Bohemian wedding prayer

Shannon McNally - "Bohemian wedding prayer"

Shannon McNally (Long Island, 1973), figura estelar del género Americana, vigoriza su perfil artístico en el extraordinario "Black irish" (2017), para el que cuenta con músicos de primera fila y la asistencia de Rodney Crowell a la producción.
Shannon McNally había rodado por Nueva York y París antes de aparecer "Jukebox sparrows" (2002) y ser comparada con Stevie Nicks o Lucinda Williams. Gran elogio, como lo fue ver 'espíritu zen y poética post-Beat' en canciones de "Western ballad" (2011).
La joven que aprendió a tocar la guitarra con los discos que oía en la casa familiar ensanchó su  inspiración al trasladarse en 2005 a Nueva Orleáns y servirse de la rica tradición blues y soul del Sur americano en la gestación de "Geronimo" (2005).
La canción "Bohemian wedding prayer" pertenece al repertorio de los ensayos que Shannon McNally compartió en Memphis con la cantante de Louisiana Amy Lavere en 2002, luego publicados en el EP titulado "Chasing the ghost".

("No soy de las que tiende a canciones que sirven de lamento/Soy como los demás, una errante en búsqueda de hogar/Quiero estar junto a ti, cerca de ti, mi amor/Libérame de mis penas, por favor, y mira la alegría que me traes/En ti encuentro una fuente que cuido que no se agote/En ella hundo mi copa y humedezco los labios/Tu agua es dulce.")

Silent night

THE TEMPTATIONS (Silent night)

Desde el siglo IV se celebra el nacimiento de Jesús el 25 de diciembre, para conmemorar una fecha y un tiempo religiosos que debían resaltar especialmente la atención a los pobres y la virtud de la caridad.
Convertida en un acontecimiento de acento comercial, la Navidad ha pasado a ser en muchos sitios un símbolo de ostentación y desmesura: sólo en Estados Unidos se usan unos 35 millones de árbolitos para adorno de los hogares.
Sin embargo, el ideal sagrado de la Navidad persiste, y ha inspirado muchas canciones navideñas que llevan la firma de grandes nombres de la música popular, entre ellos Elvis Presley o Frank Sinatra. ¡Hasta Bob Dylan sacó su disco navideño en 2009!
The Temptations, una formación de Detroit de principios de los sesenta, señalada por constantes cambios pero nunca falta ni de un espectacular sentido del ritmo ni de voces asombrosas, interpretó 'Silent Night' en Give love at Christmas (1980).

(Era la noche antes de la Navidad / Y en toda la casa / No se movía criatura alguna / Ni siquiera un ratón / Pienso sólo en que seas libre / Y que todos mis amigos escuchen / Oíd lo que digo: Que cada uno de vosotros tenga una Feliz Navidad / Noche de silencio, noche santa / La calma reina, todo es luz / Ahí la Virgen Madre y el Niño / El santo Niño, dulce y tierno, duerme en paz celestial)

Hallucinating light

Roy Harper - "Hallucinating light"

Seguramente porque su universo musical y poético desconoce los aspectos comerciales, y aun teniendo una dilatada carrera artística tras de sí, Roy Harper es una iluminaria del folk rock británico que parece todavía llevar la etiqueta de artista de culto.
Roy Harper era un joven rebelde y excéntrico cuando a mediados de los sesenta actuaba en los locales de folk londinenses y compartía escenarios con Nick Drake o tramaba amistad con Jimmy Page, otro maestro de la guitarra acústica.
Un tumulto de ideas y sensaciones lo empujaban al territorio libre de la psicodelia, como prueba "Sophisticated beggar" (1966), estreno discográfico anticipador de lo que la mente alucinada de Syd Barrett produciría pocos años después.
Obra extraordinaria de Roy Harper es "Stormcock" (1971), folk rock ácido ligeramente orquestado para un mar de poesía. También "HQ" (1975), que contó con músicos de Pink Floyd, King Crimson y Led Zeppelin, y dio temas como "Hallucinating Light".

("Atrapado en mortal combate mientras se ciernen sombras futuras/El guardián de mi espíritu lucha para abrirse paso/Hasta donde la mayoría enferma infesta los mitos de la destrucción/Pero los farolillos de los niños mantienen firme su esplendor/Y andaremos juntos un largo camino/Aunque ese camino lo descubrimos mucho antes de lo que creíamos/Pero de la manera que ha resultado, cuando río es como si riera con tu alma")

All flowers bend in time towards the sun

JEFF BUCKLEY & ELIZABETH FRASER  (All flowers bend in time towards the sun)

Elizabeth Fraser fue cantante de Cocteau Twins, un grupo nacido en 1979 entre capas de sonido ampuloso, etéreo y repetitivo, cuyo valor más precioso le venía de la aportación que ella hacía con su voz etérea y operística.
En 1997 se disolvieron como resultado de la ruptura definitiva entre Elisabeth Fraser y la otra pieza clave, el guitarrista Robin Guthrie. Antes, en 1994, ella había conocido a Jeff Buckley, que preparaba entonces el álbum "Grace".
Ambos trabaron una relación bendecida por la devoción y el amor mutuos del principio: "Leía sus diarios, él leía los míos; los intercambiábamos... no creo haberlo hecho con nadie más". Acabado el fulgor, su amistad se mantuvo hasta la muerte de él.
Testimoniando la magia que compartían, Jeff Buckley y Elisabeth Fraser compusieron "All flowers bend in time towards the sun", una canción que él interpretó en directo por primera vez en 1996, y después alguien, tomándola de la cinta original, vertió en internet. 

(Mis ojos son un bautismo...y le canto a ella en mis pensamientos / Oh, cosa elusivamente fantasmal / Oh, todas las flores a su tiempo se inclinan al sol / Sé que dices que no hay nadie para ti / Pero aquí tienes a uno... / Déjalo continuar en mí, traviesa viajera que va desvaneciéndose más de mí / Tu rostro en el resplandor de mi ventana /¿Dónde llorarás por mí, dulce sauce? / Está bien tener hambre, pero no hacerme daño)

The clown

PETER GREEN (The Clown)

La revista inglesa Melody Maker incluía en 1967 a Peter Green entre los siete magníficos de la guitarra eléctrica, en una lista en la que no podía faltar Eric Clapton. Fue a éste a quien Peter Green relevó un año antes en los Bluesbreakers de John Mayall.
Y Peter Green les dio temas como 'The Supernatural', en el que su guitarra ingrávida y armoniosa alcanza cotas estratosféricas. Poco después fundaría Fleetwood Mac, que él lideró fusionando el blues clásico americano con influencias de otros géneros.
La prueba más excelsa lo representa  Then play on (1969), en donde el blues sirve de base para un sonido cada vez más en coordenadas latinas y sinfónicas. Peter Green sufrió después una alteración de la personalidad y dejó temporalmente la música.
Vivió una década oscura de tratamientos y hospitales antes de reaparecer. Lo hizo en 1979 demostrando que la enfermedad no había vencido ni a su genio ni al esplendor melancólico de su guitarra. 'The clown' pertenece al álbum White sky (1981).

(No verás las lágrimas cayéndome por la cara / Y no verás las noches de insomnio... / Ni sentirás el dolor inagotable quemándome por dentro / No, no lo mostraré, no con este disfraz / Porque soy el payaso, sí soy el payaso / Ahora que ya no me quieres / Cuando estoy en horas bajas, me vuelvo a poner de pie / Igual que un payaso... / Y no me verás alejarme / Mi tonto orgullo es así... / No lo mostraré, es parte del juego)

God is alive, Magic is afoot

Buffy Sainte-Marie - "God is alive, Magic is afoot"

Buffy Sainte-Marie nació en una familia de indios Cree canadienses. Ese linaje la ayudó a sentir suyos los sonidos tribales en donde el ritmo, la danza, la percusión y el canto se alzan ritualmente para dar réplica a fuerzas ancestrales.
A esos elementos pertenecía su voz, en cuyo vibrato sostenido parecía resonar la agitación del viento y la tempestad de la estepa. Y por sus orígenes étnicos y su condición de mujer, en muchas de sus canciones corren aires de denuncia y reivindicación.
La lucha a favor de la justicia, por la ecología, contra la guerra, son temas de "Medicine songs" (2017), que ya la ocupaban en "It's my way" (1964), su primer álbum, en canciones como "Universal soldier" o "Now that the Buffalo's gone".
Buffy Sainte-Marie siempre ha sido artista inconformista, pero pocos estaban preparados para "Illuminations" (1970), aquel álbum que transfigurado de experimentalismo, psicodelia y vanguardismo se abre con "God is alive...", poema de Leonard Cohen.

("Dios está vivo, la magia está de pie, lo vivo está de pie, la magia nunca ha muerto/Dios nunca estuvo enfermo, muchos pobres mintieron, muchos enfermos mintieron, la magia nunca se ocultó, la magia siempre gobernó, Dios está de pie, Dios nunca ha muerto/Dios fue dominador, aunque se prolongaran sus funerales, aunque sus deudos engrosaran, la magia nunca desapareció")

You and your sister

Chris Bell - "You and your sister"

La muerte temprana de Chris Bell (Memphis, 1951), a los veintisiete años, truncó la trayectoria de un músico que discurría desde muy joven en la senda del pop más fresco e innovador de inspiración Beatles, y por el que crecían también raíces de semilla soul.
Chris Bell estuvo en el nacimiento de Big Star, el grupo que él alentó en 1971 junto a Alex Chilton, y que dejó tras publicar "#1 Record" (1972), un primer álbum repleto de armonías y guitarras chispeantes que ejerció una notable influencia posterior.
Chris Bell se deprimió ante la escasa recepción comercial de este debut discográfico, pero siguió grabando esporádicamente. En "I am the cosmos" (1992) se presentan canciones que él compuso hasta 1978 para el proyecto de un álbum propio.
Si todo el disco es una delicia, de "You and your sister" podría decirse que pocas veces una canción ha recogido con tanto encanto una estampa de enamoramiento juvenil. El juego de voces con Alex Chilton es uno de sus grandes momentos.

("Dicen que mi amor por ti no es real/Pero no sabes cuán real lo siento/Todo lo que quiero es estar contigo y poder abrazarte/Tu hermana dice que no soy bueno/ Le daría seguridades si pudiera.../Quiero oírte decir que tu amor no acabará, que tus ojos no engañan.../Sonríe ahora, no tengas miedo.../Y deja que te susurre al oído (no tengas miedo, no pueden oír): todo lo que quiero es estar contigo y poder abrazarte")

Kicking up the sands of time

MARIANNE SEGAL (Kicking up the sands of time)

Marianne Segal formó parte del exclusivo grupo de mujeres artistas que desde mediados de los sesenta contribuyó a revitalizar el folk británico. De su trabajo a duo con Dave Waite, entre 1967 y 1970, aún despiertan eco canciones como 'Paper flowers'.
Cuando el bajista Ron Edwards se unió a ellos, el trio publicó el álbum de folk-rock orquestal Fly on strangewings (1970), todavía cotizado porque sus surcos nacen de una mirada limpia al sentido de la libertad, la amistad y la naturaleza.
Jade, el nombre del trio, se disolvió en 1971, pero Marianne Segal continuó hasta 1975 en los circuitos folk. Aun potenciando su sonido con instrumentación eléctrica, la nueva corriente punk había cambiado totalmente el panorama musical.
Marianne Segal volvió en 2007 con The Gathering. El disco representa una incursión moderna en el imaginario folk pastoral de los setenta. Entre las canciones destaca 'Kicking up the sands of time', como un evocador recuento autobiográfico.

(Acariciábamos los cielos con nuestros pensamientos, que volaban alto / Intrépidos saltarines, suscritos a la ilusión / Sin haber sido magullados por los golpes del orgullo, ni estar perdidos en la escalera de la vida / Curiosidad inocente, llámalo mi tiempo primaveral / Y mirando con visión de ojos de iguana / Era mucho el tiempo de que disponía / Hasta que topé con enredaderas y trenzados en la jungla de retorcido follaje / Llámalo mi tiempo estival)

Layla

LAYLA  (Derek & The Dominos)

Derek and the Dominos fue la formación que entre 1970 y 1971 lideró Eric Clapton, y gracias a éste, en la cumbre de su talento, y a la constelación de músicos que lo rodeaba dejaron a la posteridad un álbum de leyenda.
Eric Clapton conoció en 1969 a la tormentosa pareja americana Delaney y Bonnie, en  gira por Inglaterra junto a la extraordinaria sección rítmica que formarían The Dominos: Carl Radle (bajo), Jim Gordon (batería) y Bobby Whitlock (teclados).
Este último y Eric Clapton aportaron la mayor parte de las composiciones del álbum doble Layla and other assorted songs (1970) que, grabado en Londres, también contó con la contribución estelar de Duane Allman a la guitarra slide.
Eric Clapton, el entonces emocionalmente inquieto dios de la guitarra eléctrica, trasladó a 'Layla', la canción que figuraba en el título, su enamoramiento de Pattie Boyd, y convirtió en fulgor dorado el tormento y la pasión que ella le provocaba.

("¿Qué harás cuando te encuentres sola / Yno haya nadie esperándote al lado? / Has estado jugando al escondite demasiado tiempo / Bien sabes que sólo es tu estúpido orgullo / Layla, me tienes de rodillas/Layla, querida, te lo pido por favor/Layla, ¿no podrías consolar la aflicción que siento?... / Como un tonto, me he enamorado de ti")

Bright Phoebus

Lal & Mike Waterson - "Bright Phoebus"

Los hermanos Lal y Mike formaron The Watersons junto a Norma, su otra hermana, y a su primo John Harrison, distinguiéndose por la sencillez, la frescura y la fuerza que emanaba de conjuntar la polifonía de sus voces individuales.
Publicaron tres álbumes antes de que la extenuación de los conciertos en directo y las incertidumbres financieras los llevara a disolverse en 1968. Pero Lal y Mike, enfrentándose a una monotonía desacostumbrada, continuaron componiendo y escribiendo.
Este trabajo anónimo llegó a oídos de Martin Carthy, guitarrista de Steeleye Span, quien resultó providencial para que ella y él volvieran a los estudios de grabación con un puñado de canciones hipnóticas y la asistencia de grandes músicos.
Y "Bright Phoebus" (1972) pervive como álbum fascinante, como referencia inexcusable del género folk-noir y gloria de dos hermanos que entregados a la ensoñación trajeron canciones de un mundo mágico bajo sones de paganismo folk y psicodelia.

("Hoy la brillante Phoebus me sonrió por primera vez.../No más nubes, no más lluvia, se fueron las nubes, ella ha vuelto a sonreír.../Esta mañana el gallo cacareó y me despertó por primera vez/Él, por primera vez, ha cacareado para mí/Sacudió sus alas y se pavoneó dando vueltas por primera vez/Él cacareó para mí por primera vez/No más nubes, no más lluvia, se fueron las nubes, ella ha vuelto a sonreír")

Amusement Park

Tucker Zimmerman - "Amusement park"

Tucker Zimmerman es autor de uno de esos discos cuya importancia la mide su prolongada resistencia a caer en el olvido, un hecho al que la crítica especializada ha contribuido al darle méritos para considerarlo joya característica de una época.
La de los años sesenta en San Francisco, en donde Tucker Zimmerman nació (1941) y ejerció de músico desde la adolescencia. Allí también vivió la contracultura de Haight-Ashbury, y su correlato existencial de epifanías y desengaños.
Seguía escribiendo canciones cuando una beca para estudiar composición le abrió el camino de Italia. De aquí, rechazando una orden de alistamiento, marchó al Londres efervescente de 1968, en donde vino a caer en círculos próximos a David Bowie.
Con ayuda de grandes músicos, entre ellos el percusionista Terry Cox y el teclista Rick Wakeman, Tucker Zimmerman completó "Ten songs" (1969), para expresar enfado con el mundo a través de tensión rítmica y poesía visionariamente oscura.

("No tengo miedo a la oscuridad/Pero me da miedo de lo que alguna gente hace con ella/Yo vivo en su parque de atracciones/Y sé lo que hacen cuando se acaba la diversión/Estoy echado en estas ruinas con mi amante/Ella me conoce bien, y es muy gentil/Le muestro lo que veo.../Estoy muy ciego/Le digo que se acueste/Y le pregunto, mientras hallo satisfacción: ¿qué viene después?/¿Sigo al fantasma o al rostro?")

Diamond in the rough

SHAWN COLVIN (Diamond in the rough)

Shawn Colvin (Dakota Sur, 1956) está considerada un firme baluarte del folk-rock contemporáneo gracias a una obra admirable que cuenta ya con más de diez álbumes. Todo empezó cuando a los diez años aprendió a tocar con la guitarra prestada de su hermano.
A su precoz talento se unió una sensibilidad artística que empujada de fuerza creadora tuvo una larga etapa juvenil de capítulos autodestructivos y peregrinación por varias ciudades, entre ellas Nueva York, adonde llegó en 1980.
Aquí colaboró con Suzanne Vega y conoció a John Leventhal, el productor de Steady on (1989), un compendio de canciones que, como 'Diamond in the rough', son retazos de una autobiografía atravesada por demonios interiores y rayos de luz. 
En el celebrado A few small repairs (1996), Shawn Colvin repite historias de turbulencias emocionales, renovando la línea de su admirada Joni Mitchell. Y de buscar afinidades surge Colvin & Earle (2016), el trabajo firmado junto a Steve Earle.

(Vine al agua cuando era una muchacha / Con una piedrecita en la mano / Que centellearía y cantaría / Lo sabíamos todo / Y vine de muchacha / Pero al poco me revestí de autoridad / Sólo el cielo sabe qué fue mal / Nada hay más cruel que enterrar esa joya/Cuando toda ella era mía / Voy a buscarla / Tú brillas, puedo verlo / Estás sonriendo, es suficiente / Me aferraré a ti / Como un diamante en bruto)

In my life

Barclay James Harvest - "In my life"

Barclay James Harvest, banda británica de rock sinfónico y progresivo, desarrolló en los setenta una obra innovadora, abundante al principio en melodías e incursiones sónicas a lo Pink Floyd, pero, aunque anduvieron cerca, nunca coronaron el éxito definitivo.
BJH se formó en 1966 sumando la fuerza de cuatro músicos de Lancanshire, siendo John Lees (guitarra, voz) y Les Holroyd (bajo, voz) los compositores principales. En 1970 se estrenaron con un disco epónimo que, incorporando el mellotron, luce como clásico.
Muy a lo Moody Blues, Barclay James Harvest eran amigos de la orquestación y de las armonías vocales, algo de lo que está lleno "BJH and other short stories" (1972), un disco que en varias canciones eleva a gran nivel la corriente barroca de la época.
La bucólica portada de "Time honoured guests" (1975) pertenece al artista americano Maxfield Parrish y la producción a Elliot Mazer, quien pensaba que el exceso orquestal y defectuosos arreglos  restaban al talento de BJH. El álbum contenía "In my life".

("He visto muchas cosas en mi vida/Algunas eran auténticas y otras no lo que parecían/He visto amor y pérdida/Y habido tiempos en los que he obrado sin importarme el coste/He estado en un lugar dominado por el caos/En los recintos de la palabra apedreaban a los locos/He visto estrellas plantar semillas y las he observado crecer...")

Things have changed

Bob Dylan - "Things have changed"

Bob Dylan revolucionó la música popular (con permiso de los Beatles) abriéndole caminos de expresión inéditos que harían de ella la forma de arte más influyente de nuestra época. En 1963 anunciaba los nuevos tiempos en "The times they are a-changing".
Bob Dylan pronto dejaría el folk de base acústica para abrazar el rock de sonido eléctrico, la canción de compromiso social por la poemática lírica o visionaria. Y tuvo una época de converso cristiano a finales de los setenta que terminó con "Shot of love" (1981).
Recompensa a su búsqueda fue "Empire burlesque" (1985), lo mejor tras una década errática. Pero los sueños inacabados seguían agitando su obra, como atestigua "Time out of mind" (1997), en donde flota la moderna producción de Daniel Lanois.
En el 2000 sorprendería con la canción "Things have changed", para la película "Jóvenes prodigiosos", al confesar que, cansado de perseguir grandes ideales, se lo tomaría en adelante más a la ligera: otro anuncio, esta vez resignado, de tiempos nuevos.

("Un hombre preocupado en una mente preocupada/Nadie delante de mí, nadie detrás/En mi regazo hay una mujer que está bebiendo champán/Tiene piel blanca y ojos asesinos/Estoy contemplando los cielos teñidos de zafiro/Voy bien vestido y espero al último tren/De pie en el patíbulo con la horca al cuello.../La gente está loca y los tiempos son extraños.../Antes me preocupaba, pero las cosas han cambiado")

Mr. Tambourine man

Melanie - "Mr. Tambourine man"

Como caída de un coro de ángeles, la voz pura y resonante de Melanie Safka se concertaba a la perfección con el humanismo compasivo y el poder del amor que en su faceta hippie ella pregonaba como artista en los años sesenta.
Melanie saltaría a la fama en 1967 grabando la canción "Beautiful people" para Columbia, un himno a la fraternidad que tuvo inmenso eco y con el que, a los veinte años, aceleró una carrera musical iniciada antes en los locales del Greenwich Village.
Melanie publicó su primer disco "Born to be" en 1969, presentando diez canciones que, bajo diferentes estilos, están animadas de la misma ternura que, en interpretación genial, incluso se impone al desamparo existencial de la dylaniana "Mr. Tambourine man".
Melanie participó aquel mismo año en el festival de Woodstock y todavía sacaría un segundo disco, pero habría que esperar a "Candles in the rain" (1970) para encontrar una obra que exalta la emotividad hasta hacerla parecer una forma de espiritualidad.

("Eh, señor de la pandereta, toca una canción para mí/No tengo sueño ni sitio adonde ir/Eh, señor de la pandereta, iré tras de ti bajo el cascabeleo de la mañana/Aunque sé que el imperio de la noche ha vuelto a ser arena/Y desaparecido de mis manos/Aquí me ha dejado ciego pero todavía sin dormir/Me asombra mi cansancio, ni mover puedo los pies/ Nadie tengo a quien ver/ Y las antiguas y vacías calles están demasiado muertas para poder soñar")

Wind don't have to worry

John Hiatt - "Wind don't have to hurry"

Desde "Hangin' around the observatory", su primer álbum de 1974, John Hiatt se mostró como un artista brioso y de talento genuino, con la maestría para atraer entonces a un público minoritario pero entusiasta.
En aquel disco y en "Overcoats" (1975) John Hiatt buscó en Nashville inspiración, y tras una larga pausa se reencarnaría en un Elvis Costello americano con "Slug Line" (1979), pero siguió explorando incansable parar encontrar su verdadera piel de artista.
A partir de "Riding with the king" (1983), mitad bluesy, mitad rock, John Hiatt encontró su dirección en el rock de raíces, el que va de Indiana, su tierra natal, a Louisiana, cuyos aires húmedos se cuelan en el soul pantanoso de"Warming up the ice age" (1983).
Le llegaron los mayores elogios con "Bring in the family" (1987). Y desde el nuevo milenio ha publicado nueve discos impecables. En "Terms of my surrender" (2014), su viaje al Sur profundo termina contagiándolo de sus lamentos y con su blues vaporoso. 

("El viento no necesita apresurarse/Soplando a través de mis huesos/Rizando los pastos/Suavizando las piedras/Hay fuego en la montaña/Ángeles oscuros en los árboles/El viento no necesita apresurarse/Ellos van tomando lo que quieren.../La policía del pensamiento viene hasta tu puerta/Dicen que no tienes libertad/Si es ti a quien buscan/No hay derechos personales que valgan/El viento no necesita apresurarse")

Say it ain't so Joe

Murray Head - "Say it ain't so Joe"

Murray Head (Londres, 1946) tuvo en su padre a un documentalista cinematográfico, y a una madre que fue actriz de reparto en novelas para la televisión. Una familia que lo orientó desde jovencito a la carrera de actor y cantante que luego profesaría.
Murray Head actuaba a los doce años en comedias radiofónicas, y a los veinte debutaba en la película The family way. En 1970, en el papel de Judas, interpretó con gran éxito "Superstar", de la ópera rock "Jesucristo Superstar", de Andrew Lloyd Webber.
La discografía de Murray Head registra su primera entrada con "Nigel lived" (1973), álbum conceptual muy bien valorado que resalta con la presencia de grandes músicos, como el batería Michael Giles (King Crimson) o el flautista Jimmy Hastings (Caravan).
Su momento estelar iba a ser "Say it ain't so" (1976), gracias a la canción de culto que con el mismo título abre el álbum. En ella, a modo de balada, flota insistente el desgarrado anhelo de negar un verdad incómoda. Roger Daltrey hizo una versión grandiosa.

("Di que no es así, Joe, por favor, di que no es así/No quiero oír eso, Joe, y tengo el derecho a saberlo.../Seguro que nos están mintiendo/Por favor, di que no es así/Nos dijeron que nuestro héroe ha jugado su carta triunfal/Y ahora no sabe cómo continuar/Nosotros estamos cautivados por su encanto y su sonrisa resuelta/Pero los buenos tiempos han terminado/La imagen y el imperio pueden estar desmoronándose")

Where I'll find you

Joan Shelley - "Where I'll find you"

Joan Shelley, la cantautora americana originaria de Kentucky, se dio a conocer en 2010 con un cautivante tradicionalismo folk que se inspiraba en el sabor rural y montañoso de la región de los Apalaches, y en el folclor irlandés de raíz antigua y melódica.
Pero la progresión de Joan Shelley ha ido mostrando las ricas influencias que desde niña la han ido formando. Lo son Van Morrison y Aretha Franklin, pero también Leonard Cohen por su capacidad de traspasar géneros y transmitir poesía.
El papel estelar de Joan Shelley aparece inconfundible  en Electric Ursa (2014), un disco donde reina su voz inmaculada entre arreglos minimalistas, la continuidad a un par de álbumes en los que trabajó con Maiden Radio, un trío femenino de Kentucky.
Lo más reciente de Joan Shelley es el álbum epónimo de este mismo año que, sin abandonar la base acústica, se rodea de elementos próximos al jazz y una tibia psicodelia, para anunciar que el deseo es una brújula desorientadora pero cargada de pasión.

(Te vi allí, junto al poste de la luz/Tus hombros anchos enfrentados al frío de la noche/Eché la culpa al viento cuando me temblaron las piernas/Pero tus ojos, esa mirada hambrienta, me atravesó como un disparo/¿No lo viste?/Y ahora sueño, sueño contigo y conmigo, en el otoño, siempre el otoño/Veo la tierra que estuvimos andando y reclamando/Veo el lugar que aguanta el peso, toda tu extensión/Oh, ¿qué podría hacer?)

Summer in the city

Lovin' Spoonful - "Summer in the city"

Lovin' Spoonful, la banda americana liderada en 1965 por John Sebastian y Zal Yanovski, convocaron la magia alegre de la escena folk-rock neoyorkina presente en locales como el Night Owl Café, y durante tres años ofrecieron un recital de buenas vibraciones.
John Sebastian, que pertenecía a una escuela en cuyos bancos se hubieran sentado los Beatles y The Mamas & the Papas, ofreció enseguida las señas de identidad del grupo con una canción que ha hecho historia: "Do you believe in magic?"
Ese fue también el título de su primer álbum para el sello Kama Sutra, que además contenía otros temas, igualmente de éxito y escritos por él, especialmente "Did you ever have to make up your mind" y "Younger girl".
Ganada la popularidad, en 1966 escribieron para bandas sonoras de películas de Woody Allen y Francis F. Coppola. Menudeando las listas, llegarían a encabezarlas con "Summer in the city", que apareció en "Hums of the Lovin' Spoonful" (1967).

("Calor de ciudad, verano en la ciudad/Con la nuca sucia y sudada/ Estoy agotado, ¿no es tremendo?/Es como si no hubiera una sombra en la ciudad/Por todas partes la gente parece medio muerta/Caminan por las aceras con más calor que la cabeza de un fósforo/Pero por la noche es un mundo diferente/Ve a buscar una chica/Anímate a bailar toda la noche/A pesar del calor, todo será perfecto")

Move your body close to me

DANA GILLESPIE (Move your body close to me)

Dana Gillespie era aún adolescente cuando en una de sus frecuentes visitas al Marque Club londinense conoció a David Bowie. Éste gentilmente la ayudaría en los primeros pasos de una carrera estrenada con Foolish seasons (1967).
El disco, una perla del folk-rock inglés, época Swinging London, contaba con alguna canción escrita por su amigo Donovan y la guitarra de Jimmy Page. Box of surprises (1968) registra una línea algo más pop y un estilo cercano al de Marianne Faithfull.
Pero Dana Gillespie cambió de dirección a partir de Weren't born a man (1973), el álbum de glam-rock que la consagró como artista genuina. Litigios profesionales la apartaron varios años del circuito musical, tiempo que dedicó al cine, el teatro y la televisión.
Cuando regresó en los ochenta su ambición era el blues y la música india. Fue en Dubai donde escuchando música de Mohammad Rafi se inspiró para componer 'Move your body close to me', una canción de trazo exótico y sensual.

(Acerca tu cuerpo al mío / De corazón a corazón, nunca te vayas, entrégate / Acerca tu cuerpo al mío / Extiendes tus brazos para sentir que es real, dame / Acerca tu cuerpo al mío / ¿Cómo puedes saber lo mucho que te quiero? No te dejaré marchar... / Que el sol salga otra mañana / Pero con amor resplandeciendo en mis ojos / Que otro día despunte y se lleve mis suspiros)

Travelling light

Tindersticks - "Travelling light"

Tindersticks, seguramente recordando que el arte nace del dolor, puebla densos espacios musicales, literarios e interpretativos que, en su oscura melancolía, reflejan tribulaciones propias de la época y de tantos sueños sin hogar.
Tindersticks se formaron en Nottigham en torno a Stuart Staples, la voz grávida y principal compositor del grupo. En 1993 publicaron un primer disco que la revista Melody Maker consideró aquel año como número uno en el apartado de música indie.
Con igual perfección, "Tindersticks II" (1995) ofreció arreglos y orquestaciones de gran suntuosidad propiciados por su otro gran músico, el multi-instrumentista Dickon Hinchliffe. Estos buenos inicios señalaron que había nacido un grupo esencial de los noventa.
En "Travelling light", canción perteneciente a ese segundo álbum, interviene la cantante Carla Torgerson, del grupo The Walkabouts, y en ella aparece con sentimiento poderoso la ausencia y el recuerdo de un amor que fue.

("Hay lugares que no recuerdo/Hay días y momentos que no me dicen nada/He estado mirando antiguas fotografías/Que no me traen recuerdos/No me despierto por la mañanas, y últimamente miro a las paredes/No retiro las cajas esparcidas por el suelo/Miro viejas fotografías/Estos rostros ya no me dicen nada.../Hay cosas que pierdes en el camino...")

Girl in amber

Nick Cave - "Girl in amber"

Nick Cave militó entre 1977 y 1983 en el post-punk con The Boys Next Door primero, y con The Birthday Party después, pero su evolución artística ha sido un viaje a la otra cara de sí mismo: la que muestra su lado poético y más íntimo.
Las fieras guitarras (Mick Harvey) dieron paso al teclado de oscuridad gótica (Blixa Bargeld) que, por ejemplo, distingue al aclamado "The Boatman's call" (1997), un disco emocional y ligado a la infatuación que sintió por P. J. Harvey.
Atrás quedaba la drogodependencia de un artista convertido ya a la épica amorosa cuando apareció "No more shall we part" (2000), en donde, con ayuda del violinista Warren Ellis y el hermanamiento de música y poesía, logra canciones de gran belleza.
Nick Cave ha llegado a "Skeleton tree" (2016) bajo la circunstancia de haber perdido a un hijo en accidente. Esta fatalidad tiñe el álbum de aflicción y hace de él algo próximo a una salmodia febril  dirigida a un dios ausente. 

("Algunos se van y otros se quedan rezagados/Algunos nunca se mueven/Chica de amarillo siempre cautiva, no para de dar vueltas en el vestíbulo/Que nada de ella quede sin recordar, la ropa repartida por el suelo/Chica de amarillo, lejos de la quietud del sueño, cierra la puerta del baño/El teléfono, el teléfono, el teléfono ha dejado de sonar/La canción, la canción está girando desde mil novecientos ochenta y cuatro/Sangra si quieres sangrar")

You look just like a girl again

Mark-Almond - "You look just like a girl again"

Jon Mark (guitarra, batería) y John Almond (instrumentos de viento, percusión)  eran excelentes músicos de sesión británicos cuando se conocieron trabajando conjuntamente en un par de álbumes esenciales del John Mayall de finales de los sesenta.
En 1970, un año después de aquella experiencia, ambos decidieron formar su propia banda, que incluía a Tommy Eyre (teclados) y Roger Sutton (bajo), y fusionar atmósferas de jazz, elementos del blues y cadencias latinas.
Los discos "Mark-Almond I" (1971) y "Rising" (1972) proporcionaron respectivamente "The ghetto" y "What I am living for?", canciones que recibieron notable difusión en emisoras de radio americanas.
Tras superar un periodo de separación y cambios discográficos, Mark-Almond publicaron "Other people's rooms" (1978), álbum producido por Tommy Lipuma donde nostalgia y sensualidad se dan la mano.

("Sé que debes de llegar a cansarte/De los años que no puedes ocultar/Pero a veces cuando en tus ojos se dibuja una sonrisa/Todavía puedo ver la chica que llevas dentro/En la oscuridad, puedo ser muchos hombres diferentes/En la oscuridad, tú eres todas las mujeres/Pero a la luz, veo otra vez tu cara/A la luz, pareces una chica otra vez")

Somebody to love

Jefferson Airplane - "Somebody to love"

Marty Balin y Paul Kantner fundaron en 1965 Jefferson Airplane, una banda estandarte de la contracultura y de la vertiente psicodélica que dominó el escenario musical de la ciudad de San Francisco mediados los sesenta.
La ciudad había sido hogar de grandes músicos de jazz y del movimiento beatnick, pero esta vez se ofrecía a toda la nación como lugar de ensayo de modelos alternativos de vida. Los Jefferson eligieron vivir en comuna en el vecindario de Haight-Ashbury.
En aquel ambiente nació lo mejor de Jefferson Airplane: "Surrealistic pillow" (1967), una obra que les dio tanta audiencia como a los Beatles. El disco ya contaba con Grace Slick, la fuerza radiante que vino a sustituir a Signe Anderson, la anterior cantante.
Aquel año de 1967 estuvo cargado de simbolismo: San Francisco acogió el Verano del Amor, The Doors y Jimi Hendrix estrenaron discografía... Y fue cuando la aeronave Jefferson Airplane alcanzó cotas de las que no bajó hasta cinco años después. 

("Cuando la verdad resulta mentira/Y muere la alegría que llevas dentro/¿No quieres encontrar a alguien a quien amar?/¿No necesitas a alguien a quien amar?/ Mejor encontrar a alguien a quien amar/Cuando las flores del jardín se han marchitado/Y en tu cabeza quema la pasión/¿No quieres encontrar a alguien a quien amar?/¿No necesitas a alguien a quien amar?/Mejor encontrar a alguien a quien amar")

Tennessee me

The Secret Sisters - "Tennessee me"

Desde su primer disco aparecido en 2010, el duo vocal formado por Lydia y Laura Rogers ha ido dejando atrás la revisión del country tradicional del principio para situarse ahora en la avanzadilla renovadora del country-folk americano.
The Secret Sisters -nombre artístico- publicaron hace unos meses "You don't own me anymore" (2017), estando Brandi Carlisle en la producción, quien las ayudó a continuar el camino que pasa por los Everly Brothers y se ensancha en Emmylou Harris.
Sus preciosas armonías vocales siguen intactas, pero además escriben ahora la mayoría de las canciones, algo que empezaron en "Put your needle down" (2014), una manera convincente de modernizar sentimientos que retrotraen al antiguo honky-tonk.
Este es el campo en donde estas hermanas originarias de Alabama se estrenaron publicando "The Secret Sisters" (2010), convocando así a Hank Williams o Bill Monroe, pero también aportando al canon clásico canciones como "Tennessee Me".

("Ven Tennessee Me/Aquí te espero Tenessee Me/Me siento sola esta noche.../¿Por qué no vienes ?/Oh, Tennessee Me, te amo/Mírame a la luz de la lumbre del hogar/Ven a verme en medio de la noche/Si elegiste ir a ver mundo/Que tu corazón se quede en Tennessee.../Por favor, Tennessee Me, ¿no me ves mirándote a los ojos?/Tennessee Me quiero amarte toda mi vida")

Time is passing

PETE TOWNSHEND (Time is passing)

Los Who publicaron en 1971 Who's next, tocando su cima creadora y saludando una nueva década desconfiada ya del pensamiento visionario y de los candorosos ideales de amor y paz que habían revolucionado la paralizada sociedad de postguerra.
Pete Townshend era su alma y compositor principal, un artista con ideas y proyectos tan abundantes e idiosincráticos que necesariamente iban a alumbrar poco después la carrera en solitario que inaugura Who came first (1972).
Este disco recoge algunas canciones destinadas a la abortada ópera de ciencia ficción Lifehouse, pero sobre todo descubre a un Pete Townshend, intérprete del rock más vibrante y directo, envuelto en la espiritualidad predicada por cierto gurú indio.
De Meher Baba decían que era un Avatar, un dios con forma humana. Y Pete Townshend, que estaba bajo su influjo, escribió canciones-oración como 'Parvadigar', pero especialmente la esplendorosa 'Time is passing', un canto a fuerzas universales.

 (Toco la guitarra mientras mi hermana tintinea en el jarrón / El cristal desprende un sonido como de risas de gente / Que me llega al cerebro y suaviza mi dolor / Tengo que oír este sonido otra vez, porque el tiempo pasa / Voy caminando junto al mar y la gravilla me va cantando... / Las rocas crujen y las gaviotas vuelan en círculo / Pero todo el escenario se resume en que el tiempo pasa)

Till I gain control again

Alison Krauss - "Till I gain control again"

Alison Krauss mostró temprano ser una cantante de Bluegrass con voz y sensibilidad interpretativa excepcionales. Ello le permitió publicar un primer disco a los dieciséis años: "Too late to cry" (1987), que fue acogido como auspicio de gran futuro.
En "Two highways (1989), la joven violinista y cantante se rodeó de Union Station, su banda de acompañamiento desde entonces, que cuenta con John Pennell, el bajista y compositor con el que ella creó la popular "Every time you say goodbye".
Aquella canción y el álbum del mismo título, publicado en 1992, confirmaban su reinado en un género de música campestre, con raíces en baladas tradicionales inglesas y escocesas, y de asiento en la región montañosa de los Apalaches.
En tres décadas de carrera, Alison Krauss ha entregado álbumes siempre estimulantes y no ha faltado en tributos a otros artistas. La canción "Till I gain control again", escrita por Rodney Crowell, pertenece al rendido a Emmylou Harris en 2016.

("Igual que sol sobre la cumbre de la montaña/Tú sabes que yo siempre volveré/Y sabes que me gusta pasar el tiempo matinal /Como luz solar que bailara sobre tu piel/Nunca me he perdido como para ir diciéndote mentiras/Y lo que ves es lo que he sido/No hay nada que pueda ocultarte.../Ahora sólo espero que me sostengas/Hasta que pueda recuperar el control sobre mí")

Perspectiva Nevsky

FRANCO BATTIATO (Perspectiva Nevsky)

El rock progresivo-experimental italiano tiene en Franco Battiato (Riposto, 1945) a un artista de importancia reconocida internacionalmente, a un agitador cultural cuyo vanguardismo también reflejan letras cargadas de literatura y filosofía.
Franco Battiato recibió de su padre una guitarra a los trece años, y con ella seguramente el augurio de su destino. Llegó a Milán desde Sicilia en 1964, empezando poco después a actuar desde la improvisación electrónica en espacios culturales alternativos.
Su obra interesó primero a pioneros del experimentalismo, pero luego empezó a imponerse con fuerza a partir de L'era del Cinghiale bianco (1979), un disco que con aires 'new wave' guarda canciones abundantes en referencias mitológicas y esotéricas.
Tenía la fórmula musical justa de canción melódica italiana bañada de sintetizador cuando publicó Patriots (1980), entre cuyos temas destacaba 'Perspectiva Nevski'. Y los méritos para actuar en 1984 en el entonces prestigioso festival de Eurovisión.

(Un viento a treinta grados bajo cero / Se colaba en las plazas vacías y los campanarios / Y, como ráfagas de metralla, a veces desintegraba los cúmulos de nieve / En medio, ahuyentando lobos y viejas de rosario, las  hogueras encendidas por la guardia roja / Sentados en los escalones de una iglesia / Esperando que acabara la misa y salieran las señoras / Mirábamos con ojos abstraídos la gracia incomparable de Nijinski)

Temptation

Clara Bakker - "Temptation"

La lista de artistas femeninas que han homenajeado a Tom Waits es muy extensa. Sean nombres famosos o relativamente desconocidos, todas comparten una profunda admiración por el genial y teatral músico californiano.
Hay canciones de Tom Waits inflamadas de un alocado amor juvenil que parece animado por el humo de tabaco, cervezas calientes y mujeres frías. Y otras donde el corazón de la noche del sábado se llena de chicas que llegan en trenes de cercanías.
La artista holandesa Clara Bakker se ha hecho sin duda un gran favor a sí misma con su afortunada interpretación de "Temptation", pues le ha servido para darse a conocer más que con cualquiera de sus trabajos habituales en ambientes de jazz.
La canción apareció en "Franks Wild Years " (1987), el álbum con el que Tom Waits quiso hacer  ópera romántica para una obra de teatro. En 1986 la compañía El Lobo Estepario estrenaría esa obra en Chicago.

("Brandy envejecido en cristal de diamante/Todo está hecho de sueños/El tiempo lo hace la miel, lenta y dulcemente/Sólo los locos saben lo que esto quiere decir/Tentación, tentación... No puedo resistirla/Ya sé que ella está hecha de humo/Pero yo he perdido el rumbo/Y ella sabe que estoy en bancarrota/Y que tengo que jugar a la tentación/Tentación, Tentación, no puedo resistirla")

Observations from a hill

Family - "Observations from a hill"

Family engrosó en 1968 la corriente británica de folk-rock progresivo y psicodelismo que Traffic había iniciado antes. Lideraban el grupo Charley Witney (guitarra, teclados) y el cantante Roger Chapman, de voz que alcanzaba un vibrato sostenido espectacular.
El rock psicodélico del comienzo de Family no buscaba tanto explorar viajes por la mente, al estilo de Pink Floyd o Soft Machine, como rodearse de arreglos coloristas y notas de acidez para dar cuenta de un mundo observado desde el goce y la reflexión.
En "Music from a doll's house" (1968),  imaginativo y fundamental primer álbum, el violinista Rich Grech y el saxofonista Jim King contribuyen a ofrecer, además de una encantadora caja de sorpresas, una muestra del mejor blues-rock psicodélico.
En "Family entertainment" (1969), su segundo álbum, el ilustrador Alan Aldridge ideó la cubierta circense, la producción corrió a cargo del mago Glyn Johns y "Observations from a Hill" era un tema tan bueno que incluso abría programas musicales de radio.

("Chimeneas y tejados/Más altos que los árboles/En una colina, agachado/Azul celeste, azul pizarroso, frío mientras el viento/Movía hojas que nunca estarán quietas/Edificios irregulares y apiñados/Yo lo miraba despreocupado/Gente de camino/Coches en movimiento.../Niños que se divierten.../Son mis observaciones desde la colina")

Ode to Billy JOe

Bobbie Gentry - "Ode to Billy Joe"

Bobbie Gentry nació en 1944 en Chickasaw County (Mississippi), donde el medio rural y la pobreza marcaron sus primeros años. El gospel de la iglesia baptista lugareña y el piano que le regaló su abuela la ayudaron a aliviar su fuerte inclinación musical.
Antes de retirarse a finales de los setenta, Bobbie Gentry vivió una vida personal y artística fascinantes, marcada por vaivenes que incluyen el apogeo de "Ode to Billy Joe" (1967), el estreno discográfico, y "Patchwork" (1971), la despedida.
El rock pantanoso y algo tenebrista del primer álbum descubrió a una escritora sujeta a experiencias y recuerdos repletos de verismo campestre. Esta fuerza originaria se mantuvo en los dos discos siguientes, especialmente en "The Delta Sweete" (1968).
Como signo de su nuevo estatus artístico, Bobbie Gentry firmaría con Glen Campbell un disco de country-pop aparecido en 1968. Series de televisión y un espectáculo nocturno de producción propia en La Vegas precedieron a su retiro.

("Era el tres de junio, un día más de letargo y polvo en el Delta/Yo escardaba algodón, y mi hermano embalaba heno/Paramos a la hora del almuerzo y fuimos andando a casa/Mamá nos gritó desde la puerta trasera que no olvidáramos sacudirnos el polvo de los pies/Y luego nos dijo que había recibido noticias de Choctaw Ridge/'Hoy, Billy Joe MacAllister se ha tirado desde el puente de Tallahatchie'")

Maria

David Sylvian - "Maria" 

David Sylvian (Londres, 1958) recompuso fuerzas e ideas para proseguir una carrera ramificada al arte, la fotografía y el cine cuando en 1982 se disolvió Japan, aquel grupo de trayectoria intrigante del periodo glam-rock londinense y del que él fue líder.
Esos nuevos escenarios le permitieron ahondar en el pop electrónico y en atmósferas como recubiertas de una fina tela de seda. De ahí sus colaboraciones con Ruichi Sakamoto, cuyo primer fruto fue la banda sonora "Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983).
Pero David Sylvian se estrenó propiamente en solitario con "Brilliant trees" (1984), un disco en el que está presente Holger Czukay, igual que Robert Fripp en "The first day" (1993), discos para una trayectoria de creación de ambientes entre trémulos y movedizos.
En estas atmósferas, palpitantes de vida y también de misterio, tuvo un ejemplo destacado el álbum "Secrets of the beehive" (1987), donde un sonido cercano a la experimentación jazz, y siempre evocador, produjo canciones delicadas como lo es "Maria".

("Sube la escalera y ven a la casa de mis sueños/ Estas palabras son tuyas, María/Las aguas me dan calor (me sostienen)/La mesa vacía (hasta que haya pasado lo peor)/Hasta que vuelvan las noches de verano/Hasta que cerremos los ojos/María, cada uno de tus pensamientos es un latido de mi corazón/María, tenme en tus pensamientos")

The morning fog

Kate Bush - "The morning fog"

Kate Bush reinó en el pop-rock inglés de los ochenta con voz operística y enigmáticas canciones de orquestación barroca, por las que fluía un poderoso combinado de  referencias literarias y honestas confesiones personales.
Dave Gilmour, guitarrista de Pink Floyd, advirtió su talento precoz cuando la artista contaba quince años, pero la discográfica EMI esperó a su eclosión, el momento de "The kick inside" (1978), un disco embelesador bajo su brillo de indefinible misterio.
La canción "Wuthering heights" fue entonces una muestra soberana de alarde vocal e interpretación al piano, algo que Kate Bush repitió con teatralidad y parecido éxito en "Babooshka", tema sobresaliente de otro álbum imaginativo: "Never for ever" (1980).
Y, sin embargo, la obra cumbre de Kate Bush llegó con "Hounds of love" (1985), en donde jugó alegre con arreglos y melodías para crear canciones de pop progresivo que expresan un doble universo de espiritualidad y sensualidad insondables.

("La luz empieza comienza a sangrar, comienza a respirar, comienza a hablar. ¿Lo sabías? Ahora te amo más /Voy cayendo como una piedra, como una tormenta. He nacido otra vez en la dulce niebla matinal. ¿Lo sabías? Ahora te amo más/Voy cayendo, pero, ya sabes, querría mantenerme. Besaré el suelo. Se lo diré a mi madre, a mi padre, a mi amado, a mis hermanos. Les diré lo mucho que les quiero")

A ride back home

John Mellencamp - "A ride back home"

La carrera de John Mellencamp, que se extiende ya a más de cuatro décadas, le ha llevado entre los grandes del country-rock, junto a Bruce Springsteen o a Bob Seger, a los que les acerca un sonido vigoroso y el dar voz al alma del americano medio.
Un tipo que el mismo John Mellecamp encarnó en la búsqueda de un sueño con fuerza para superar las turbulencias de su carácter juvenil, los reveses propinados al principio por la industria discográfica y la indiferencia de la crítica a sus inicios discográficos.
Indiferencia merecida quizá, porque la creación de su talento artístico, que arranca en 1976, no se resuelve satisfactoriamente hasta "Scarecrow" (1985), en donde, con tono social y elementos folk-rock, aparece la América olvidada que él representaría.
Conciencia social convertida en la libertad de la carretera con "Freedom's road" (2007). John Mellencamp amplía el abanico de sus preocupaciones existenciales en "Life, Death, Love, and Freedom" (2008), dándole al cielo la llave de la esperanza.

("¡Eh, Jesús! ¿Podrías llevarme en viaje de vuelta a casa?/Ya llevo por mi cuenta en este mundo demasiado tiempo/Dejaré de molestarte/Si puedes acercarme hasta la puerta.../Cuando salí, yo era joven y fuerte/Cuando pintaba mal, me echaba todo a la espalda/Ahora empieza a afectarme toda esta falta de humanidad.../Hubo un tiempo en que me dejaba llevar por las promesas/Pero eso ya ha pasado")

Nowhere is home

Dexys Midnight Runners - "Nowhere is home"

Kevin Rowland, el extravagante y siempre genial artista de Birmingham, se halla detrás de Dexys MIdnight Runners, con cuyo nombre ha escrito una obra que ha ido oscilando entre el soul orquestal, el folk céltico y el pop.
La banda orquestal que terminaría siendo Dexys Midnight Runners, fue la plasmación del proyecto que Kevin Rowland favoreció en 1978 junto a Kevin "Al" Archer (guitarrista y cantante). Los dos estuvieron detrás de "Geno", su primer éxito en las Islas Británicas.
Los Dexys publicarían después "Searching for the young rebels" (1980) y "Too-Rye-Ay" (1982). Este último disco, que fusionaba música celta, soul y rock & roll, y les acercaba a la sombra de Van Morrison, produjo una canción muy popular: "Come on Eilleen".
Tras "Don't stand me down" (1988), Kevin Rowland disolvió la formación. Pero, como ave fénix, volvió renacido con "One Day I'm going to soar" (2012), disco con sabor a otra época que contiene la delicada orfebrería de "Nowhere is home".

("Ahora ya sé que ninguna situación romántica tendrá éxito/Nada puede hacerme feliz/No hay jardines de rosas para mí/Y no es compasión de mí mismo, no.../En ninguna parte se encuentra mi hogar.../Nací de familia irlandesa/Pero eso no es en sí mismo gran cosa/Porque mi realización no está en la identidad nacional/Mi tipo no es ajustarme a un nido/Ese no soy yo/En ninguna parte encuentro mi hogar")

Detroit or Buffalo

Barbara Keith - "Detroit or Buffalo"

Por el escenario del Cafe Wha? del Village neoyorkino pasaron en los sesenta muchos músicos de talante folk que luego conocerían la fama (Bob Dylan y Peter, Paul & Mary, entre ellos). Otros, como Barbara Keith, encontraron allí una fugaz caja de resonancia.
Ella era entonces vocalista de Kangaroo, grupo de caluroso sonido pop con quien justificó los méritos para grabar después en solitario "Barbara Keith" (1969), una obra de country-rock que la elevó a la órbita de las grandes artistas femeninas.
Tras un paréntesis de tres años, el productor Doug Tibbles reuniría un plantel con nombres de lujo (Lowell George, Nick de Caro, Spooner Oldham...) para ayudarla a completar su segundo álbum, verdadera joya de la época: "Barbara Keith[1972]".
Junto a la recreación electro-folk de la dylaniana "All along the watchtower", la artista ofrecía un ramilletes de canciones propias, algunas convertidas en clásicas a través de las muchas versiones que han recibido. "Detroit or Buffalo" brilla con luz especial.

("La gente espera que caigas y te des contra la misma vieja pared/No quieren ayudarte de verdad... /Mueven la cabeza diciendo:"Siempre supe que esa chica nunca llegaría a nada bueno"/Mejor hacer la maleta y marcharse a Detroit o a Buffalo.../A todos les toca irse alguna vez/Me voy en este tren hasta donde termine la línea/Y a cada milla echo en falta a ese amigo mío")

Jersey girl

TOM WAITS (Jersey Girl)

Con voz y estilo desaforados, Tom Waits quiso los primeros años presentar una imagen de personaje bohemio cuyo medio natural fuera la noche animada de alcohol, de bares musicales y de amores rodeados de teatralidad cinematográfica.
En esta caracterización era fácil entrever la fascinación que Tom Waits sintió en sus años jóvenes por la generación beat de Jack Kerouac y Neal Cassady, a quienes dedicaría una de las canciones de Foreign Affairs (1977), cuarto álbum de estudio.
Bajo la simulación de tipo duro,Tom Waits escondía una ternura que estuvo presente desde Closing time (1973), el comienzo de su carrera. La apoteosis romántica podría encontrarse en la banda sonora que compuso para el film Corazonada, de Coppola.
También el álbum Heartattack and vine (1980), último trabajo para Asylum, fue fiel a la cita del personaje enamorado. Allí Tom Waits, conjuntamente con Kathleen Brennan, su mujer y colaboradora desde 1980, dejó escrita la celebrada 'Jersey girl'.

(No tengo tiempo para estar en la calle de líos con la pandilla / No quiero ir de putas a la Avenida Ocho, porque esta noche voy a estar contigo / Porque hoy voy a hacer el viaje, cruzando el río, a la parte de Jersey / Y llevaré a mi chica al carnaval, y te llevaré a todas las atracciones / Ahí, contigo en la costa, todo está bien en la noche del sábado... / Y cantaré 'sha la la la la la')

Killing the blues

Robert Plant/Alison Krauss - "Killing the blues"

Led Zeppelin se disolvió en 1980 tras doce años de gloriosa existencia. Pero Robert Plant, el cantante, continuó un camino de retos artísticos traducidos en novedades interesantes cuya última expresión es "lullaby... and the ceaseless roar" (2014).
Alison Krauss se ha ganado el título de reina del bluegrass desde que en 1987, a los dieciséis años, editara su primer disco. A la media docena de álbumes con The Union Station, ha añadido recientemente "Windy city" (2017) en terrenos del country clásico.
Robert Plant y Alison Krauss compartieron escenario en 2005, en un concierto en recuerdo de Leadbelly, el bluesman de Louisiana que, tras su muerte en 1949, se convirtió en leyenda y fue autor de canciones inmortales, entre ellas "Good night Irene".
Aquel encuentro propiciaría la colaboración que dio "Raising sand" (2007), un disco en el que las armonías vocales entre ambos artistas llenaron de magia los temas previamente seleccionados por el músico y productor T Bone Burnett.

("Las hojas caían como ascuas/Con sus colores rojos y dorados nos encendían/ Quemaban como un rayo de luna en nuestros ojos/Alguien dijo haberme visto/Balanceando el mundo por la cola/Saltando sobre una nube blanca/Matando la pena/Ahora soy culpable de algo.../Que espero que tú no hagas/Porque no hay nada más triste/Que verse perdido en el amor")

Riverside

Agnes Obel - "Riverside"

Agnes Obel (Copenhagen, 1980) lleva editados tres álbumes en los que, presente con su voz y piano de sombras góticas, construye canciones que, igual que las imágenes que despiertan, están guiadas por atmósferas de oscura hermosura.
Agnes Obel afirma que la música siempre dice y proyecta historias; de ahí el amor por las películas de Hitchcock y el vínculo con el director de cine David Lynch, que hizo una remezcla del tema "Fuel to fire", aparecido en "Aventine" (2013).
Agnes Obel, la artista que creció en una familia nada convencional y aprendió piano de pequeña tocando a Bartok y Chopin, ha seguido ahondando en recursos electrónicos y modulaciones de voz  para ofrecer la finura orquestal de "Citizen of glass" (2016).
Pero el encanto de "Philarmonics" (2010), debut discográfico por el que Agnes Obel recibió numerosos galardones, aún preside toda su obra. "Riverside", la canción que abría el álbum, era una inmejorable tarjeta de presentación.

("En el río, junto a los barcas/Donde todos van para estar solos/Donde no verás el sol levantarse/Corriendo iremos al río/Bebiendo hasta las heces en la orilla/Mirando las piedras del fondo/Puedo leer en tus ojos que nunca has estado en la ribera del río/Desde las aguas de su lecho, alguien te está llamando/ Alguien te dice que nades en su corriente y flotes.../Oh, Dios mío, veo lo torcido que está todo en la profundidad del río")

No regrets

TOM RUSH (No regrets)

Tom Rush encabezó la lista de cantautores e intérpretes que a principios de los sesenta revitalizaron el folk norteamericano al distanciarse de la dimensión social y política, y acercarse con poesía a sus preocupaciones más personales.
La carrera de Tom Rush (New Hampshire, 1941) empezó en la ciudad de Boston cuando todavía era estudiante universitario, grabando ya entonces el material tradicional de Blues, songs and ballads (1963) con solo guitarra acústica y contrabajo.
En 1965 firmó contrato con Elektra. En el disco epónimo de aquel mismo año interpretaba country blues y temas tradicionales. Take a little walk with me (1966), en cambio, miraba al rock & roll clásico y contaba con Al Kooper a la guitarra eléctrica.
Lo último para Elektra fue también lo más interesante: The circle game (1968). Además de versionar a futuras estrellas del folk-rock (Joni Mitchell, James Taylor y Jackson Browne), Tom Rush había escrito 'No regrets', una canción que hizo época.

(Sé que tu partida estaba anunciada desde hace tiempo / Pues por mucho tiempo no he tenido nada nuevo que ofrecerte / Adiós sin lágrimas / He estado mirando cómo tu avión desaparecía por el lado oeste de la luna / Y me sentí extraño al tener que irme solo / No me restan lamentaciones ni lágrimas de despedida / No quiero que regreses / Pues volveríamos a llorar / Y a repetir el adiós)

Sun comes up it's Tuesday morning

The Cowboy Junkies - "Sun comes up it's Tuesday morning"

Los Cowboy Junkies nacieron como grupo de folk-rock alternativo a mediados de los ochenta. Los hermanos Timmins -en particular Margo, la cantante, y Michael, guitarrista y letrista-, fueron artífices de una música que, lánguida pero calurosa, invitaba a soñar.
"The Trinity session" (1988) dio a los Cowboy Junkies un temprano éxito. El sonido acústico se condensaba lastimeramente en el interior de la iglesia Holy Trinity de Toronto recordando a Hank Williams ("I'm so lonesome I could cry") o Lou Reed ("Sweet Jane").
El culto generado por aquellas grabaciones propiciaron que los Cowboy Junkies volvieran veinte años después a revitalizar el proyecto con renovada belleza en "Trinity Revisited" (2007), acompañados, entre otros, de Vic Chesnut y Natalie Merchant.
Los Cowboy Junkies pisaron los noventa manteniendo intensidad poética e intensificando riqueza cromática (mandolina, violín y acordeón). De ello dieron fe canciones adictivas de "The Caution horses" (1990), como "Sun comes up it's Tuesday morning".

("Sale el sol, es martes por la mañana/Me da directamente a los ojos/Creo que anoche olvidaste bajar la persiana.../Echo a faltar el olor del café de la mañana.../El beso que me dabas cuando aún estaba medio dormida/Pero me gusta la sensación de estos otros pies en mi cama/Suena el teléfono pero no responderé/Porque todo el mundo sabe que las buenas noticias duermen siempre hasta el mediodía")

 

That Alice

Laura Veirs - "That Alice"

Laura Veirs (Oregón, 1973) se abría futuro como traductora del chino, pero descubrió en la veintena que su verdadera pasión, dejadas veleidades punk, respondía a inclinaciones musicales folk, y pronto inició la carrera que cuenta ya con diez álbumes.
En el inicio, "Laura Veirs" (1999) anunciaba su potencial creativo, plenamente manifiesto en "The triumphs and travails of Orphan Mae" (2001), conjunto de historias de anhelo y soledad, con trasfondo en la naturaleza del noroeste americano.
Laura Veirs publicó en 2004 "Carbon glacier", un álbum de preponderancia acústica, repleto de estampas de desaliñada belleza: "Ven conmigo, nos dirigiremos al norte, donde los ríos corren helados e impetuosos", abre el disco.
"Tumble Vee: Laura Veirs sings folk songs for children" (2011) rescataba canciones infantiles. Y el álbum "Warp & weft", (2013) asistida de nuevo a la producción por su marido, el multi-instrumentista Tucker Martine, trae canciones de rock vibrante.

("Nacida en Detroit, estudió luego en Francia/Tocaba el arpa y hacía jazz/Con John Coltrane, del que fue su esposa, hicieron mucha música antes de que él muriera/Esa Alice construyó un palacio para nuestros oídos/Se trasladó a California, se hizo una swamini/Y vivió en un lugar cercano a Malibu Beach/Nunca tuve la oportunidad de verla tocar/Escucho sus discos y siento las olas/Esa Alice construyó un palacio para que la oigamos")

While muy guitar gently weeps

George Harrison (2) - "While my guitar gently weeps"

Los álbumes de los Beatles -trece en su discografía oficial- recogen con frescura e invención infatigables la revolución socio-cultural que en Norteamérica y países europeos se produjo en los sesenta. Ellos mismos eran parte de la agitación en las ideas.
El pop armonioso, fogosamente juvenil de "Please Please me" (1963) con que los Beatles iniciaron su escalera al cielo, se transformaría al final de su carrera en la olla a presión silbante, repleta de disparidades, de "The Beatles - White Album" (1968).
El doble álbum blanco de los Beatles presagiaba el final del grupo. John Lennon y Paul McCartney estaban dejando de interactuar como polaridades complementarias, singularizándose con canciones exclusivas aunque firmaran conjuntamente.
Pero ello no le fue mal a George Harrison, quien, habituado a un plano discreto, escribió cuatro notables canciones del álbum. En su versión orquestal y acústica, la remansada grandiosidad de "While my guitar gently weeps" sigue siendo exquisita. 

("Te miro y todo lo que veo es el amor durmiendo en ti/Mientras mi guitarra llora dulcemente/Miro al suelo y veo que necesita un barrido/Y mi guitarra sigue llorando dulcemente/No sé por qué nadie te dijo cómo desplegar tu amor/No sé cómo alguien pudo controlarte/Cómo te compraron y vendieron/Miro al mundo y lo noto girar/Mientras  mi guitarra llora dulcemente/Seguro que aprendemos de cada error")

Pretty Polly

Shirley Collins - "Pretty Polly"

Shirley Collins (Hastings, 1935), la mujer que encarnara en los sesenta esencias ancestrales del folk tradicional inglés, ha roto décadas de silencio con la grabación de "Lodestar" (2016), un disco que vence el desamor que la paralizó en 1978.
Dejando apacibles campos y colinas del sur inglés, Shirley comenzaría a actuar junto a su hermana Dolly en clubes londinenses, justo cuando conoció al musicólogo norteamericano Alan Lomax, con el que en 1959 rastreó glorias del blues por Estados sureños.
Aquel mismo año publicó "Sweet England", con temas sumergidos en la nostalgia de tiempos pretéritos. Su colaboración posterior con el influyente guitarrista Davy Graham en "Folk routes, new routes" (1964) sembró de renovación el folclor de la Islas Británicas.
El productor Joe Boyd la ayudó en otra obra seminal: "The true love knot" (1968). Luego, Shirley Collins y el bajista Ashley Hutchings liderarían la Albion Country Band, una agrupación de folk éléctrico resplandeciente de tradicionalidad musical.

("En lo profundo de un valle lejano vivía Pretty Polly/Y ella fue cortejada por un capitán que la amaba de verdad/Pero cuando sus crueles padres lo supieron/La apartaron de su verdadero amor/ Acostada, ella una noche cavilaba /Y una extraña idea le vino repentinamente a la cabeza/'Ningún padre, ninguna madre, harán que yo renuncie'/Me alistaré como soldado y seguiré a mi amor")

Further on down the road

Taj Mahal - "Further on down the road"

La música norteamericana de raíces le debe a Taj Mahal (Nueva York, 1942) la singular amalgana de country y blues eléctrico de sus álbumes de los sesenta, pero también su valiosa aportación posterior desde estilos afroamericanos y latinos del Caribe.
Taj Mahal recibió de su padre, pianista de jazz con ascendencia jamaicana, y de su madre, cantante de gospel, la pasión musical que en 1964 lo llevaría a formar The Rising Sons en Los Ángeles, acompañándose de un jovencísimo pero genial Ry Cooder.
Sin embargo, el significativo debut del artista vino representado por "Taj Mahal" (1967), álbum exquisito que recogía el clima y los acentos del Delta con técnica y nervio sin precedentes, y en el que se hacía notar la versatilidad del guitarrista Jesse Ed Davis. 
La leyenda de Taj Mahal se consolidó con la aparición de "Natch'l Blues" (1968) y de "Giant step/De Ole Folks at home" (1969). La canción "Further on down the road" venía dentro de "Music keeps me together" (1975), un disco abierto al calipso y el reggae.

("A lo largo del camino, tú me acompañarás/Sí, a lo largo del camino, tú me acompañarás/Cada vez que pienso en la dulzura de tu amor/Es como un sol que brilla sobre mí/ No recuerdo días de frío/Querida, tú eres exclusiva.../Si en esta vida tiene que haber tontos/Entonces, quiero ser un tonto feliz/.../Si alguna vez nos va mal y las cosas se ponen tristes/Nos alegraremos mutuamente")

Let's spend the night together

Claudine Longet - "Let's spend the night together"

Claudine Longet, una parisina que sumaba talento artístico y atractivo personal, llegó a Las Vegas en 1960, casi adolescente, como bailarina del cabaré musical Folies Bergère. Meses después conocería a Andy Williams, y su vida cobró una inesperada aceleración.
La familia que formaron la apartó temporalmente del mundo del espectáculo, pero reapareció en 1964 en programas de televisión, algunos del propio Andy Williams, en los que a veces interpretaba canciones de otros con adorable languidez.
Claude Longet hacía pop de blanda sensualidad con voz aniñada, sin faltarle el encanto por el que Herb Albert la contrató para su sello discográfico y le ganó para "Claudine" (1967), su primer álbum, la certificación de disco de oro en ventas.
El arreglista Nick de Caro también estuvo presente en "Colours" (1968), apreciado por la nómina de artistas versionados y las gotas de psicodelia. "Let's spend the night together" (1972), un guiño a los Rolling Stones, fue la última obra de mérito de C. Longet.

("Ay, ay, no te preocupes de lo que pasa por tu cabeza/No tengo prisa, puedo esperar/Estoy en ascuas y se me está anudando la lengua/Voy perdiendo el sentido y la boca se me seca/Voy subido, pero intento, intento, intento/Pasemos la noche juntos/Te necesito como nunca/Es tan fuerte que no puedo disfrazarlo.../Ni siquiera puedo disculparme/Pasemos la noche juntos")