que aún recuerdo/Son nubes de ilusión/No sé nada de las nubes de verdad")

ter

Joe Byrd

Joe Byrd -"You can't ever come down"

Joe Byrd aportó al espíritu creador de los sesenta un par de obras musicales ambiciosas que se proyectaban a los sueños y a la inmensidad del espacio.

Formado en estudios de composición, acústica y música electrónica, Joe Byrd fue profesor en la Universidad de Los Ángeles antes de instalarse entre grupos comunales de estudiantes y artistas.

De aquí surgió, en 1969,  "The American Metaphysical Circus", un álbum coral donde Joe Byrd, acompañado de una nutrido plantel de músicos, mostraba su espíritu ensoñador.

La canción "You can't ever come down" evoca un mundo de conocimiento impenetrable, el que cada uno se lleva en la serie de muertes y reencarnaciones.

("Esperando morir por decimoséptima vez/Grabado en el espejo detrás de tu mente/
Atrapado en una montaña que nadie puede ascender/No hay manera de que puedas bajar/
Intenta recordar la forma de tu nombre/¿Adónde fuiste cuando empezaron el juego?/
¿Cómo entró la arena en tu cerebro?/No hay manera de que puedas bajar"
 

Ian & Sylvia

Ian & Sylvia - "Four strong winds"

Fieles al estilo folk más puro, el dúo canadiense formado por Ian Tyson y Sylvia Fricker se dio a conocer en el Greenwich Village de los bares y salas musicales recreando temas tradicionales canadienses y británicos.

Sus delicadas armonías, acompañadas de guitarra y arpa, llegaron al gran público cuando el productor Albert Grossman les consiguió en 1962 un contrato con el sello Vanguard.

"Four strong winds", un álbum de 1964 con raíces en el gospel, el bluegrass o los espirituales negros, puso a Ian y Sylvia a la cabeza del género folk.

Compuesta por Ian Tyson, "Four strong winds", la canción que daba título al álbum y que ha sido celebrada después por tantísimos músicos, es el lamento, aún vagamente esperanzado, por un amor roto.

("Cuatro vientos poderosos soplan solitarios, siete mares van agitados.../Nuestros buenos tiempos han terminado/ Y no tengo más remedio que marcharme/Te buscaré si un día vuelvo...")

Johnny Cash

Johnny Cash - The first time I ever saw your face"

Después de más de treinta años con su nombre en lo más alto, los vientos de cambio soplaron en contra de Johnny Cash, que vivió una etapa de estancamiento a finales de los ochenta. 

Con la serie "American recordings", el afamado productor Rick Rubin vino a ayudarle a reavivar su creatividad y a devolverle a la atención del público. 

En estas grabaciones Johhny Cash realizó su particular revisión del moderno cancionero americano entre síntomas en aumento de una grave enfermedad. 

En "The first time I ever saw your face", del álbum "American IV. The man comes around", de 2002, Johhny Cash transforma en dolor y pérdida un tema clásico sobre el poder poético del hechizo amoroso.

("La primera vez que vi tu rostro/Pensé que el sol se levantaba en tus ojos/Y que la luna y las estrellas eran los regalos que dabas/A la noche y a los cielos desiertos, mi amor...")

Dazed and confused

JAKE HOLMES (Dazed and confused)

Jake Holmes expresó el lado agitado de los sentimientos con letras y fórmulas musicales nada complacientes.    

Su carrera empezó  a finales de los sesenta cuando, tras un corto periodo como actor y escritor de comedias, formó un trío sin batería.

El grupo se prodigó en locales de Nueva York y llegó a compartir cartel con grandes nombres, entre ellos los Yardbirds de Jimmy Page.

Su primer disco, "The above ground sound of Jake Holmes", convertido con los años en ejemplo máximo y pieza única de folk-rock ácido, se publicó en 1967.

En "Dazed and confused", canción emblemática en el repertorio de Led Zeppelin, Jake Holmes crea una atmósfera claustrofóbica para transmitir el desespero de un cierto estado de ánimo.

(Estoy aturdido y confuso, ¿significa quedarme o irme? / ¿He sido el elegido? Me gustaría saberlo / Dame una pista para saber dónde estoy / Me siento como en el juego del ratón y el gato)

Nico

Nico - "I'll keep it with mine"

Belleza y personalidad enigmáticas sirvieron a Nico para empezar, apenas con veinte años,  una carrera distinguida como modelo y actriz de cine.
Cuando llegó a Nueva York en 1965, Andy Warhol supo al instante que la Velvet Underground de Lou Reed y John Cale ganaba con ella un poder hipnótico irresistible.
De su voz salían notas graves que, sin embargo, irradiaban luz. Convertida en un icono cultural, Nico siempre estuvo rodeada de hombres y artistas famosos, pero nunca dejó de estar sola.
"Chelsea girl", de 1967, fue el comienzo de su carrera musical en solitario. El álbum, con temas de amigos músicos, sonaba a aquelarre gótico en tierras germanas. Bob Dylan le regaló "I'll keep it with mine".

("Seguirás buscando, mi encanto, a cualquier precio/Pero, ¿cuánto tiempo vas a buscar lo que no está perdido?/Todos te ayudarán/Algunos serán muy amables/Pero yo te podría ahorrar tiempo/Venga, dámelo a mí/Yo lo guardaré conmigo")

Jamaica Farewell

HARRY BELAFONTE (Jamaica Farewell)

Harry Belafonte pertenece a la primera fila de una raza desaparecida de grandes intérpretes entre los que destacan Elvis Presley y Frank Sinatra.

Fue en la década de los años cincuenta cuando Harry Belafonte se dio a conocer como destacado actor de cine y teatro, y como cantante folk.

Hasta la llegada de los Beatles a América, la suya fue una carrera de éxitos que también se extendió a la producción de programas musicales para televisión. 

Calypso, un álbum de 1956, selló ante el publico la alianza entre Harry Belafonte y los ritmos caribeños de Jamaica y Trinidad.

 'Jamaica Farewell', canción escrita por Irving Burgie, apareció en aquel álbum y habla de cómo el mar igual que da dulzuras así también las quita.

(Mi corazón está triste, la cabeza me da vueltas / Tuve que dejar a una muchachita en Kingston)

Stevie Nicks

Stevie Nicks - "The beauty and the beast"

Stevie Nicks contribuyó a la celebridad de Fleetwood Mac con su personalidad inclasificable, una genial voz, y aportando grandes composiciones.

Su carrera en solitario comenzó en 1981, y ya una decena de discos han consolidado la calidad del trabajo de una artista indiferente a las modas.

En el álbum "Wild hearts", de 1983, Steve Nicks escribió sobre el tema romántico del amor imposible entre la bella y la bestia. 

Titulándolo "The beauty and the beast", la cantante logró crear, sobre un tapiz de violines y piano, una atmósfera de intenso lirismo. 

("Mi encanto vive en un mundo que no es el mío/Es una criatura antigua, incomprendida, no sometida al tiempo/Atemporal es la creatura que es sabia/Y atemporal es el prisionero que se esconde tras un disfraz./Oh, ¿quién es la bella, quién es la bestia?/¿Morirías de dolor si me fuera?")

David Sylvian

David Sylvian - "September"

David Sylvian fue el alma del grupo Japan, un quinteto británico surgido en la época del Glam rock que se abrió a sonidos de Extremo Oriente y fue precursor del movimiento Nuevos Románticos. 

A la disolución del grupo, en 1982, David Sylvian acentuó la línea experimental de su trabajo siguiendo una curiosidad insaciable.

La voz de barítono y la mirada inquieta y vanguardista de David Sylvian recuerdan a ilustres artistas como Scott Walker y David Bowie.

En "Secrets of the beehive", un álbum de 1987, apareció "September", una canción de ecos otoñales, delicada y poética.

("El solo brilla en lo alto/ Se oyen risas.../Decimos estar enamorados/Y en secreto queremos que caiga la lluvia.../Septiembre ha vuelto otra vez")

Be my friend

BARRY DRANSFIELD (Be my friend)

Barry Dransfield compuso un disco en 1972 que luego fue votado como el más raro de la historia de la música folk británica.El paso del tiempo le ha dado el valor de gema de gran pureza musical y poética.

(Hay días en los que uno se levanta sintiendo sólo miedo / Y preguntándose por qué Dios nos ha puesto aquí... / Si puedo, me gustaría decir 'sé mi amigo')

Bobbie Gentry

BOBBIE GENTRY  (Reunion)

Bobbie Gentry creó canciones de gran éxito valiéndose de historias, a veces cargadas de misterio, sacadas del mundo campestre del Delta del Mississippi.

Desde su primer disco, de 1967, fue una cantante original cuya voz sensual destacaba por encima de densas orquestaciones.

Antes de retirarse tempranamente en el año 1975, Bobbie Gentry fue apartándose de la música grabada para actuar en directo en clubes y salas de variedades, especialmente de Las Vegas.

En 'Reunion', perteneciente al álbum Delta Sweete, de 1968, Bobbie Gentry evoca con aires de rap una reunión familiar en el medio rural que ella conoció siendo niña.

(Mamá, ¿puedo… ummm? Mama, ¿puedo…ummm? / ¿Puedo, mamá? ¿Por favor, no me vas a dejar? / Ese es un vestido de lo más bonito / Sally, ¿de dónde sacaste el modelo?.../ Sí, creo que tenemos el jardín más antiguo del condado.../ Hace mucho tiempo que no te veía, ¿cómo está tu familia / Qué pena lo de tu hijo.../ Mamá, ¡ay! Que Willie me deje tranquila)

Tim Hardin

TIM HARDIN (Reason to believe)

Tras un comienzo titubeante, Tim Hardin entró con fuerza en la escena folk-rock, produciendo una serie de grandes álbumes con canciones de cruda emotividad.

Lastrado por obsesiones personales y su adicción a las drogas, Tim Hardin I, un disco de 1967 y primero de su carrera, contiene la sensibilidad descarnada del artista y los aromas idealistas y libertarios de la época.  

Apoyándose en una base rítmica sobria pero intensa, 'Reason to believe', una canción que Rod Stewart llevó al éxito, es la confesión de un ser que se siente vulnerable ante las veleidades del amor.

 

(Si siguiera escuchándote / Encontraría la manera de creer que todo es verdad / Sabiendo que me mentías a la cara mientras lloraba / Aún sigo buscando una razón para creer / Con alguien como tú es difícil no vivir con otra / Dar es fácil con alguien como tú / Nunca pienso en mí mismo)

Diana

SKIP SPENCE (Diana)

En 1963, a los veintitrés años, Skip Spence publicó Oar, una rara muestra de rock psicodélico que se ha convertido en obra de referencia de ese género.
Antes Skip había brillado a gran altura formando parte de grupos como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Moby Grape.
Muy en la tónica general de la época, Skip buscó alimentar sus visiones en la adicción a las drogas, pero a él le resultaría mentalmente caro.
Arreglos de cuerda, acordes de guitarra y su voz febril reflejan un mundo extraviado, en donde 'Diana'  podría ser la confesión de amor de un alma buscándose a sí misma.

(Las lágrimas me caen como lluvia / Diana, siento gran dolor... / Estoy haciendo un largo viaje / Para llegar hasta ti)

Rainy night in Georgia

TONY JOE WHITE (Rainy night in Georgia)

A Tony Joe White, veterano músico de Louisiana, se le encuadra en la  'música del pantano', un sonido con mezclas vigorosas de piano y sección de viento.

'Rainy Night in Georgia', escrita en 1962, se convirtió instantáneamente en un clásico, si bien fue Ray Charles quien popularizó la canción diez años después.
En 'Rainy Night in Georgia', Tony Joe White logra una atmósfera envolvente de soledad y recuerdo, con la noche, la ciudad y la lluvia como telón de fondo.

(La noche es lluviosa en Georgia/ Oh, Señor, me siento como si estuviera lloviendo en el mundo entero...Me parece oír tu voz diciendo 'No te preocupes')