Tom Robinson Band

Tom Robinson Band - "Power in the darkness"

Tom Robinson (Cambridge, 1950) se alineó en el lado combativo del movimiento punk de finales de los setenta, convirtiendo su música en una invitación a alzarse en contra de la alienación y la discriminación en la sociedad inglesa del thatcherismo.
La orientación homosexual de Tom Robinson, que resultó en una dolorosa adolescencia, determinó una parte de su actividad artística, de la que nacieron algunas canciones primeras de éxito, como "2-4-6-8 Motorway" (1976) y "Glad to be gay" (1977).
Pero antes había formado parte de Café Society, un trío acústico cuyas actuaciones en Londres les ayudó a que Ray Davis (The Kinks) editara y produjera su único álbum. De esta labor previa resultó el contrato que la EMI ofreció al "Príncipe de los punks".
Tom Robinson Band [Danny Kustow (guitarra), Mark Ambler (órgano Hammond), Brian Taylor (batería), T. Robinson (voz, bajo)] grabaron para esta compañía dos trabajos, de los que el libertario "Power in the Darkness" (1978) fue disco de oro en ventas.

("Poder en la oscuridad/Mentiras intimidantes desde el otro lado/Poder en la oscuridad/Levántate y lucha por tus derechos/Libertad... Estamos hablando de libertad/Libertad de hacer lo que quieras con tu cuerpo/Libertad para creer en lo que te apetezca/Libertad para que los hermanos se amen unos a otros/Libertad para negros y blancos... Libertad para vivir tu propia vida...")

The sound of silence

Simon & Garfunkel - (The Sound of silence)

Simon & Garfunkel han dejado su nombre escrito entre las parejas artísticas vocales más impactantes de la música popular, continuando a mediados de los sesenta una línea dorada que previamente habían trazado los Everly Brothers.
Paul Simon y Art Garfunkel crecieron compartiendo vecindario en el barrio de Queens de Nueva York, y también escuela elemental en 1953. Aún quinceañeros, y llamándose Tom & Jerry, consiguieron en 1957 salir a las listas con el tema "Hey Schoolgirl".
El triunfo clamoroso de Simon & Garfunkel les llegó casi una década después gracias a canciones que, como "I am a rock", "Scarborough Fair", "Mrs. Robinson"o "Bridge over troubled waters", resuenan sostenidas en las preciosas armonías de sus voces.
La puerta de la fama ya estaba entreabierta en "Wednesday, 3 AM" (1964), el álbum que contenía "The Sound of silence" en versión acústica, y que Tom Wilson, productor de Bob Dylan, electrificó dos años después, llevándola a la cumbre.

(Hola, oscuridad, vieja amiga / Vengo nuevamente a hablar contigo / Porque una visión ha llegado sigilosa hasta mí / Y me ha dejado su semilla mientras dormía / Esa visión ha quedado plantada en mi cerebro / Y aún perdura / Encerrada en el sonido del silencio / En el sueño agitado, yo iba andando solo / Por calles empedradas y estrechas...)

Feist

Feist - "Lo, how a Rose e're blooming"

Leslie Feist, canadiense de Nueva Escocia nacida en 1976, ha mostrado sus anhelos vanguardistas en el itinerario de una militancia juvenil punk, su paso  por la escena indie y la exploración actual en los recursos inagotables del rock electrónico.
Feist estuvo ya con quince años de vocalista en un primer grupo punk, pero también tocó el bajo y la guitarra rítmica en grupos posteriores. Su colaboración en 1999 con Peaches, la electro-punk canadiense, la puso en el ancho de vía de su carrera.
Si "Monarch (Lay your jewelled head down" (1999) fue un tanteo, su participación en el grupo de rock indie Broken Social Scene y la gira europea con Chilly Gonzales terminó alumbrando el álbum "Let it die" (2004), con voz y estilos fluyendo como alegre arroyo.
Feist dio la sorpresa en "The reminder" (2007), de la mano de la canción "1234", utilizada en un reclamo publicitario millonario. "Metals" (2011) acoge la llama de una pasión contenida. Y "Lo, how  a Rose e're blooming" es su acercamiento a la Navidad.

("Mirad como una Rosa está floreciendo/Brota de un tallo tierno/Procede del linaje de Josué/Como habían cantado de antiguo/Llegó con flor brillante/Entre el frio del invierno/Cuando media noche se había consumido/Esta rosa de delicada fragancia/Llena el aire con dulzura/Disipa toda oscuridad con el esplendor de la naturaleza")

Hello in there

JOHN PRINE (Hello in there)

En la vecindad del folk y el country, entre la ternura y el humor, John Prine lleva cuatro largas décadas escribiendo canciones clarividentes en torno a la fragilidad del suelo humano, con las que ha ido labrando su condición de reverenciado artista de culto.
Su hermano le enseñó a tocar la guitarra a los catorce años, pero John Prine empezó su verdadero aprendizaje en Chicago, adonde llegó en 1970 buscando simples trabajos antes de ser descubierto por Kris Kristofferson y ejercer de músico.
Desde aquellos lejanos tiempos, John Prine ha grabado más de una veintena de discos. Podrían destacarse Bruised orange (1978), con Steve Goodman a la producción, y el soberbio Fair & Square (2005), su renacimiento artístico tras sufrir de cáncer.
Sin embargo, John Prine (1971) es un momento mágico en la obra del artista, quien despliega sus grandes dotes de cantautor para entregar canciones imperecederas, como 'Angel from Montgomery', pero especialmente la tremenda 'Hello in there'.

(Teníamos un apartamento en la ciudad / A Loretta y a mí nos gustaba vivir allí / Hace años que los niños crecieron y nos dejaron solos / John y Linda viven en Omaha / Joe se busca la vida como puede / Perdimos a Davy en la guerra de Corea / Y todavía no sé para qué, pero ya poco importa / Los viejos árboles crecen más fuertes cada día / Y los ríos corren más crecidos / Pero los mayores se van quedando más solos / A la espera de que alguien les diga ¿qué tal por ahí?)

 

Suzanne Vega

Suzanne Vega - "My name is Luka"

Suzanne Vega irrumpió en la escena neoyorkina a finales de los ochenta deslumbrando con un folk orquestal moderno y elegante, la plataforma en la que volaba su imaginación poética, perdida entre deseos y paisajes de la gran ciudad.
Suzanne Vega (Santa Mónica, 1959) creció alejada de su padre biológico en el barrio del Harlem español, un entorno socialmente duro que no le impidió cursar estudios de danza y música, y seguir conservando una mirada compasiva.
Cuando en 1982 se graduó en literatura, sus dotes de cantautora iban madurando en el trasiego por locales del Greenwich, de donde su representante Steve Addabbo la sacaría para firmar con la discográfica A&M y co-producir su primer disco.
"Suzanne Vega" (1985), con canciones como "Marlene on the wall", era un producto sofisticado e intenso de cultura urbana. Pero "Solitude standing" (1987) encerraba "Tom's Diner" y, sobre todo, "My name is Luka", la llave que le abrió a la popularidad.

("Mi nombre es Luka/Vivo en el segundo piso/ En la escalera de arriba/Sí, creo que me has visto antes/Si entrada la noche oyes algo/Algo que suena a conflicto o pelea/No me preguntes de qué se trata/Quizá sea porque todo me da un poco igual/Intento no hablar muy alto/Quizá sea porque no estoy bien/Intento responder sin orgullo/Ellos me dan hasta hacerme llorar")

Allah-Las

Allah Las - "Tell me (What's in your mind)"

Allah-Alas, banda residente en Los Ángeles, ha logrado en su primer disco conectar con el pop garajero californiano de finales de los sesenta con una fidelidad tal que su música parece llegar directamente de aquella época a través del túnel del tiempo.
Allah-Las se formó en 2008 por una feliz conjunción: tres de sus componentes [Pedrum Siadatiam, (primer guitarra); Matthew Correia (percusión); y Spencer Dunham (bajo)] se conocieron trabajando en la célebre tienda de discos Amoeba, de Berkeley.
Con la aportación destacada de Miles Michaud, en tanto que voz principal y guitarra rítmica, Allah-Las fue publicando en 2011 algunos sencillos que luego estarían entres las canciones del larga duración que apareció en 2012 como debut discográfico.
Este primer trabajo, con eco en los Byrds, Love o Beau Brummels, resucita entre capas de sonido de guitarra y voces el iridiscente sonido de California, melancólico y resplandeciente. "Tell me (What's in your mind)" es una buena tarjeta de presentación.

("Dime qué podría darte/Por lo que tú tienes/Todavía no me siento del todo mal/Aún no tengo ni la mitad de lo mío/Pensaba que entre nosotros todo estaba arreglado/Pero ahora he aprendido/Dime qué pasa por tu cabeza/Porque no puedo saberlo")

Melanie

Melanie - "Ruby Tuesday"

Melanie fue de las artistas cuya imagen y espíritu mejor representaron el idealismo hippy de la generación que en 1969 se congregó por cientos de miles en Woodstock bajo el lema de "paz y amor", y para los que ella cantaría su fraternal "Beautiful People".
Melanie nació en el barrio de Queens de Nueva York, en una familia donde su propia madre era cantante de jazz. Tras los estudios de secundaria, ingresó en la Academia de Arte Dramático, y luego sería una habitual en el circuito de Greenwich Village.
En 1968, a los veintiún años, Melanie había hecho méritos para grabar "Born to be", un primer álbum de inspiración folk pero adornado de variada orquestación, y en el que su voz tiene la fuerza, la verdad y los registros de un abrazo maternal.
"Melanie" (1969) y "Candles in the rain" (1970) consolidaron tanto su relevancia artística como su papel de sensible portavoz generacional. También en 1970 se editó la apasionada versión que hizo de "Ruby Tuesday", canción de los Rolling Stones.

("Ella nunca dijo de dónde procedía/Pero el ayer no importa porque ya ha pasado/Con el sol brillando/O en la noche más oscura/Nadie puede saberlo/Ella llega y luego se va/Adiós, Ruby Tuesday/Quién podría colgarte a ti un nombre/Si cambias con cada nuevo día/Y, aún así, te echo de menos/No le preguntes por qué necesita tanto de la libertad/Te dirá que no conoce otra manera de ser")

Mick Ronson

Mick Ronson - "Only After Dark"

Mick Ronson fue uno de los héroes del glam-rock de los setenta, movimiento que ayudó a definir  con su característico estilo a la guitarra, arreglos y trabajo de producción en discos clave de David Bowie, Lou Reed y Mott the Hoople.
Mick Ronson recibió de niño formación musical clásica, y parece que dejó el cello por la guitarra al oír al gran Duane Eddy. En Hull, su lugar inglés de nacimiento, se enroló de adolescente en numerosos grupos, de los que The Rats tuvo mayor proyección.
Fue músico de estudio para Michael Chapman y Elton Johh, pero la fama le llegó a partir de su colaboración con David Bowie, desde "Space Oddity" (1969) hasta "Pin ups" (1973). Bob Dylan le incluyó en 1975 en la gira "The Rolling Thunder Revue".
En esta etapa extraordinaria de su carrera, Mick Ronson publicó dos álbumes propios, muestrario de sus recursos a la guitarra y de la fina extravagancia musical de la época. La canción "Only after dark" apareció en "Slaughter on 10th Avenue" (1974).

("Siento mi espíritu volar sólo después del anochecer/Despido al mundo con un beso sólo al anochecer/Noches con luces de ciudad, sólo tras anochecer/Y correr tras maravillas, solo después de oscurecer/¿No desaparecerías en medio de la noche otra vez?/¿Por qué no vienes? ¿Qué pasa?/¿Por que no vuelas conmigo?/Un destino dulce e impreciso será nuestra compañía")

Anna Calvi

Anna Calvi - "Desire"

La llegada de Anna Calvi al mundillo artístico londinense ha sido acogida con entusiasmo por la crítica especializada, pues trae una resolución interpretativa que, según Brian Eno, la emparenta con la cruda energía de una joven Patti Smith.  
Anna Calvi (Londres, 1980) ha estudiado violín y guitarra, pero fueron problemas congénitos de cadera y su tratamiento en hospitales lo que primero le empujó a escapar a un refugio que fue poblándose de sueños y música.
Su trato con el dolor y la diferencia le hizo entender a artistas patológicamente sensibles, como Captain Beefheart o la angélica soprano Maria Callas, y explica su admiración por el cine de directores tan peculiares como David Lynch o Wong Kar-Wai.
"One Breath" (2013) es la continuación de "Anna Calvi" (2011), un álbum éste de reflejos góticos en donde hasta se escuchan aires de flamenco. La canción "Desire", que habría firmado PJ Harvey, convierte el deseo en violenta descarga eléctrica.

("Quiero llegar hasta el sol/Sentir mi vida como nunca antes/Pero el diablo que hay en mí/El diablo me llama mientras voy deshaciéndome/El cielo va oscureciéndose esta noche/Es más oscuro que el miedo que nos arrancará al uno del otro/Los latidos son el sonido del amor/El sonido del amor es el palpitar de un corazón enfebrecido")

The Gaslight Anthem

The Gaslight Anthem - "Mae"

The Gaslight Anthem, grupo de New Jersey, está construyendo una interesante personalidad musical desde influencias neo-punk y el rock brioso y melódico representado especialmente por Bruce Springsteen, con quien comparten afinidades.
Comandado por Brian Fallon (guitarra, voz), y completado por Alex Rosamilia (segundo guitarra), Alex Levine (bajo) y Benny Horowitz (batería), The Gaslight Anthem se estrenó con "Sink or Swim" (2007), que el punk contemporáneo saludó calurosamente.
"The sound of '59" (2008) siguió la línea de urgencia y sinceridad que distinguen al Boss, Tom Petty o The Replacements. En 2010 apareció "American Slang", el punto de partida para un sonido todavía visceral pero abierto a un lirismo de tiempos medios.
The Gaslight Anthem publicó el álbum "Handwritten" en 2012, un peldaño más hacia una identidad sin hipotecas. "Mae" es ya una canción en donde, sin renunciar a un nervioso fondo eléctrico, afloran matices y texturas de nueva sensibilidad.

("No dejes de ser la misma, nunca cambies/Porque echaré a faltar tus maneras/Tus ojos, a lo Bette Davis/Y el vestido de fiesta de tu mamá/Mientras esta ciudad bombea su corazón dolorido/Y espera una gota más de sangre/Dejemos que nuestros dedos cobren polvo/Esperando la llegada del reino/Con la radio puesta")

Amy Winehouse

Amy Winehouse - "Will you still love me tomorrow?

Con su muerte a los veintisiete años, Amy Winehouse malogró una carrera que prometía llevarla volando hasta la luna, parafraseando la letra de una canción de Frank Sinatra, artista que ella admiraba.
Sus padres se separaron cuando contaba nueve años, pero antes habían propiciado un ambiente musical en la familia del que nació su cariño por el jazz. A esa edad empezó a asistir a una escuela de teatro para aprender baile de zapateo y educar la voz.
Personal y rotunda, su voz guarda un estilo que recoge influencias de divas del jazz como Sarah Vaughan y Dina Washington. Con "Frank" (2003) nacía una estrella, cuyo descubrimiento se repartieron Salaam Remi, el productor, y la discográfica Island.
"Back to Black" fue el álbum más vendido del Reino Unido en 2007. Pero junto a una lluvia de éxitos y galardones, Amy Winehouse extraviaría fatalmente su vida. En el póstumo "Hidden treasures" interpretaba "Will you still love me tomorrow?"

("Esta noche me perteneces completamente/Das tu amor con dulzura/Esta noche la luz del amor resplandece en tus ojos/¿Me seguirás queriendo mañana?/¿Es éste un tesoro duradero?/¿O solo un momento de placer?/¿Puedo creer en la magia de tus suspiros?/¿Me seguirás queriendo mañana?")

Handle with care

THE TRAVELING WILBURYS (Handle with care)

George Harrison propuso en 1988 a Roy Orbison, Bob Dylan, Jeff Lynne y Tom Petty compaginar sus obras respectivas con una colaboración conjunta para hacer un rock festivo y gozoso que celebrara la amistad y el arte que los unía.
Se dieron el nombre de The Traveling Wilburys, y en los dos años en que el proyecto se mantuvo vivo aparecieron dos maravillosos álbumes, en donde es posible disfrutar de canciones que recogen toda la frescura del rock clásico.
Traveling Wilburys, vol.1 (1988), producido por Jeff Lynne con limpieza cristalina, tuvo excelentes críticas y les ganó un Premio Grammy, pero la muerte inesperada de Roy Orbison ese mismo año les privó de la voz privilegiada de este rey del pop.
Traveling Wilburys, vol.3 (1990), su final de trayecto, siguió deleitando con canciones de ritmo fácil y disfrutable. De ellas, 'Handle with care', aparecida en su primera entrega y liderada por George Harrison, dio la medida más excelente.

(Me han apabullado y apaleado / Me han ridiculizado y despreciado / Tú eres lo mejor que me he podido encontrar / Trátame cuidadosamente / Puede cambiarse la reputación/Y tolerarse situaciones/Chica, tú eres adorable... / Estoy muy cansado de la soledad /Aún puedo ofrecer amor... / Todos tienen a alguien en quien apoyarse / Pon tu cuerpo junto al mío y soñemos)

Leonard Cohen

Leonard Cohen - "Suzanne"
Leonard Cohen, el judío canadiense más universal, ha confesado repetidamente su gratitud a García Lorca por haberle dado una voz poética, también al gitano español que en Montreal le enseñó los ocho acordes en que se sustentan sus composiciones.
Leonard Cohen había escrito poesía y novela antes de descubrir en la música el otro alimento necesario de su alma y publicar, con treinta y cuatro años, "Songs of Leonard Cohen" (1967), un primer disco en el que el amor tomaba nombres de mujer.
De voz cincelada para realzar su imaginario poético, Leonard Cohen confirmó en los álbumes siguientes ["Songs from a room" (1969); "Songs of love and hate" (1971)] que la materia preferente de sus canciones se desprendía de la belleza y la sensualidad.
Aunque la religiosidad latente en su obra haya terminado llevándolo hasta el zen, Leonard Cohen no ha dejado de gravitar en torno al universo femenino, en donde siempre ha encontrado sus verdaderas iluminaciones. "Suzanne" es del primer álbum.

("Suzanne te acompaña a su lugar junto al río/Puedes oír el paso de las barcas/Y pasar la noche a su lado/Sabes que es algo alocada/Pero por eso estás allí/Y te da a comer naranjas/Que proceden de la lejana China/Y cuando quieres decirle/Que tu amor no puedes darle/Ella te hace vibrar en su misma onda/Y deja que el río responda/Que tú siempre has sido amante suyo")

Charlotte Gainsbourg

Charlotte Gainsbourg - "Just like a woman"

Era fácil augurar que Charlotte Gainsbourg sobresaldría en el cine y en la música, pues sus progenitores Serge Gainsbourg y Jane Birkin ya eran dos impactantes artistas en una y otra especialidad cuando nació ella (Londres, 1971).
A los trece años, Charlotte Gainsbourg registró a dúo con su padre la canción "Lemon incest" (1986), una exitosa provocación a ritmo sostenido de sintetizador. A la par que recibía una selecta educación le llegaron sus primeros papeles en el cine.
En el séptimo arte ha cosechado un rosario de premios: también el de Cannes en 2009 por su actuación en "El Anticristo". Su faceta musical retomó brillo con "5:55" (2006),  álbum de perfume existencialista que cuenta con el teclado de Jarvis Cocker.
"IRM" (2010) desgrana una sonoridad de densidad cuasi cinematográfica. Precisamente, Charlotte Gainsbourg había vuelto al cine en "I'm not there" (2007), cuya banda sonora recogía además su susurrante "Just like a woman", canción de Bob Dylan.

("Nadie siente algún dolor/Esta noche en que estoy bajo la lluvia/Todo el mundo sabe/Que mi chica lleva un vestido nuevo/Pero he visto hace poco que sus cintas y sus lazos/Se le han caído de los rizos/Sí, aguanta como una mujer/Sí, hace el amor como una mujer/Y suspira como una mujer/Pero se rompe como una niña pequeña")

Steely Dan

Steely Dan - "Do it again"

El dúo formado por Walter Becker (bajo) y Donald Fagen (voz, teclados) presidió el elegante sonido de Steely Dan, que en la década de los setenta representó una sofisticada y brillante combinación de pop, rock y cool-jazz.
Becker y Fagen se conocieron en Nueva York en 1967. Tres años más tarde, la colaboración con Jay & The Americans les sirvió para emplearse en Los Ángeles como escritores de canciones de la compañía ABC/Dunhill.
Aquí conocerían en 1971 a Gary Katz, legendario productor de sus siete primeros álbumes, en los que iría apareciendo la graciosa experimentación armónica y tonal de Steely Dan, servida de manera inmaculada con su trabajo en estudio.
"Rikki don't loose that number" (Pretzel logic, 1974) pertenece al puñado de explosivas canciones legadas por Steely Dan, pero también "Do it again" (Can't buy a thrill, 1972), ejercicio de sabiduría musical en cuya letra discurren violencia, mujeres y dinero.

("De mañana vas a la caza/Del hombre que te robó el agua/Y le disparas hasta quitarle la vida/Pero te atrapan en la frontera/Las plañideras cantan/Mientras te arrastran de los pies/Pero el verdugo no ahorca hoy/ Y te ponen en la calle/Vuelve, Jack, vuelve a hacerlo/La rueda no cesa de girar/Jack, hazlo otra vez")

Harry Nilsson

Harry Nilsson - "I guess the Lord must be in New York City"

Harry Nilsson (Brooklyn, 1941) lleva asociado su nombre a "Without you", la canción que le dio fama y un premio Grammy en 1971, pero cuya autoría correspondía a Pete Ham y Tom Evans, del grupo inglés Badfinger.
Para llegar a este aplauso masivo, Harry Nilsson tuvo que dejar atrás una infancia tormentosa marcada por el abandono del padre, estrecheces económicas familiares y un puesto de trabajo gris como empleado de banco.
En "Pandemonium Shadow Show" (1966), un cuidado primer trabajo discográfico, Harry Nilsson firmó melodías de cabaret, pop chispeante que se ganaría a los Beatles, dosis de florida psicodelia y su característico humor ingenioso .
"Aerial Ballet" (1968) le confirmó como creador genuino y ofreció su primera versión de éxito: "Everybody's talkin'", de Fred Neil. "Harry" (1969) contenía "I guess the Lord must be in NYC", canción folk-rock pensada para la película "Cowboy de medianoche".

("Diré adiós a todas mis penas/Y mañana me pondré en camino/Me parece que el Señor está en la ciudad de Nueva York/Estoy cansado de ir a ninguna parte/De ver que mis oraciones no tienen respuesta/Me parece que el Señor está en Nueva York/Y heme aquí, Señor, llamando a tu puerta trasera/¿No es hermoso estar donde siempre he querido estar?")

Pentangle

Pentangle - "The trees they do grow high"

Pentangle, el grupo folk británico nacido a finales de los sesenta, tuvo entre sus fundadores a John Renbourn y Bert Jansch, dos maestros de la guitarra acústica, a los que el blues, la psicodelia y el jazz también sirvieron de inspiración.
A ellos se añadían en la sección rítmica Danny Thompson (bajo) y Terry Cox (batería). Jacqui McShee aportaba una voz cristalina y resonante. De la combinación de sus talentos resultaron tres primeros álbumes primorosos.
En "The Pentangle" (1968), "Sweet child" (1968) y "Basket of light" (1969) hay temas propios y otros extraídos de la rica tradición folk británica en una atmósfera de ritmo dinámico y melodioso, sostenida por el poder de los sueños.
Pentangle, entonces tan admirados como sus coetáneos Fairport Convention, aún hicieron tres obras notables que iban anunciando veleidades rock. De su segundo disco es "The trees they grow high", canción de origen escocés.

("Los árboles crecen altos/Y las hojas toman color verde/He estado mirando muchas veces a mi amor verdadero/Muchas horas le he visto solo/Es joven/Pero cada día va haciéndose mayor/Padre, querido padre/Me has hecho mucho daño/Me has casado con un muchacho demasiado joven/Mi edad es dos veces doce, pero él sólo tiene catorce años")

Bettye LaVette

Bettye LaVette - "Nights in white satin"

En un terreno abonado por grandes intérpretes, Bettye LaVette fue descuidada por la industria al principio de su carrera. Su estilo, en la tradición soul con raíces en el bues eléctrico, y voz arenosa se han recuperado tardíamente.
Esto ocurrió en 2005, cuando el productor Joe Henry devolvió su nombre, como había hecho antes con Solomon Burke, al favor del público con "I've got my own hell to raise" (2005), un disco de tensión cinemática y larvado ritmo funky.
Nacida en el estado de Michigan en 1942, era adolescente cuando participaba en giras con Otis Redding o Ben E. King. Pudo tocar el éxito con "Child of the seventies" (1972) y la sección rítmica Muscle Shoals, pero ATCO no editó el disco.
Una constante en la discografía de Bettye LaVette es presentar versiones de otros artistas. En el álbum "Interpretations: The British Rock Songbook" (2008) dio dimensiones desconocidas a canciones míticas, entre ellas "Nights in white satin".

("Noches en blanco satén que no tienen fin/Cartas que he escrito sin intención de enviar/Belleza en la que mis ojos no había reparado antes/Qué es la verdad, ya no lo sé/Pero te amo, sí te amo, y no sabes cómo/Miro a la gente, algunos van andando cogidos de la mano/Ellos no entenderían por lo que estoy pasando")

From her to eternity

NICK CAVE (From her to eternity)

Nick Cave, el ilustre artista australiano nacido en 1957, se estrenó en la escena musical liderando el torbellino sonoro de The Birthday Party, que afiliado al post-punk publicaría Junkyard (1981), una última obra todavía abrasiva.
Nick Cave formaría su nueva banda The Bad Seeds en 1984 en compañía de Mick Harvey (batería), Blixa Bargeld (guitarra) y Barry Adamson (bajo), retomando obsesiones góticas en torno a la religión, el sexo, el amor y la muerte.
Nick Cave marchó de Australia en 1980, iniciando un denso periplo vital y artístico en el que las arrebatadas guitarras de los comienzos han perdido filo para que el piano y la orquestación de cuerda adquieran mayor relevancia.
Nick Cave, ya un clásico moderno, ha publicado en 2013 el emocional y cabaretero Push the sky away, pero recordarle en su gloria prístina es volver a From her to eternity (1984), cuando en la canción homónina parecía arrastrarle una locura.

(Quiero hablarte de una chica / Que vive en el apartamento 29 / Es justo el que está por encima del mío / Llora, empieza a llorar / Oigo su andar descalzo sobre el entarimado / En esta noche de soledad / Y la oigo llorar también / Lágrimas ardientes van cayendo salpicándome la cara / Y me llegan hasta la boca/Andar y llorar / ¡De ella a la eternidad!)

Regina Spektor

Regina Spektor - "Blue lips"

La biografía de Regina Spektor explica por qué en su obra hay el fermento de las culturas eslava, judía y norteamericana: nació en Rusia de padres judíos con vocación musical, pero a los diez años se asentó con ellos en el Bronx neoyorkino.
Regina Spektor tuvo una importante formación académica en piano, el contrapunto a su admiración por clásicos como los Beatles, Joni Mitchell o Ani DiFranco. También es apreciable el amor por el jazz en su primer trabajo "11:11" (2001).
Una herencia cultural tan variopinta ha dotado a su obra de muchas ramificaciones. Así, "Soviet kitsch" (2004) sería punk, si no fuera porque la voz nunca deja de ser cálida y graciosamente maleable.
Con el álbum "Begin to hope" (2006), Regina Spektor traspasó la barrera anti-folk en las que estaba principalmente confinada. En "Far" (2006) cede el surrealismo daliniano y aparecen canciones de fuerza pictórica, como "Blue lips".

("Él se topó con la fe y pensó: 'Dios, esto es todo lo que es'/Las imágenes de su mente tomaron forma/Y empezó a respirar/Y todos los dioses y todos los mundos/Comenzaron a colisionar sobre un fondo azul/Labios azules, venas azules/Dio un paso, pero se sintió cansado/Y se dijo:'Descansaré un poco'")

Marty Balin

Marty Balin - "Hearts"

Marty Balin, en labor de compositor, guitarra y voz, fue uno de los motores que en 1965 propició el despegue de aquel aeroplano psicodélico llamado Jefferson Airplane, una de las bandas más carismáticas del sonido de San Francisco.
Marty Balin tenía veintidós años cuando propulsó el nacimiento del grupo para el que escribió canciones irrepetibles, como "Today" y "It's no secret". Antes, su relación con el arte había incluido también dedicación a la escultura y la pintura.
La rivalidad con Grace Slick, la cantante, lo llevó a abandonar la formación en 1971, a la que volvería tres años después, cuando su nombre era Jefferson Starship. Su genialidad volvió a estar presente en álbumes como "Red Octopus" (1975). 
Pero el Marty Balin  que se estrenó en solitario con "Balin" (1981) ya no era un gurú de la psicodelia. Al contrario, sus canciones de rock blando eran aptas para bailar entre luces estroboscópicas. Un ejemplo es "Hearts", su gran éxito.  

("¿Qué tal todo?/Llamaba para decirte/Lo perdido que me siento sin ti/A millas de distancia no puedo creerme lo cerca que estoy/Y lo mucho que me importas/Los corazones se rompen/Y ya no hay remedio/El amor puede desvanecerse/Puede haber llanto en los corazones/Es lo que les pasa/Cuando el amor no dura para siempre")

Patty Griffin

Patty Griffin - "Moses"

Según un modo de vida muy americano, Patty Griffin (Maine, 1964) empezó ganándose la vida de camarera y luego actuando en cafés y bares de Boston, en donde con voz seductora, y guitarra o piano, cautivaba al público.
Cuando Patty Griffin se compró a los dieciséis años una sencilla guitarra plantó la semilla cuyo fruto recogería la compañía A&M tres lustros después. Tras una decena de álbumes, su nombre preside la escena folk-rock.
Patty Griffin ha grabado grandes discos. Uno podría ser "Children running through" (2007), otro "American kid" (2013), con la fiel Emmylou Harris y Robert Plant, respectivamente, como sendos artistas invitados.
En "Living with ghosts" (1996) no hay más instrumentos que su voz y la guitarra acústica, pero fue un singular estreno de estilo neo-folk, con Rickie Lee Jones como gran influencia. "Moses" es declaración apasionada de soledad.  

("Diamantes, rosas, necesito a Moisés/Para cruzar este mar de soledad, separar este mar rojo de dolor/No es que quiera comprar la llave del futuro o de la felicidad/Pero necesito un sitio pequeño bajo el sol o, si no, moriré.../Todos tienen a alguien entre vinos y cervezas/Y yo aquí, en este rincón, soy una figura trágica")

Bryan Ferry

Bryan Ferry - "A hard rain's gonna fall"

Bryan Ferry, de padre minero y formación en Bellas artes, fue fiel al brillo de la lámpara de su genio musical enrolándose como cantante juvenil en bandas del área de New Castle, el preámbulo a una obra pronto admirada.
Bryan Ferry tenía veinticinco años cuando en 1970 abrió las puertas a la celebridad de Roxy Music, la adorable agrupación de art rock que animó la década de los setenta con su osada y vanguardista apuesta estético-musical.
Bryan Ferry, grande incluso para el fastuoso marco de Roxy Music, alternó una obra en solitario tres años después, primero con fantásticas versiones de canciones clásicas, y luego con material propio. Así en "In your mind", de 1977.
"These foolish things", su estreno de 1973, mostró que tenía gas para avivar aún más la llama de canciones esculturales de los Rolling, los Beatles o Bob Dylan. De éste tomó, en una versión muy irreverente, "A hard rain's gonna fall".

("¿Dónde has estado, mi hijo de ojos azules?/¿Dónde has estado, mi querido?/Me he topado con la ladera de doce montañas brumosas/He andado y me he arrastrado por seis carreteras tortuosas/Acabé  en medio de siete lúgubres forestas /Y he estado frente a doce océanos sin vida/Me adentré diez mil millas en un cementerio /Y una lluvia torrencial ha de caer")

Gin Wigmore

Gin Wigmore - "Devil in me"

Gin Wigmore es actualmente una sensación en Nueva Zelanda, su país natal, en donde su escuela musical abraza diversos géneros con fuerza y resultados cada vez más convincentes con cada nueva entrega discográfica.
Curiosamente, Gin Wigmore tuvo su entrada en el mundo de la música popular accidentalmente, después de que su canción "Hallelujah", que compuso a la muerte de su padre, arrollara en un concurso internacional de 2004.
Gin Wigmore posee una voz acrobática de la que se sirve para dar vida a la canción, pero también para expresar su arraigado temperamento artístico. "Extended Play" (2008), muestrario de folk, pop y soul, fue un estreno prometedor.
"Holy smoke (2009), producido por Mike Elizondo, la puso en la estela de Amy Winehouse. "Gravel and wine" (2011), su excelente último trabajo, combina ritmos e historias sin respiro, justo como en "Devil in me".

("Tengo la enfermedad del diablo/Estoy poseída por los celos/Y en mi defensa ante la cárcel/Declaro que él puso el diablo en mí/Cuando dijo que se marchaba/Después de robarme el corazón/Y romperlo en dos/Sabes que el infierno termina conmigo/Yo soy tu boleto a la libertad/No dejes que acabe así/Sin un beso mío")

The Fugees

The Fugees - "Killing me softly"

The Fugees vistieron de gala el hip-hop al terminar encontrando la amalgama fluctuante y melodiosa de rap, soul y reggae que, sin abandonar un tono reivindicativo, traía una visión de modernidad musical entonces inédita .
The Fugees se fundaron en 1992 en torno a Lauryn Hill, la voz y personalidad más destacada de un trio que completaban los raperos Pras de Michel y Wyclef Jean, siendo éste, de origen tahitiano, su otra figura dominante. 
The Fugees publicaron "Blunted on reality" en 1994, pero, a pesar de recibir críticas favorables, este primer trabajo todavía se atiene a un estricto corsé de género, y la música gangsta es altavoz de la vida marginal de los barrios.
En el álbum "The score" (1996), The Fugees se valieron de técnicas de sampler y apuntes de melodías para recrear atmósferas de gran vivacidad urbana y romper moldes. Lauryn Hill interpretaba la celebérrima "Killing me softly".

("Rasgueando con sus dedos en mi dolor/Cantando mi vida con sus palabras/Matándome suavemente con su canción/Contando toda mi vida con sus palabras/Matándome suavemente con su canción/Oí decir que cantaba buenas canciones/Que tenía estilo/Y vine a verlo/A escucharle un rato/Y hele aquí, este joven/Un extraño a mis ojos")

Crying like a baby

JACKSON C. FRANK (Crying like a baby)

Jackson C. Frank sufrió graves quemaduras a los once años en el incendio de su escuela. Las llamas podrían haberse tomado como el mal augurio de que en su vida habría más fuego destructivo que calor protector.
Y, sin embargo, aquella terrible circunstancia dio a Jackson la ocasión de aprender guitarra y recibir una compensación económica que le permitiría en 1965 viajar de Nueva York a Londres, donde triunfaba la escena folk.
Las canciones melodiosas y melancólicas de Jackson C. Frank cautivaron a Paul Simon, entonces residente en la ciudad, que produjo su álbum epónimo, y único, de 1965. En él destacan títulos como 'Blues run the game' y 'Milk and Honey'.
Bien acogido entre la comunidad folk (Sandy Denny, Al Stewart ...), el disco pasó desapercibido, confirmándose que Jackson C. Frank era artista excepcional pero un hombre de infortunio. 'Crying like a baby' apareció después.

(Llorando como niño / En los brazos de mamá / El día que vinieron a decirme / Que te habías ido / Me has hecho algo que nunca antes hiciste / Estabas de pie a mi lado / Yo en el suelo / Hemos cantado en los mismos lugares / Éramos una apuesta segura / Venían a vernos / Lo teníamos todo / Pero te llevaron a un paraje pedregoso)

In the air tonight

PHIL COLLINS (In the air tonight)

Phil Collins, el destacado componente de Genesis, es dueño de cualidades artísticas que hablan de él como habilidoso batería, vocalista y compositor, razón que explica una carrera en solitario que ha contado con abundantes canciones de éxito.

Antes de alistarse a Genesis en 1970, Phil Collins se dio a conocer dos años antes en Freehold, un grupo juvenil de música bailable que mutó a Flaming Youth y le despertaría al campo del rock progresivo en donde se hizo famoso.
Al marcharse Peter Gabriel de Genesis en 1975, Phil Collins adquirió el papel prominente dentro del grupo. A trick of the tail (1976) confirmó plenamente su nuevo papel de líder,  devolviendo al grupo a su senda de deslumbrante fantasía.
Con Face Value (1981), su puesta de largo en solitario, alcanzó categoría de estrella. En él, 'In the air tonight', una canción poderosamente atractiva, más sugerente que oscura, reúne cualidades máximas del artista como percusionista y vocalista.

(Puedo sentirlo en el aire esta noche, Oh Señor / Y he estado esperando este momento toda mi vida,Oh Señor / ¿Puedes sentirlo en el aire esta noche?, Oh Señor / Si me dijeras que estabas ahogándote, no te tendería una mano / He visto tu rostro antes amigo mío, pero no sé si tú sabes quién soy yo / Estaba allí y vi lo que hiciste con mis propios ojos)

Clara Engel

CLARA ENGEL (Blind me)

Clara Engel, artista independiente nacida y radicada en Toronto, va abriéndose paso con lamentos y celebraciones entre la complejidad y riqueza de sus propias visiones, y va entregando una obra de apasionantes revelaciones.
Clara Engels ha publicado desde 2004 varios trabajos, el más reciente The Lovebird's throat (2012), que la sitúan en la vanguardia del folk barroco y su panoplia instrumental: piano, trompeta, guitarra, cello, coros...
Admite influencias de artistas como Antony and The Johnsons o Diamanda Galás, quizá por crear ambientes etéreos y dar vida a figuraciones góticas, pero también del poeta Arthur Rimbaud, por su deseo de registrar lo inefable.
En su voz hay registros y coloraturas para una ópera moderna de belcanto, pero Clara Engel no busca manifestar perfección sino las profundidades de su propio mundo de gozos y sombras. 'Blind me' pertenece a Secret Beast (2009).

(Ciégame a lo que me ha seducido / Sosténme mientras remiten los temblores / Hasta que estas iluminaciones pasen / Hasta que se consuma este brillante ónice / Hasta cegarme / Ciégame con lo que me ha seducido / Hazme insensible a lo que he tocado / Sé que tengo aquello que quería / Pero no sabía que había pedido tanto)

Baker Street

Gerry Rafferty (Baker Street)

Gerry Rafferty dio a conocer su nombre mundialmente con una canción generacional cuya excelencia la ha convertido en clásica y que hace del sentimiento corrosivo de la nostalgia y de la necesidad de enfrentarla su tema.
Antes de lanzarse definitivamente a una carrera en solitario, Gerry Rafferty había compartido con Joe Egan un pop festivo y amable en Stealers Wheels (1973-1975) en dos sólidos discos y una canción de fama: 'Stuck in the middle with you'.
Como todos los grandes, Gerry Rafferty tenía algo exclusivamente suyo por delante. Así Night Owl (1979) y Snakes and ladders (1980) son discos repletos de consumadas melodías, suave calidez y letra cargadas de emociones difusas.
Pero el disco que lo encumbró fue City to city, de 1978, en donde aparece la entrañable 'Baker Street', de cuyo encanto también es responsable el saxofonista Raphael Ravenscroft con su majestuosa exhibición en varios solos.

(Callejeando por Baker Street / Hay luz en tu cabeza y hay muerte en tus pies / Y, bien, otro día alocado más/Intentarás pasártelo bien toda la noche / Y olvidarte de todo / Esta ciudad-desierto te hace sentir desamparado / Está llena de gente, pero no hay alma en ella... / Pensabas que era muy fácil / Decías que era muy fácil / Todavía sigues intentándolo... / Un año más y llegará la felicidad / Pero ahora estás llorando)

Primal Scream

Primal Scream - "Some velvet morning"

Primal Scream, el grupo que en 1984 fundó Bobbie Gillespie, antiguo batería de Jesus and Mary Chain, ha construido una obra zigzagueante entre el rock duro y desaliñado, sonidos de sintetizador, música de baile y pop californiano.
En la formación de Primal Scream participó Jim Beattie, que compartió estudios escolares en Glasgow y devoción por la Velvet Underground y los Byrds. En la primera hora también estuvo el guitarrista Andrew Innes, formado en el punk.
Los cambios de orientación se reflejan ya en "Sonic Flower Groove" (1987), pop tintineante, y "Primal Scream" (1989), rock duro. Pero "Screamadelica" (1991), fusión de música electrónica y de baile, es un disco muy influyente y valorado.
Primal Scream incluyó en el álbum "Evil Heat" (2002) la canción "Some Velvet Morning", con participación de Kate Moss. Escrita por Lee Hazlewood en 1967, y de letra oscura y connotación sexual, ha tenido numerosas versiones.

("En una mañana aterciopelada/Cuando esté en condiciones/Abriré tu verja de par en par.../Las flores crecen en la loma/Libélulas y narcisos aprenden de nosotros/Puedes mirar, pero no tocar/Mi nombre es Fedra.../Flores son las cosas que hacemos crecer/Secretos son las cosas que conocemos/Voy a abrir tu verja de par en par")

Kasabian

Kasabian - "Lost Souls Forever"

Kasabian, el grupo de Leicester formado en 1999 en torno a su primer guitarra Karl Karloff, ha resultado ser una apuesta musical explosiva, con filiaciones que van de The Stone Roses a Primal Scream, y pasan por Oasis.
Esas influencias apuntan a su virtuosismo para crear canciones contagiosas, de un rock electrónico cuyo ritmo envolvente y atmósferas neo-psicodélicas han arrastrado desde el principio a un público masivo e incondicional.
Kasabian, nombre tomado de una de las chicas de la familia Manson, lleva publicado cuatro trabajos. Actualmente lo forman Sergio Pizzorno (composición, guitarra), Chris Edwards (bajo), Ian Matthews (batería) y el cantante Tom Meighan.
Para su primer álbum, "Kasabian" (2004), la banda se aisló en una granja de alrededores idílicos que parece haberles dado energía voltaica. Varios de los singles extraídos les pusieron en la senda del éxito. Uno de ellos fue "Lost Souls Forever".

("Estoy en ello, métete en ello/Las tropas están que arden/Bien sabes que lo necesito mucho más cerca/Sigo dando unas pisadas más/Tengo que alcanzar el estado electrónico/Las tropas están ardiendo/Soy mucho más profundo, un soñador/Que espera hacer el viaje final")

Sonja Kristina

Sonja Kristina - "Colder than a rose"

Sonja Kristina daba a los diecinueve años su gran salto artístico participando en 1968 en el musical "Hair", pero cuatro años antes su nombre figuraba ya en los carteles del Troubadour, entonces reputado club londinense de folk.
En 1970 Sonja Kristina se unió a Curved Air, la banda británica de rock progresivo que, fusionando clasicismo y folk-rock, publicó, entre otros, dos álbumes sobresalientes: "Air Conditioning" (1970) y "Phantasmagoria" (1972).
Atractiva y emotiva, Sonja Kristina terminó la etapa de Curved Air en 1977. Con ayuda de Nigel Gray, productor de Police, debutó en solitario en 1980 con un disco epónimo que es reflejo de transformación personal y musical.
Sonja Kristina abandonó la escena temporalmente, volviendo con "Songs from the Acid folk" (1991), un álbum mayormente acústico, en donde canciones como "Colder than a rose" la muestran entregada a sentimientos poderosos.

("No sé cómo he podido vivir sin ti/Más fría que una rosa en la nieve/No sé cómo me he arreglado para vivir sin ti/No podía imaginar que estaba helándome por dentro/Tiritaba, y tenía miedo a crecer/Nada podía esperar sin ti/No podía imaginarme/Sin ayuda, sola, me encontraste más fría que una rosa en la nieve/Y, solo, tú cambiaste la estación")

Billy Roberts

Billy Roberts - "Hey Joe"

Billy Roberts, quizá un desconocido entre una mayoría de aficionados a la música rock de los sesenta, fue sin embargo el autor de una canción que muchos artistas de la época hubieran soñado con tener en su repertorio.
Billy Roberts nació en 1936 en Carolina del Sur, la tierra de donde procede la música de playa y la de los espirituales negros. Dicen que fue Sonny Terry quien le ayudó a tocar la guitarra de 12 cuerdas y la armónica con sonido blues.
Estuvo en Greenwich Village y en San Francisco en los años en que eran faros de la cultura norteamericana. Se relacionó con la élite artística de la Bahía y en 1965 ya contaba con "Hey Joe", la canción que quiso apropiarse Dino Valenti.
La historia de "Hey Joe" embruja por su contenido y su guitarra tremendistas. Pero Billy Roberts sólo vio el alcance de su éxito cuando otros, especialmente Jimi Hendrix, hicieron ardorosas versiones de este drama pasional. 

("Eh, Joe, ¿a dónde vas con esa pistola en la mano?/Voy a disparar a la mujer mía/La he sorprendido liada con otro hombre/Sí, voy a disparar a mi mujer, porque la he sorprendido liada con otro hombre/Y no es nada gracioso/Eh, Joe, he oído que has matado a tu mujer/He oído que la has disparado sin piedad.../Y ahora, ¿a dónde piensas ir?")

Richard & Linda Thompson

Linda & Richard Thompson - "Dimming of the Day"

Cuando Richard Thompson abandonó Fairport Convention en 1972, emprendió seguidamente una nueva aventura artística con la cantante Linda Peters, a la que había conocido años antes en el circuito folk de los clubes londinenses.
El dúo ofreció durante casi una década una serie de distinguidos álbumes de folk-rock en los que estuvieron presentes los vaivenes de su evolución como pareja, además de una búsqueda personal que incluso los llevó a abrazar el sufismo.
Su primer disco "I want to see the bright lights again" (1974) es ya la suma perfecta de dos grandiosos artistas, el uno a la composición y guitarra, la otra como vocalista, y el resultado es una obra de inquieta reflexión y de exquisita belleza.
Richard & Linda Thompson publicaron después "Pour down like silver" (1975), en donde su conversión islámica exacerba el lirismo de sus sensibilidades románticas y produce canciones como la sensacional "Dimming of the Day".

("Oigo como esta vieja casa se desmorona/Me ahogo en el río de mis lágrimas/Cuando no me quede voluntad, ayúdame a no desorientarme/Te necesito al oscurecer el día/Me atraes como la luna atrae la marea/Conoces lo mejor de mí/Llegan los días de separarnos/Del corazón roto o las promesas incumplidas")

Julia Holter

Julia Holter - "In the same room"

Julia Holter, nacida en Los Ángeles en 1984, encontró en un padre músico y una madre profesora universitaria el estímulo que la llevó a formarse en la selecta CalArts, la Universidad californiana orientada a la creatividad artística interdisciplinar.
A partir de 2008, Julia Holter comenzó a colaborar con diversos artistas a los que aportó composiciones propias sustentadas en sus recursos como multi-instrumentista, categorizados dentro de la música indie y la electrónica.
Julia Holter, que también colaboró en 2009 con Linda Perhacs, antiguo icono del folk minimalista y psicodélico, es una creadora poco convencional como muestra su primera obra "Tragedy" (2011), inpirada en el teatro clásico de Eurípides.
Esas mismas atmósferas indescifrables y fuertemente experimentales, animadas de sintetizadores, drones y voces feéricas, se encuentran ampliadas en el muy valorado "Ekstasis" (2012), en donde aparece la canción "In the same room".

("En esta precisa habitación/Pasamos el día y miramos antigüedades/¿Te acuerdas?/(No puedo recordar este rostro, pero quisiera, quisiera)/En este mismo cuarto, (no puedo recordar tu rostro)/Hicimos una travesía volando, (pero espero que el barco nos lleve)/En el barco Saturnia/¿Te acuerdas?").../No recuerdo cuándo/Aunque espero que nos encontremos nuevamente/En la misma habitación")

Hairshirt fracture

JIM CARROLL (Hairshirt fracture)

Jim Carroll nació en Nueva York en el seno de una familia trabajadora de ascendencia irlandesa, pero era un chico listo y una beca le permitió escapar a su condición de avispado buscavidas en el laberinto de la gran metrópolis.
Jim Carroll ejerció de poeta callejero y ángel caído en duras experiencias de heroinómano, sin saber que The Basketball diaries, el diario que comenzó con trece años, le daría celebridad y Leonardo Di Caprio llevaría al cine en 1995.
Animado por el éxito del estreno discográfico de Patti Smith, marchó aquel año de 1978 a California, donde formó The Jim Carroll Band. De Catholic Boy (1980) destaca 'People who died', que condensa el arrebatado lirismo punk del artista.
Jim Carroll publicó Dry dreams (1982) y I write your names (1983) antes de volver a su oficio de escritor. Con Pools of Mercury (1998) regresó el músico que en 'Hairshirt fracture' rebusca entre desperdicios palabras para un poema.

(Es la hora del camión de la basura, estoy durmiéndome en la ducha / Me siento como quien espera un tren / De los sonidos desde la cama, creo que alguien ha tenido una pelea / Alguien se está controlando en la discusión / No necesito nada, sólo el fulgor de algo / Y que luego disminuya / Tú no tienes más necesidades que yo / Podrías vivir debajo del rellano de la escalera)

L. A. Freeway

GUY CLARK (L. A. Freeway)

Guy Clark, el artista tejano nacido en 1941, es autor de canciones inmarchitables, construidas emotivamente en torno a personajes fronterizos y a la búsqueda de una tierra de promisión cuyo punto de partida lo ofrece el tren o la autopista.
El mismo Guy Clark tipifica un trasiego que él empezó en Monahans, pueblo de su infancia y del hotel de su abuela, lugar de paso de seres indómitos que desde el recuerdo propiciaron composiciones con eco en otros artistas. 
Así, 'Desperados waiting for a train' recibió multitud de versiones, entre ellas la de Johnny Cash y la de Rodney Crowell. También es conocida 'Broken hearted people"' o como la soledad encuentra compañía en bares y botellas de alcohol. 
En Old No. 1 (1975), su glorioso estreno, Guy Clark se rodeó de grandes músicos y de la voz cristalina de Emmylou Harris. 'L. A. Freeway' presenta a un ser anónimo determinado en escribir su propio destino. 

(Pon todos los platos en cajas / Toma nota de todos los buenos deseos / Despídete por mí del propietario / El muy sinvergüenza siempre me ha aburrido / Tira los periódicos / Y esa caja mohosa de galletas... / Si logro salir de esta autopista de Los Ángeles / Sin que me maten o me detengan / Me plantaría en esa carretera polvorienta / Hacia una tierra por descubrir)

One of these days

MATTHEW E. WHITE (One of these days)

Mathew E. White ha empezado fuerte su andadura artística con la publicación en 2012 de Big Inner,  álbum salido de su Spacebomb, un sello discográfico que además alberga a músicos y colaboradores fijos.
Nacido en una familia de misioneros cristianos, Mathew E. White se ha formado como productor y arreglista musical dentro de una tradición que tiene sus raíces en el soul blanco encarnado por artistas como Carole King o Laura Nyro.
Matthew E. White deja ver en Big Inner una paleta musical rica y diversa, con presencia constante de secciones de viento, de cuerda y coros, que recuerda la mejor tradición del sonido rythm & blues con base en Nueva Orleáns.
Matthew E. White reconoce en Big inner influencias de Jorge Ben (samba-rock), Washington Phillips (gospel) y Jimmy Cliff, disueltas en un entramado orquestal que, como en 'One of these days', a veces evoca las fases de una tormenta.

(Sé que no puedes evitar que tu sonrisa sea la más esplendorosa / Se hace difícil mirar a otro lado / Tus ojos hacen de la paz un río / Y tus ojos hacen del amor un océano / No puedo apartarlos de los míos / Tú me das felicidad como una fuente enraizada en mi corazón / En un día cualquiera... No creas que morirás con el aspecto de ahora / Todos desapareceremos...)

Gillian Welch

Gillian Welch - "The devil had a hold on me"

Gillian Welch (Nueva York, 1967), adoptada por padres escritores de comedia, pasó sus años escolares en California, donde escuchó cautivada el bluegrass tradicional de Los Stanley Brothers o el folk antiguo y puro de The Carter Family.
Esa música tenía sus fuentes en el folk de las montañas de los Apalaches o en las baladas y canciones del mundo rural y sus tradiciones, a las que daban fuerza las bandas de cuerda locales en acontecimientos y días festivos.
Sonidos e historias que empujaron a Gillian Welch y a su compañero de estudios David Rawlings (compositor, guitarra, bajo) hasta Nashville, donde T-Bone Burnett fue productor de su primer disco: "Revival" (1996), saludado por la crítica.
En sucesivos álbumes Gillian Welch ha reverdecido con sensibilidad moderna un folklore con origen en tiempos difíciles. "Hell among the Yearlings" (1998) presenta obsesivamente un tema oscuro en "The devil had a hold of me".

("Yo era una niña de dos años/Con un corazón de oro y zapatos abotonados/Cuando el diablo se adueñó de mí/Giré la cabeza y pude verle/El diablo se adueñó de mí/Había algo reprobable en el hijo del carnicero/Le temblaban la mano y la voz")

Gene Clark

Gene Clark - "Some misunderstanding"

Gene Clark fue uno de los grandes héroes del folk-rock americano de los sesenta, pero su popularidad no le impidió realizar después una obra introspectiva e íntima cuya belleza es más visible cuanto más se ahonda en ella. 
El genio de Gene Clark tomó altura en 1964, cuando junto a Roger MacGuinn dio vida a los míticos The Byrds. De su pluma salieron canciones como "Feel a whole lot better" o "Eight miles high", emblemáticas en el repertorio del grupo.
En 1966 dejó a los Byrds para colaborar primero con los Gosdin Brothers (1966) y con Doug Dillard después (1968). Fruto de esa colaboración son discos inmaculados de orientación country y bluegrass respectivamente. 
Pero luego llegó su trilogía de obras de autor de culto: "White light" (1971), "Roadmaster" (1972) y "No Other" (1974). Álbumes que esconden canciones de deslumbrante hermosura. "Some misundestanding" aparece en el último.

("Ha habido un malentendido/Y me gustaría aclararlo/Los dos necesitamos inspiración/Y el momento ha de ser el apropiado/Todos tenemos un alma, pero nadie sabe/Que volar lleva mucho tiempo/Sin embargo, veo la vida ante mí/Y me gustaría intentarlo/Quizá alguien sepa qué es el destino/Quizá alguien sepa el porqué")

Counting Crows

Counting Crows - "Americans girls"

Counting Crows evidenció en su primer álbum "August and everything after" (1993) que su apuesta artística entroncaba en la herencia musical de las grandes bandas clásicas del rock & roll de los setenta.
Siendo todavía desconocidos, Van Morrison o Robbie Robertson ya advirtieron en el grupo a siete músicos capaces de embelesar con hermosas baladas, preciosas armonías y el dominio orquestal de una gran variedad de instrumentos.
Adam Duritz, su cantante y compositor principal, ejerce el liderazgo desde una voz sobresaliente y canciones de letras apasionadas y poéticas, bien reflejado en "Mr. Jones", que aquel año fue favorita de las radios.
Counting Crows consolidaron su brillante renovación del rock clásico en discos como "This desert life" (1999) o "Hard Candy" (2002), obra artesanal y fogosa que ofrece "American girls", una canción a los lazos tortuosos del deseo.

("Ella no deja de salir cada viernes/Y algo le hace destacar/Yo podría ser cualquiera de los que ha mirado/Espera otra semana para dejarse caer/Apenas puede afrontar otro día/Espero que no sea por mí/.../Hay algo muy frágil bajo su piel/Las chicas americanas son volubles y tormentosas...")

Cornershop

Cornershop - "Good to be on the road back home again"
Cornershop, la banda nacida en Leicester con músicos de nombres e instrumentos indios, ha logrado fusionar de manera original e innovadora elementos de la música de India con el pop y el rock indie de los noventa.
Tjinder Singh (guitarra, dholki) y Ben Ayres (guitarra, teclado, tamboura) son las figuras en torno a las cuales Cornershop surgió en 1991. Tachados de amateurismo y radicalismo político, los comienzos no fueron fáciles.
Con Anthony Saffery (sitar, armonio) y Nick Simms (batería) en la formación, "Woman's gotta have it" (1995) impactó como resultado del sorprendente collage de sonidos y ritmos asiáticos con pop británico.
El álbum "When I was born for the 7th time" (1997) representa el cénit de una fórmula musical que llega a ser funky e hipnótica. Paula Frazer, voz en "Good to be on the road back home again", colabora en un disco poco corriente.

("Y cuando ella llegue a casa/Se dará cuenta de que he me he marchado/Estaré sentado y bebiendo en cualquier bar/Bebiendo por mis amigos/Y mis enemigos/Pues unos y otros siguen con corazón joven/Es bueno volver al camino/De donde desplegó velas mi corazón/Y plantar el áncora/Por los amigos y una buena cerveza/Tomaré otra/Y luego continuaré el camino")

Maureen Tucker

Maureen Tucker - "Pale Blue Eyes"

En 1966 no era habitual que una mujer tocara la batería en una banda de rock. Maureen Tucker lo hacía en la mismísima Velvet Underground de Lou Reed y John Cale. A su manera: sin platillos y usando mazos en lugar de baquetas.
Maureen Tucker había nacido en 1944 en el estado de Nueva York. Su afición por la percusión musical se despertó unos años antes de que Sterling Morrison, el bajo de la Velvet, la propusiera para aquel grupo inmortal.
Maureen no deslumbraba a la batería, pero aportaba una sonoridad segura y decadente que podía llegar a ser electrizante. La vida familiar la apartó del grupo en 1970. Y su oficio fue ser madre en ambientes de clase trabajadora.
Tras algunas colaboraciones en los ochenta con Half Japanese, grupo de punk rock, Maureen Tucker publicó "Life in exile after abdication" (1986), en donde reaparece envuelto en aire traslúcido "Pale Blue eyes", el clásico de Lou Reed.

("A veces me siento muy feliz/Y a veces muy triste.../Pero muchas más me sacas de quicio/Cariño, me vuelves loco/No te vayas, mi chica de ojos azul-pálido.../Te tomé como la cima de una montaña/Creí que eras la cumbre/Para mí eras todo/Todo lo que he tenido sin poder guardar/Quédate, chica de ojos azul-pálido")

Talk Talk

Talk Talk - "It's my life"

Talk Talk, el grupo fundado en 1981 por Mark Hollis, evidenció en sus orígenes la sombra neo-romántica de Duran Duran, pero después anticipó el rock alternativo de los noventa liberando su música de filiaciones y modelos.
En 1977, Mark Hollis, compositor y voz, asistido por su hermano Ed, disc-jockey y productor, había formado The Reaction, de donde dio el salto a Talk Talk y su primer álbum "The Paty's over" (1982), reflejo de pop animado por sintetizador.
A partir de "Colour of the Spring" (1986), el grupo abre un camino de experimentación que desemboca en las densas atmósferas de "The Laughing Stock" (1991), un trabajo de exploración e indefinible belleza muy aplaudido por la crítica.
Talk Talk ya lo integran en su segundo disco, It's my life" (1982), junto a M. Hollis el bajista Paul Webb, el batería Lee Harris y el multi-instrumentista Tim Friese-Greene. La canción que le daba título tuvo un gran éxito comercial.

("Es curiosa la forma en que me he enamorado de ti/No acierto a explicarlo/Algo de ti no me basta/Y no sé si te lo tomas en serio/Es mi vida, no lo olvides/Curioso que no quiera ver/Nunca creí que fueran a jugar conmigo/El temor a perderte me dice que estaría bien/Si me dieras seguridades")

Ronnie Lane

Ronnie Lane - "Annie"

Ronnie Lane fue el geniecillo querido y admirado que dio vida a grupos extraordinarios como The Small Faces, The Faces y The Slim Chance, en los que brilló con sensibilidad artística fuera de lo común.
Con Steve Marriott (vocalista y guitarra), Ronnie Lane puso el bajo para liderar The Small Faces, el grupo creador de "Ogden's Nut Gone Flake" (1968), uno de los álbumes más celebrados de la psicodelia británica de finales de los sesenta.
Acompañado de Ron Wood y Rod Stewart, Ronnie Lane estuvo al comienzo de los setenta en The Faces, una banda de festivo rock & roll, cuyos potentes discos exaltan la vida desenfadada entre amigos y una cerveza.
Pero Ronnie Lane también aireó su alma de trovador errante en Slim Chance, el proyecto de 1974 que incluía caravana y actuaciones en improvisados circos. De esa atmósfera cambiante y provisional surgieron canciones como "Annie".

("Los viejos robles se yerguen altos, Annie/Y ven cómo el mundo se empequeñece, Annie/Pero cuando caigan, Annie/¿Dónde estaremos nosotros?/El invierno ha llegado, Annie/El sol no tiene fuerza, Annie/Y cuando se haya ido, Annie/¿Dónde estaremos nosotros?")

Mark Fry

Mark Fry - "The Witch"

Mark Fry es de las personas cuyo espíritu artístico se conecta con la vida y su inagotable flujo de impresiones, y ello les convierte en viajeros itinerantes de un mundo que les regala belleza en cada uno de sus rincones.
Mark Fry, el inglés que llegó a Italia en 1970 para seguir cursos de pintura en Florencia, era también un joven músico fuertemente influenciado por el folk progresivo británico, el que hacía entonces Donovan o la Incredible String Band.
Fue allí donde conoció al productor discográfico de un pequeño sello italiano, en donde grabó las composiciones incluidas en "Dreaming with Alice" (1971), un álbum de folk ácido cuya fuerza magnética se mantiene a través de los años.
Mark Fry rodeó aquel álbum de ensoñación poética, sirviéndose de instrumentos como el laúd o el sitar y de temas en torno a los viajes de conocimiento, el misterio o los sueños. "The witch" destaca entre sus canciones.

("La bruja me mira a través de la ventana/Dejando su frío aliento en el cristal/La bruja come sandías y va ordenado las pepitas/Yo estoy solo/Esperando la llegada de alguien a casa/La bruja está entrando por la ventana/Lleva nieve invernal en el pelo/Las cortinas se mueven con el viento")

Caitlin Rose

Caitlin Rose - "No one to call"

Caitlin Rose procede de Nashville, la capital del country-rock americano, y quizá por ello, aunque sólo con veintiséis años, ya ha dado atractivas muestras de pertenecer a una herencia musical de alta escuela.
Los especialistas han reconocido en esa herencia influencias de Bonnie Raitt, Linda Rondstadt o Loretta Lynn, un magnífico elogio para una artista que sólo lleva publicados tres álbumes hasta la fecha.
Caitlin Rose se estrenó en el mercado discográfico con "Dead Flowers" (2008), mini-LP de rock alternativo y sabor country, al que siguió "Own side now" (2010), en donde firma siete de las diez canciones y desvela afinidades pop.
Caitlin Rose decididamente ha renovado el clasicismo de sus orígenes con "The Stand-in" (2013), en el que la escala de su música y sus recursos como intérprete se amplían al rock. "No one to call" abre el disco.

("Estoy llamando a cualquier línea abierta/Siempre circulan interferencias por las ondas/Hace mucho tiempo que cerró mi radio favorita/Ahora no encuentro los sonidos que busco/¿La línea está abierta?/¿Sonará esa canción? ¿De verdad la van a radiar?/Porque no tengo a nadie a quien llamar")

Peter Green

Peter Green - "Black magic woman"

Peter Green llevaba dentro de sí cadencias dolientes y veraces que supo transformar en recordadas canciones gracias al poder melódico de su guitarra, que utilizaba con gran efecto y dulzura, y a una voz nacida para el blues.
Peter Green (Londres, 1946) dejó una primera impronta de genialidad a través de su colaboración con el John Mayall de los Bluesbreakers, de la que resultó "A hard road" (1966), un álbum de referencia del blues inglés de la época.
Cuando en 1967 entró a formar parte de Fleetwood Mac, Peter Green fue un líder indiscutible, y bajo su inspiración e influencia el grupo publicó discos muy valorados de blues rock, y desde luego el formidable "Then Play on" (1969).
Esta gran etapa artística terminaría en 1970 debido a fantasmas ingobernables que el LSD le despertó, pero en el camino había dejado la evocadora "Black Magic Woman", de la que Santana haría una afortunada versión. 

("Tengo una mujer que hace magia negra/Sí, tengo una mujer que hace magia negra/Me ha dejado ciego y no puedo ver/Pero ella es una mujer de magia negra/E intenta hacer un diablo de mí No me des la espalda/... Me has embrujado/Estás haciendo una piedra de mi corazón/Pero te amo, mujer de magia")

Don't be cruel

ANNETTE PEACOCK (Don't be cruel)

Annette Peacock ha construido una obra idiosincrásica, de pasión y búsqueda, que, si personalmente la llevó al zen y al LSD terapéutico de Timothy Leary, pronto la hizo involucrarse  en la improvisación del free jazz de los sesenta.
Alejada de gustos mayoritarios y sedienta de innovación, Annette Peacok fue pionera en el uso del sintetizador de Robert Moog, que utilizó en un primer trabajo conjunto con el pianista Paul Bley (Bley/Peacok synthesizer show, 1971).
El álbum "I'm the one" (1972), fusión de jazz y vanguardismo musical fue un primer trabajo de madurez artística, al que siguieron otros de fuerte experimentación electrónica (Dual Unity e Improvise) en 1973.
Annete Peacock publicó el extraordinario X-Dreams en 1974, en donde las guitarras de Mick Ronson y Chris Spedding la acompañan para ofrecer un manual de liberación emocional. "Don't be cruel" fue su versión del clásico de Otis Blackwell.

(Bien sabes que puedes encontrarme / Sentada en casa y completamente sola / Si no vienes a verme / Llámame por teléfono al menos / No seas cruel con un corazón sincero / Si estás enojado/Por algo que haya podido decir / Olvídalo, por favor, es el pasado / El futuro resplandece ante nosotros / No seas cruel con un corazón sincero)

Andrew Bird

Andrew Bird - "Near death experience"

Andrew Bird, nacido en Chicago en 1976, es un creador infatigable y autor de una obra que empezó a finales de los noventa recuperando estilos de épocas pasadas para luego adentrarse en la orquestación de sonido denso y efectista.
Sus primeros trabajos se volcaron en su grupo Bowl of Fire, el cuarteto con el que rindió tributo a viejas tradiciones, como el ragtime de Nueva Orleans ("Thrills", 1998) o el jazz nostálgico de posguerra ("Oh, The Grandeur", 1999).
Andrew Bird, virtuoso violinista, despertó a sonidos contemporáneos con "Weather systems" (2003), pop majestuoso inspirado en el clasicismo musical que alcanza efectos grandiosamente cinemáticos en "Armchair Apocrypha" (2007).
Lo último de Andrew Bird es "Break it yourself" (2012), un álbum salido de territorio indie para ofrecer nuevas facetas de relajada belleza. "Near death experience" agradece a la vida la superación de la enfermedad.

("Tú eras como los caramelos toffee/Entre los dientes de una gatita/Construías áridos refugios con palos y hojas/Y pasabas dentro todo el día/Eras como el cobre/Que se pliega pero es fuerte/Sonreías y asentías diciendo 'tienes razón', para ser educada/Aun sabiendo que todos están equivocados")

Peace train

CAT STEVENS (Peace train)

Cat Stevens figuró entre la realeza del folk-rolk británico de la década de los setenta, y su virtud fue conseguirlo con una obra que, comprometida con la búsqueda romántica de la verdad, terminaba dando canciones de llamativa frescura.
Nacido en Londres en 1948, de sangre griega por parte de padre, Cat Stevens vio cómo el éxito le llegaba tempranamente en 1967 con 'I love my dog', canción que apareció en Mathew & son, su primer álbum.
Fue el anticipo de lo que entre 1970 y 1978 se convirtió en una sucesión de aciertos artísticos, con títulos sonados como Tea for the Tillerman (1970) o Buddha and the chocolate box (1974), ambos producidos por Paul Samwell-Smith.
La experiencia de casi ahogarse en las playas de Malibú en 1976 lo apartó de la música y lo convirtió al Islam. Pero antes, en su obra cumbre Teaser and the Firecat (1971), Cat Stevens había dejado una  añoranza de paz en 'Peace train'.

(Me he sentido feliz últimamente / Pensando en que se anuncian buenos tiempos / Y pudiera ser que algo bueno ha empezado / Y no dejo de sonreír últimamente / Soñando en que el mundo sea uno / Y me parece que algo bueno está a punto de llegar

The Neville Brothers

The Neville Brothers - "Voodoo"

The Neville Brothers, el nombre artístico de cuatro hermanos de Nueva Orleáns nacidos para oficiar de músicos -Art, Aaron, Charles y Cyril-, han creado una obra en la que el rythm & blues y el funk se mezclan como la pólvora.
Los hermanos Neville, convertidos en una potente sección rítmica en la producciones del mago Allen Toussaint en los sesenta, se reconvirtieron en The Meters, y con este nombre publicaron su primer disco en 1969.
En 1978 renacerían como The Neville Brothers y, aunque "Fiyou on the Bayou" ya es un álbum excelente, fue "Yellow Moon" (1986) el que, producido por Daniel Lanois, les dio el estatus de estrellas del rock.
Aquel disco exhibía una vez más el trémolo único de la voz de Aaron Neville, y también el facundo saxo de Charles Neville. De un ritmo infatigable y sincopado surge "Voodoo", o cuando el amor es pasión ciega e inexplicable.

("Oh, tú has tenido que haber hecho vudú conmigo/Seguro que has utilizado un sortilegio/De la manera que te amo/No hay palabras que puedan explicarlo/Oh, tú has tenido que haber encendido velas/Para que tu amor sea tan fuerte/Seguro que has espolvoreado mi cama/Tienes que tener el hueso de un gato negro")

Jerry Jeff Walker

Jerry Jeff Walker - "Mr. Bojangles"

Jerry Jeff Walker siempre quiso ser un simple cantautor con raíces gitanas. Aunque de Nueva York, fue en Tejas donde desarrolló una carrera artística que puso su nombre a la altura de ilustres como Willie Nelson o Townes van Zandt.
En 1967, aún en Greenwich Village, militó en Circus Maximus, interesante grupo de country psicodélico. Cuando se asentó en Austin en 1970, forajidos y seres marginales poblaron su música.
En su dilatada carrera, Jerry Jeff Walker ha publicado grandes álbumes de country tejano entre los que podrían destacarse "Jerry Jeff Walker" (1972) y "Viva Terlingua" (1973), ambos con músicos de The Lost Gonzo Band.
Sin embargo, Jerry Jeff Walker debe su gloria a "Mr. Bojangles", canción de la que incluso Bob Dylan hizo una versión. Compuesta en 1968, cuenta el encuentro del artista con un bailarín de feria en horas bajas.

("Conocí a un hombre que se llamaba Bojangles/Bailaba para la gente/Con su calzado desgastado/Tenía pelo blanco, una camisa raída/Pantalones abombados y viejos zapatos de baile/Daba grandes saltos/Pero caía con suavidad en el suelo/Mr. Bojangles, ¡Baila!")

Winter

TORI AMOS (Winter)

Tori Amos es dueña de una obra temáticamente diversa, siempre original y algo oscura, y de una impactante fuerza interpretativa que sirve de hilo a dos décadas de vida artística en donde hay abundantes referencias autobiográficas.
Tori Amos destacó de niña en el coro de la iglesia metodista de su padre, de donde salió con una beca para aprender canto y piano, pero el rock se cruzó en su camino siendo quinceañera, y ello la condujo de Baltimore a Los Ángeles.
Tori Amos recuerda con su embrujo gestual y recursos escénicos a Kate Bush, a Joni Mitchell por la franqueza de sus confesiones. Pero cuando la compañía Atlantic la fichó en 1987 ella no quería parecerse a nadie.
En Little earthquakes (1992) entregó al público el genio dramático de su voz y piano, y una sinfonía de oboes, mandolinas y violines para dar cuenta de fuertes experiencias. 'Winter' se distingue en un álbum esencial.

(La nieve puede esperar/Olvidé las manoplas / Me he puesto botas nuevas / Mi corazón abriga un calor tibio / Cuando pienso en el invierno / He metido la mano en el guante de mi padre / Salgo corriendo / Donde se acumulan montones de nieve / La bella durmiente me sale al paso con el ceño fruncido / Una voz me dice: Tienes que aprender a valerte por ti misma)

Uncle Albert

PAUL McCARTNEY (Uncle Albert)

La noticia de la ruptura de los Beatles en 1970 encogió a corazones de medio mundo. Habían dado por terminada la época de mayor creatividad conocida en la música popular, abriendo otra de interesantes proyectos individuales.
John Lennon se fue a vivir a Nueva York. Paul McCartney optó por el destino bucólico y apartado de una granja escocesa, para así poder vivir la vida familiar, que nunca tuvo como Beatle, en la soledad de las tierras altas.
En un escenario de páramos, alguna granja y el mar cercano, ayudado de Linda y oficiando de dedicado padre, Paul McCartney grabó en su propia casa dos álbumes muy peculiares. El primero fue McCartney (1970).
Allí todo lo hacía él (composición, producción, instrumentos). Y en Ram (1971), de fulgurante sencillez, lo acompañan algunos amigos. Aquí 'Uncle Albert' es un canto íntimo y melódico a lo pequeño y cotidiano.

(Lo sentimos, tío Albert/Disculpa si te hemos causado molestias / Lo sentimos, tío Albert / Pero no hay nadie en casa / Y creo que va a llover / Disculpa, pero no hemos oído nada en todo el día / Si pasara algo, te llamaríamos... / En todo el día no hemos podido hacer nada... / La tetera está en el fuego, pero tenemos que irnos enseguida)

Fine Young Cannibals

Fine Young Cannibals - "Suspicious Minds"

Tras la disolución del grupo británico The Beat en 1983, dos de sus miembros, el guitarra David Cox y el bajo David Steele, continuaron su carrera artística con la formación de Fine Young Cannibal un año después.
Fine Young Cannibals se engrandeció con el cantante Roland Gift, que antes también había tocado el saxo y trabajado en el teatro. El grupo se aventuró en un proyecto musical principalmente pop, pero bañado de soul.
El disco epónimo, publicado en 1985, mostraba reminiscencias ska, como en la lograda "Johnny come home", aunque también la huella Motown. "The raw and the cooked" (1988) se ampliaría con maestría al funk e incluso a la música disco.
La canción "Suspicious minds", que Mark James escribió en 1968 y luego inmortalizó el rey Elvis Presley, apareció en el primer álbum y fue un atrevimiento de gran éxito para FYC y su cantante Roland Gift.

("Estamos cogidos en una trampa de la que no puedo salir/Porque te quiero demasiado, muchacha/¿Cómo no ves lo que me estás haciendo al no creer en lo que digo?/No podemos continuar desconfiando/Y no podemos construir nuestros sueños en la sospecha/.../Así no puedes ver las lágrimas que he derramado")

Venus

TELEVISION (Venus)

Television, la banda neoyorkina surgida de la escena punk a mediados de los setenta, construyó juegos de guitarra llameantes, fruto de una hoguera que estaba maravillosamente atizada con elementos de poesía callejera.
Tom Verlaine, poeta confeso y amigo de Patti Smith, era el indiscutible líder de Television. Él y Richard Lloyd, guitarra rítmica, fueron los creadores de aquellos adorables arabescos de sonido tan caracteríticos del grupo. 
Television, un habitual del club CBGB allá por 1973, contaba entonces con el bajista Richard Hell, puesto que tomaría Fred Smith, antiguo miembro de Blondie. Billy Ficca, batería, completaba la lista de nombres de su primer gran álbum.
Ttitulado Marque Moon (1977) es esencial para entender la vertiente lírica del punk, si bien Adventure (1978), matizando la exuberancia de las guitarras, resultó igualmente un álbum triunfal. 'Venus' es una canción del primero.

(Fue una noche completa, las calles brillaban / El mundo era poco consistente, y entre mis huesos y piel / Había otra persona / Que estaba algo sorprendida / De estar ante un mundo tan vivo / ¿Cómo caí...? / (¿Te sientes mal?) / No. (¿Eh?) / Caí de lleno en los brazos de Venus de Milo / Es como si fuera una clase de droga nueva)