Little drummer boy

Lauryn Hill - "Little drummer boy"

La afroamericana Lauryn Hill (New Jersey, 1975) ha sido una artista de talento precoz, pero, incluso así, sorprendió la enorme dimensión del éxito conseguido en 1996 con el muy celebrado "The score", siendo cantante de The Fugees.
Cuenta Lauryn Hill que de niña en su casa todo era música, no sólo porque estuviera rodeada de discos, entre los que no faltaban de Curtis Mayfield, Aretha Franklin o Marvin Gaye, sino porque tanto el padre como la madre también eran verdaderos músicos.
Lauryn Hill fue una chica admirada desde la escuela secundaria, donde además de cantar mostró dotes singulares para el baile y la interpretación, lo que pronto la llevó a destacadas actuaciones en series televisivas ("As the world turns","Back in the habit").
Alcanzó rango de superestrella con un primer álbum: "The miseducation of Lauryn Hill" (1998), maravilla de versatilidad vocal para un sonido denso, entre el Rythm & Blues y el hip-hop. En 1999 hizo una incisiva versión del "Pequeño tamborilero" navideño.

("Ven, me dijeron, pa, romp, pa, pom, pom/A ver al Rey recién nacido, pa, romp, pa, pom, pom/Y traigamos nuestro mejores regalos, pa, romp, pa, pom, pom/Para ponerlos ante el Rey, pa, romp, pa, pom, pom, romp, pa, pom, pom/Así le veneraremos al llegar/Pequeño Jesús, pa, romp, pa, pom, pom/Yo también soy un niño pobre, pa, romp, pa, pom, pom/Y no tengo que regalos que traer, pa, romp, pa, pom, pom.../Podría tocar mi pandero, pa, romp, pa, pom, pom")

Shade and honey

Sparklehorse - "Shade and honey"

Mark Linkous (Virginia, 1962) encarnó en Sparklehorse su identidad artística más fructífera y duradera, y en ella dio rienda suelta a una visión del mundo lastrada por sentimientos de tristeza y de luz  asediada por oscuridades.
Mark Linknous en la música evitó las minas de carbón de muchos miembros de su familia. Fue un adolescente problemático, casi "un delincuente juvenil", que, sin embargo, al trasladarse a Nueva York en 1980, prestaría guitarra y voz a Dancing Hoods.
Un proyecto cercano a diez años y resultados modestos.Volvió a Virginia para colaborar en diversas bandas mientras cobraba vida Sparklehorse, que en 1996 se estrenaba con "Vivadixiesubmarinetransmissionplot", un álbum de reflejos y experimentación.
Tras una sobredosis casi letal, apareció el doliente y soñador "Good morning spider" (1999). Trabajó con David Lynch buscando ese lado más allá de las sombras. "Dreamt for light years" (2006), otro intento de reconciliar dualidades, recogía "Shade and honey".

("Podría mirar tu cara durante mil años/Es como una guerra civil entre el dolor y la alegría/Pero si fueras un caballo, yo podría ayudarte en tus cadenas/Iría en tu montura por los campos, llevándote de la crin/Que sea dulce tu sombra y flote sobre lagos/Donde el sol estará hecho de miel/Me aferro a los diamantes mientras tú ardes, porque nadie de aquí puede salvarte")

Pressing on

Alicia Keys - "Pressing on"

En la canción "Thunder on the mountain", del álbum "Modern times" (2006), Bob Dylan escribía: "Estaba pensando en Alicia Keys y no pude contener el llanto. Pero ella nació en Hell's Kitchen y yo vivía en la carretera...". La artista se sintió muy halagada.
Desde "Songs in A minor" (2001), Alicia Keys ha conseguido la proeza de colocar cinco de seis álbumes en el número uno de las listas americanas, siendo el último "Girl on fire" (2012). Lo cual da una idea de su categoría como artista global.
Alicia Keys (Nueva York, 1981) es la historia de una estrella en expansión. Empezó piano a los seis años. A los dieciséis se graduaba como primera de la clase. Y enseguida Clive Davis, antiguo presidente de la CBS, la contrató en su nuevo sello Arista.
En 2012 participó en la banda sonora de una película sobre los estudios Muscle Shoals de Alabama, y con una excelente versión de "Pressing on", canción que Bob Dylan había grabado en 1980, Alicia Keys le devolvía el gesto que él había tenido años antes.

("Estoy respondiendo con premura, sí con premura/A la llamada desde lo alto de mi Señor.../Muchos quieren detenerme, crearme dudas/ Y me dicen: "Muéstrame que Él es el Señor, dame una señal"/Pero ¿qué clase de señal necesitan si todo viene de dentro/Si has encontrado todo lo que habías perdido/Si lo que ha de venir ya ha sido?")

The collection of Marie Claire

DANIEL LANOIS (The Collection of Marie Claire)

Daniel Lanois se distingue como productor musical con una sonoridad que, como si procediera de las regiones intermedias de las emociones, se presenta matizada pero rica en sugerencias. También es un artista que cuenta con álbumes de fina sensibilidad.
Daniel Lanois (Quebec, 1951) comenzó su primera faceta con medios rústicos en la casa familiar de Ontario en 1970. Tras ganarse la reputación entre bandas locales durante años, Brian Eno fue su primer contacto de renombre y el puente que le llevaría a otros.
Y de aquí sus exitosas producciones para U2, Peter Gabriel, Robbie Robbertson, The Neville Brothers y Bob Dylan, al que devolvió a la modernidad con Oh Mercy (1989). Pero Daniel Lanois tenía por delante su otra faceta de artista con nombre propio.
Desde Acadie (1989) hasta el reciente Flesh and Machine (2014), Daniel Lanois ha sido un infatigable creador de atmósferas. En For the beauty of Wynona (1993), su álbum más hermoso, 'The collection of Marie Claire' es una canción de crepúsculo y poesía.

(Marie-Claire, llevo toda la noche caminando / Y guardo tu retrato cerca de mi corazón / Quiero decirte que he soñado contigo todo el verano / Marie-Claire, por favor, no tengas miedo / Te he traído pinturas de colores / Para que pintes en las noches de frío / Y dispararé a ese canalla de ojos azules / Porque tú serás novia mía / Marie-Claire, la vida de una bailarina no está bien)

Midnight at the oasis

Maria Muldaur - "Midnight at the oasis"

Maria Muldaur ha visitado géneros diversos de la música norteamericana de raíces, enriqueciéndolos de su personal estilo y trasladándoles ese aire húmedo de Louisiana en donde el blues puede vivir en la casa del jazz, y éste salir a la calle con ropa funky.
Maria Muldaur reiteraba su amor por el sonido de Nueva Orleáns con "Steady love" (2011) tras  décadas de entrega a la música, pero sus orígenes lo representaron el folk festivo de la Even Dozen Jug Band (Nueva York) y la Jim Kweskin Jug Band (Boston).
En esta última banda conoció a Geoff Muldaur, pareja sentimental y artística. Los dos grabaron "Pottery pie" (1968) y "Sweet patatoes" (1972) desde aportaciones en la tradición del soul del Delta, del folk de los Apalaches y de ritmos caribeños. 
Cuando se separaron, Maria Muldaur no pudo empezar mejor su nueva carrera en solitario, pues "Maria Muldaur" (1974) guardaba "Midnight at the oasis", una canción ya clásica, con Amos Garrett a la guitarra y arreglos de cuerda cortesía de Nick DeCaro.

("Medianoche en el oasis/Envía el camello a dormir/Las sombras se dibujan en nuestras caras/Por nuestras cabezas pasan señales de romance/En el cielo pende la media luna/Que está brillando para nosotros/Vayamos sigilosos a la duna arenosa, enseguida/Y retocemos levantando el polvo/Adelante, el cactus es amigo nuestro/Él nos indicará el camino")

On your way down

Allen Toussaint - "On your way down"

Allen Toussaint ha ganado con la brillantez de un mago las variadas apuestas de su larga carrera: arreglista, productor y escritor de canciones; artista en solitario y creador de un sonido vigoroso, mezcla de funk y Rythm & Blues.
Allen Toussaint nació en Nueva Orleáns en 1938. Aprendió en la estela de padres musicales de esta ciudad como Professor Longhair, Huey "Piano" Smith y Fats Domino. Al piano, ya en 1958 publicaba un disco trepidante: "The wild sound of New Orleans".
En los años sesenta, Allen Toussaint llevó al éxito a numerosos artistas con canciones escritas por él mismo: Irma Thomas ("Ruler of my heart"), Lee Dorsey ("Working in a coal mine"), y Ernie K-Doe ("Mother in law") son sólo una pequeña muestra.
En la década siguiente despegó con fuerza su propia discografía, de la que "Songbook" (2013) es lo más reciente. El álbum "Life, love and faith" (1976) contenía un ramillete de canciones elegantes, pero destacaba "On your way down", una balada primorosa.

("El alba, el crepúsculo/Nunca han cambiado desde el origen/La gente que vuela alto empieza a perder la perspectiva/No puede verse con claridad estando en vuelo/Tú estás en lo alto de la ola/La misma gente de la que ahora abusas porque estás subiendo/Podrías encontrártela en tu descenso.../Miras con mala cara cuando vas por la ciudad/Y, chica, crees que es un honor tenerte cerca") 

Morning dew

Bonnie Dobson - "Morning Dew"

Entre los cantautores del movimiento folk de principio de los sesenta, Bonnie Dobson es  especialmente recordada por haber escrito "Morning dew", una canción de fuerte magnetismo que otros artistas dieron a conocer y potenciaron hasta hacerla casi suya.
Bonnie Dobson (Toronto, 1940) se interesó por la música folk desde muy joven. Y ya en la universidad recibió la oferta profesional que la llevaría de gira a Denver junto a sus ídolos Sonny Terry y Brownie McGee. Citas siguientes fueron California y Nueva York.
Aquí, en el local Gerdes Folk City de Greenwich Village, Bonnie Dobson grabó en 1962 unas primeras canciones en directo para el sello Prestige. Entre ellas aparecía "Morning dew", cuyo tema enfrenta el amor humano a la ciega locura de la devastación nuclear.
Grabada en estudio con gran éxito por Fred Neil, Tim Rose y Grateful Dead, también ella volvió a registrar la canción en "Bonnie Dobson" (1969), y, aunque ahora rodeada de orquestación pop, sigue desprendiendo una velada inquietud. 

("Llévame a pasear en el rocío de la mañana, dulce amor.../Hoy no puedes pasear en el rocío de la mañana/Pero estoy oyendo el lamento de un hombre diciendo: ¡Señor!/No, no has oído lamentarse a nadie.../Pero estoy escuchando que entre llantos mi niño dice: ¡Mamá!/No, es imposible que oigas el llanto de tu niño/Oh, ¿Adónde han ido todos?.../Llévame a pasear en el rocío de la mañana, dulce amor")

Lay lady lay

Brothers and Sisters - "Lay lady lay"

Lou Adler, fundador de la discográfica Dunhill Records, y productor, entre otros, de The Mamas & the Papas y de Carole King, así como del Festival pop de Monterrey de 1967, tuvo la idea en 1969 de grabar en vertiente gospel algunas canciones de Bob Dylan.
Para Lou Adler, el cancionero de Bob Dylan, más allá de su temática generacional, social o amorosa, podía interpretarse en clave religiosa. Y, para resaltar esta dimensión, contrató a cantantes de gospel formados en iglesias evangélicas del área de Los Ángeles.
Las sesiones de grabación tuvieron lugar durante cuatro días en medio de un ambiente festivo donde brilló el talento. En el coro de 27 nombres, los de Merry Clayton, Gloria Jones o Clydie King merecen destacarse por su importante trayectoria posterior.
Trascender la individualidad y la soledad a través de visiones y experiencias singulares parece ser el hilo que une las diez canciones escogidas por Lou Adler. La interpretación de "Lay lady lay", liderada por Edna Wright, logra conciliar amor lascivo e iglesia.

("Échate, mujer, échate/En mi ancha cama de latón/Cualesquiera que sean los colores de tu pensamiento/Yo te los mostraré y tú los verás brillar/Échate, mujer, échate en la ancha cama de latón/Quédate, mujer, quédate por un tiempo con tu hombre/Hasta la llegada del alba, no dejes de hacerlo sonreír/Sus ropas están sucias, pero tiene las manos limpias/Y tú eres lo mejor que jamás haya podido conocer")

Beast of burden

The Rolling Stones - "Beast of burden"

Los Rolling Stones iniciaron su rodadura a principios de los sesenta como fogosa banda de blues británico, pero evolucionaron hasta representar pronto la quintaesencia del rock & roll, una condición que, medio siglo después, detentan todavía hoy.
Mick Jagger y Keith Richards han encarnado durante décadas la fuerza juvenil y transgresora de la tradición rock más auténtica, actualizada por ellos con música encendida y vibrante pero también con grandes dosis de teatralidad, espectáculo y crudo erotismo.
Álbumes que forman parte de la historia dorada del rock, como "Between the buttons" (1967), "Beggars Banquet" (1968), "Let it bleed" (1969) o "Sticky fingers" (1971), los dos últimos ya sin Brian Jones, señalaron el nuevo reinado de los Rolling Stones.
Un reinado que sufrió el desafío del punk y la música disco, al que los Rolling Stones, ahora con Ron Wood sustituyendo a Mick Taylor, respondieron en su mismo terreno con "Some girls" (1978), un disco excitadísimo que incluía la canción "Beast of burden".

("Nunca seré tu bestia de carga/Mi espalda es ancha pero está dolorida/Todo lo que quiero de ti es que me hagas el amor/Nunca seré tu bestia de carga/He andado kilómetros enteros y los pies me duelen/Lo que quiero de ti es que me hagas el amor/¿Soy lo bastante fuerte, duro o rico? No soy ciego como para no ver/Nunca seré tu bestia de carga")

The circus is leaving town

Mark Lanegan & Isobel Campbell - "The circus is leaving town"

Mark Lanegan, el artista de mirada poéticamente selectiva y garganta cavernosa de whisky y nicotina, se dio a conocer discográficamente con Screaming Trees en el álbum de etiqueta neo-psicodélica "Clairvoyance" (1986). 
Isobel Cambel, que además de tocar el cello es vocalista de registros etéreos y enorme compositora, debutaba en 1996 con el grupo folk-pop Belle and Sebastian y su sensacional "Tigermilk",  disco tan suelto y refrescante que creció a la fama por sí solo.
Mark Lanegan e Isobel Campbell cruzaron caminos en 2005, y de ahí resultaron tres álbumes en donde la melancolía se hermana con la belleza. Invirtiendo los papeles tradicionales, Isobel es en ellos la arreglista, productora y principal compositora.
En "Ballad for the broken seas" (2006), primer trabajo conjunto, se encuentran ya esos arreglos orquestales de fuerza envolvente y, desde luego, canciones como "The circus is leaving town", que explican perfectamente por qué su colaboración era necesaria.

("La fiesta se ha acabado/Así que corre las cortinas/Tu secreto seguirá estando seguro/Desabróchate la bata aterciopelada/Y suéltate el pelo/Sacude de los pies tus zapatos satinados/Echa atrás la chaqueta de piel/Y di adiós al payaso de los viernes/El circo se va de la ciudad/Oh, Ruby, bájate las medias/El circo se va de la ciudad/Oh, Ruby, enjuga tus lágrimas")

Take me to the river

EVA CASSADY (Take me to the river)

Eva Cassady se cuenta entre los artistas que, no queriendo hacer de su talento una profesión ni buscando fama, reciben como fruto retardado el reconocimiento unánime de la crítica y el aplauso masivo del público tras morir prematuramente.
Eva Cassady nació en el Estado de Maryland en 1963. Muy jovencita aprendió de su padre a tocar la guitarra, y después iría enrolándose en bandas que la ayudaron a desarrollar su genio y también a combatir su timidez en los escenarios.
El año 1986 le trajo interesantes novedades, primero prestando su voz al grupo Method Actor y luego conociendo al productor Chris Biondo, quien fue instrumental en su colaboración con el pianista Chuck Brown y en el álbum resultante: The Other Side (1992).
Eva Cassady, intérprete de registros alados y cristalinos, capaz de dotar de rutilante esplendor a canciones de muy diversos géneros, entregó en Live at Blues Alley (1997) versiones que, como "Take me to the river", desafían a las de sus creadores.

(No sé por qué te amo así / A pesar de lo mucho que me haces pasar / Me robaste el dinero y los cigarrillos / Y aún me queda por ver lo peor de ti / Quiero saber, chico, ¿me lo dirás? / Dime cómo puedo continuar aquí contigo /¿Me llevarás al río y me bañarás en él? / Llévame al río y devuélveme la entereza / No sé por qué me tratas así de mal / Después de tantos buenos tiempos juntos)

When I needed you most of all

David Buskin - "When I needed you most of all"

David Buskin (Nueva York, 1943) alcanzó su cénit artístico al principio de los setenta con la publicación de dos álbumes de folk-rock acústico. El primero todavía despierta gran interés, y para algunos es una joya de la época inmerecidamente descuidada.
Terminando la universidad en 1965, David Buskin comenzó a escribir canciones de gran potencial. Y Mary Travers (del trío Peter, Paul and Mary) no tuvo reparos en incluir cinco de ellas en su disco "Morning Glory" (1972).
Después de participar en las giras de aquella cantante durante dos años, grabó "David Buskin" (1972) con la plana mayor de los músicos de estudio de Nashville (Kenny Buttrey, Pete Drake, David Briggs...). Abría el álbum "When I needed you most of all".
En la canción, David Buskin (guitarra acústica) parece transmitir esa sensaciónde de cuando el fulgor del amor empieza a vivirse como dependencia y necesidad. A anotar una versión cristalina: la de Tracy Nelson con Mother Earth en 1973.

("Dices que mi sonrisa es como un día de verano/Pero¿qué dirías si empiezan a caérseme las lágrimas?/Si las cosas van mal, ¿tú seguirás tu camino?/¿Estarás aquí cuando seas tú lo que más necesite de todo?/Cuando los gansos grises surquen el cielo otoñal/¿Mirarás al cielo y escucharás su llamada?/¿Serás como los gansos y te pondrás a volar?/¿Estarás aquí cuando más te necesite?")

T. Bone Burnett

T. Bone Burnett - "Diamonds are a girl's best friend"

En la obra de T Bone Burnett se celebra a un exitoso productor de álbumes para numerosos artistas y de bandas sonoras de películas, así como a un subversivo renovador de la música tradicional y de raíces norteamericana.
T Bone Burnett ya había aprendido guitarra cuando con diecisiete años abrió su primer estudio de grabación en Fort Worth (Texas), donde nació en 1948. Hito biográfico es su participación en 1975 en la gira Rolling Thunder Revue de Bob Dylan.
De aquí nació el impulso para formar Alpha Band, proyecto musicalmente ecléctico que editó tres discos y se despidió en 1979. "Truth decay" (1980) fue el inicio de una carrera que siempre ha respirado aires clásicos de Nashville y Memphis.
"Proof through the night" (1983) o "The criminal under my hat" (1993) dan prueba de su fama de compositor y letrista singular de canciones. "Twenty twenty: the essential T Bone Burnett" (2006) registraba su versión de "Diamonds are a girl's best friend".

("Un beso en la mano puede ser muy europeo/Pero los diamantes son el mejor amigo de una chica/Un beso puede ser pomposo/Pero no vale para pagar el alquiler de tu modesto piso/O ayudarte en la comida/Los hombres van enfriándose según las chicas van haciéndose mayores/Y, al final, todos perdemos nuestros encantos.../Los diamantes son el mejor amigo de una chica")

Samantha Crain

Samantha Crain - "For the miner"

Samantha Crain lleva hecho un corto recorrido artístico, pero desde la aparición de su primera obra en 2007, ha ido confirmando el talento cierto de quien contribuye a ampliar la riqueza y los matices del folk-rock americano.
Samantha Crain (Oklahoma, 1986) pertenece a la etnia de los indios Choctaw. De su biografía puede leerse que aprendió sin ayuda a tocar guitarra, antes de ingresar, con diecinueve años, en la escuela de música contemporánea de Martha's Vineyard.
Debutó con "Songs in the night" (2009), álbum en directo junto al grupo Midnight Shavers, en el que sobresale la temblorosa emotividad de su voz. Antes había editado por su cuenta "Confiscation: A musical novella" (2007), un EP compuesto de cinco temas.
"Kid Face" (2013) está escrito como desahogo a experiencias personales extraídas de sus viajes en la carretera. Y, así, la canción "For the miner", bajo la sombra de un Neil Young acústico, remite al desasosiego del que necesariamente sigue buscando.

("He encontrado una ventana que da al sol/Y al reluciente océano/Ójala pudiera darte luz del sol/¿Te has acostumbrado ya?/¿O todavía estás despierto toda la noche y tus demonios te atrapan?/¿Te has acostumbrado ya?/¿O aún sientes la aspereza del mundo y estás contenido, dejándote caer?/No te vayas ahora")

Bill Callahan

Bill Callahan - "All thoughts are prey to some beast"

Bill Callahan se dio a conocer en 1988 impulsando Smog, grupo cuyo lenguaje musical fue novedad tanto por los medios de producción, considerados de baja fidelidad, como por el uso dramatizado de los elementos orquestales.
El resultado eran viñetas de rock alternativo reñidas con la melodía, perfectas para sostener el curso narrativo de películas de serie B. Pero, desde 2007, Bill Callahan ha firmado cuatro discos en solitario que representan una admirable revolución artística.
En "Dream river", que la crítica nombró mejor álbum de 2013, Bill Callahan contrapone a su aire sombrío de barítono letras con extrañas imágenes de paisajes naturales y sentimientos de romanticismo perturbador.
Sin embargo, "Sometimes I wish we were an eagle" (2007) ya contenía esa atmósfera hipnótica y de intensidad cinemática que resulta de la voz, los textos y el pop de cámara de Bill Callahan. "All thoughts are prey to some beast" estaba entre sus canciones.

("El árbol sin hojas parecía un cerebro/Los pájaros dentro eran como los pensamientos y deseos en mí/Y daban saltitos de rama en rama/O se acomodaban en sus nidos, escuchando/Pero un águila se perfiló en el horizonte/Y sacudió las ramas con la vista/Los pensamientos más delicados: estorninos, pinzones y chochines/Los pensamientos más delicados, todos echaron a volar")

Wild is the wind

PATTY WATERS (Wild is the wind)

Patty Waters es conocida particularmente en el mundo del jazz por haber experimentado con su voz hasta el punto de convertirla a veces en expresión de un primitivo lamento que parece brotar de exigencias o desconsuelos incontenibles.
Patty Waters (Iowa, 1946) dejó ver sus cualidades de cantante desde los años de escuela secundaria. La influencia de Billie Holiday marcó su orientación hacia el jazz y coloreó de verdad descarnada las tonalidades de su voz.
En Nueva York, a principio de los sesenta, grabó dos álbumes de corte experimental que todavía constituyen el precioso legado en donde mujeres artistas, como Patti Smith o Diamanda Galás, han buscado inspiración.
Patty Waters Sings (1965), el primero, contenía 'Black is the colour of my true love's hair', ejemplo de improvisación vocal, que luego, en College tour (1966), un directo, alcanza cotas de extrema libertad, rasgo presente en 'Wild is the wind'.

(Ámame, dime que me amas / Deja que vuele lejos contigo / Porque mi amor es como el viento / Y furioso es el viento / Dame algo más que una caricia / Satisface este hambre / Deja que el viento sople a través de tu corazón / Pues furioso es el viento / Me tocas: oigo sonido de mandolinas / Me besas: mi vida empieza en tus besos / Eres mi primavera, todo / Sabes, eres la vida misma)

Richard Thompson

Richard Thompson - "I misunderstood"

Richard Thompson, maestro de la guitarra acústica y escritor de rara sensibilidad, se dio a conocer en el grupo de folk inglés Fairport Convention, al que, contribuyendo a su máximo esplendor, dejó en 1971, tras la grabación de "Liege & lief" (1969).
Debutó en solitario con "Henry the human fly" (1972), y después, acompañado de Linda Peters, su mujer, realizó el admirable "I want to see the bright lights again" (1974), por cuyos surcos corre la aspiración a escapar de un mundo dominado por la desolación.
Richard Thompson se convirtió al Sufismo en 1974. De esta conexión surgió "Pour down like silver" (1975), álbum también esencial, íntimo y algo melancólico, en donde el amor late al ritmo de anhelos universales.
"Shoot out the lights" (1982), otro disco de referencia, recoge la crónica agitada y amarga de su ruptura matrimonial. "Rumour and sigh" (1991) cuenta excepcionalmente con una producción de lustre que ayudó al éxito de "I misunderstood".

("Me dijo: me enamora tu manera de pensar/ Es muy bonito como cuidas de mí/ Me encantará verte de nuevo, qué bien si tuviera más tiempo/Reía mientras rozabas mi mejilla/"¿Encanto, ¿Por qué no me llamas la semana que viene? Cruza los dedos y prométemelo"/Me equivocaba/Creía que me deseaba suerte/Pero me estaba diciendo adiós")

Suzanne

HOPE SANDOVAL (Suzanne)

Hope Sandoval, la cantante americana de voz brumosa y delicada que desde 1990 preside el grupo alternativo Mazzy Star junto al guitarrista y compositor David Roback, también ha contado con Warm Inventions para publicar dos trabajos con sello propio.
Hope Sandoval creció en la aspereza de los barrios periféricos de Los Ángeless en una familia de raíces mejicanas. En 1986, a los veinte años, el duo folk Going Home que había formado con su amiga Sylvia Gomez le permitió conocer a David Roback.
La música cautivadora y minimalista de Mazzy Star ha dado cuatro álbumes que constituyen la experiencia de viajar a un pozo profundo abierto a luces sorpresivas, pero entre 1996 y 2013 se produjo un gran apagón discográfico.
Hope Sandoval rompió el silencio de ese período con Bavarian fruit bread (2001), en el que volvía a explorar un mundo reposado y de múltiples sentidos. Así, inspirándose en Leonard Cohen, 'Suzanne' se abre y cierra con una incógnita.

(Suzanne está esperando en tu portal / Pero no hace más que malgastar tu tiempo / Parece que fuera mi hermana / Pero conmigo siente como un hombre / Y todas las veces que voy a decirle / Que los gatos inundan este lugar / Arranca un trébol de cuatro hojas / Y hace que me sienta tranquila en mi soledad)

Steve Wynn

Steve Wynn - "Shades of blue"

Steve Wynn (Los Ángeles, 1960) empezó en los ochenta su andadura artística fusionando la energía revuelta y anarquizante de la Velvet Underground y el sonido encendido y armonioso de las guitarras con raigambre en el folk-rock psicodélico.
En el Año 1979, y en la universidad californiana de Davis, Steve Wynn compaginaba periodismo deportivo y militancia en The Suspects, un grupo New Wave distinguido por el vocalista Kendra Smith, quien también estaría presente en The Dream Syndicate.
Fue este grupo el que dio a conocer a Steve Wynn a lo grande en 1982 con "Days of wine and roses", álbum notable por certificar que el vendaval punk se había amansado bajo la influencia del lirismo sombrío de Joy Division y el afán literario de Television.
La carrera que Steve Wynn recomenzó en 1989 le ha permitido publicar álbumes de estilos diversos. A destacar "Here Come the Miracles", que galardonado en 2001 como Mejor Álbum de Rock Alternativo contenía la espléndida "Shades of blue".

("Sé que un día volveremos la mirada a la manera en que vivimos aquellos días/En que éramos como detectives que investigan entre el fango y la niebla/Fortuna tendremos si todavía podemos encontrar el camino a través de estas sombras azuladas/Y supongo que un día haremos lo posible por enderezarnos/Para intentar dibujar la línea que va directa de la mente al corazón")

The Secret Sisters

The Secret Sisters - "Black and blue"

The Secret Sisters es el nombre con el que Lydia y Laura Rogers traen al country-pop el aire nuevo que, en una línea que las une con clásicos como Hank Williams o The Everly Brothers, aportan el ritmo vivificante de sus melodías y la hermosura de sus voces.
Procedentes de Muscle Shoals, ciudad de Alabama que dio nombre y albergó la quizá más famosa sección ritmica del país, todo empezó para The Secret Sister en 2010 con una llamada a Laura para una audición en Nashville.
Las dos hermanas volverían luego para realizar unas demos que encantaron a T. Bone Burnett, bajo cuyos auspicios se completó "The Secret Sisters" (2010), con técnicas de grabación que habrían hecho las delicias de autores que ellas cantan en el disco.
Algo realmente atractivo deben de tener The Secret Sisters para que Bob Dylan les haya ofrecido "Dirty lie", una canción de "Put your needle down" (2014), álbum con sonido más matizado y moderno, y para el que ellas compusieron "Black and Blue".

("No me digas adiós, por favor/Dame otra oportunidad/Estoy apenada y triste/Eres mi preocupación/Te veo toda la noche/Junto a la puerta de la cocina/Y me pregunto qué esperas/Sé que estarías en cualquier sitio que no fuera éste/Escúchame, cariño/¿Has olvidado tus promesas, la magia simple y los callados besos? /¿Cómo es que las lágrimas nos están ahogando?.../Tu corazón pertenece a otra")

George Harrison

George Harrison - "My sweet Lord"

George Harrison, el más callado de los Beatles, guardaba en realidad un torrente de palabras y música vinculadas a regiones de su búsqueda espiritual, que, disuelto aquel grupo inmortal en 1969, se concretó en el álbum triple "All things must pass" (1970).
Los Beatles despertaron a los temas espirituales en el "verano del amor" de 1967, a través de su encuentro con el Maharishi en la Universidad de Bangor (Gales). Pero sólo George Harrison continuaría siendo fiel al movimiento Hare Krishna.
Además de Eric Clapton, los extraordinarios artistas (Bobby Whitlock, Jim Gordon, Carl Raddle...) que acompañan a George Harrison en esta obra pertenecían a Delaney & Bonnie, una pareja especializada en soul pantanoso que él había conocido en 1968.
Largas sesiones, intrincados arreglos, una producción de sonido orquestal a cargo del inigualable Phil Spector, dieron como resultado veintitrés temas de energía vortiginosa, de los cuales "My sweet Lord" era como mantra surgido de un anhelo insondable.

("Mi dulce Señor, mi Señor/Todo lo que quiero es verte/Quiero de verdad estar contigo/Y verte realmente/Pero, Señor, ¡cuesta tanto!/ Mi dulce Señor, mi Señor/Lo que quiero es conocerte/Y quiero de verdad ir contigo/Y quiero darte a conocer / Pero no tardaré mucho tiempo, Señor.../Mi Señor (Hare Krishna)/Mi dulce Señor (Hare, Hare)/Oh, oh, oh (Hare, Hare")

Candi Staton

Candi Staton - "Stop and smell the roses"

Candi Staton forma parte de la generación de artistas que dio al soul sureño americano una dimensión universal, no obstante estar ella presente en el pop y la música de baile cuando hubo de buscar otras fuentes que revitalizaran su carrera.
Candi Staton, al igual que divas del soul como Aretha Franklin o Etta James, primero se forjó como cantante gospel en el coro de iglesias cristianas, para acentuar después, en la década de los sesenta, el lado sensual y rítmico que es marca del rythm and blues.
Precisamente, Candi Staton conoció en 1968 a Rick Hall, dueño de los estudios FAME y legendario productor, con quien consiguió exitosas versiones de "Stand by your man" e "In the ghetto", que le valieron el título de "Primera dama del soul sureño".
A mediados de los setenta, en un giro de supervivencia artística, se pasó a la música disco, y acertó con "Young hearts run free". Antes, ayudada de una potente sección rítmica, había grabado "Candi" (1974), el álbum de la fragante "Stop and smell the roses".

("Oiga, señor, ¿adónde va con tanta prisa?/¿No cree que ya es hora de darse cuenta de que la vida es mucho más que trabajo y preocupaciones?/Las cosas más dulces de la vida son gratuitas/Y las tiene justo delante de los ojos/Así que párese y huela las rosas/Cuente las muchas bendiciones de cada día/Encontrará que el cielo es áspero y rocoso/Si no se detiene a oler las rosas del camino")

Damon

Damon - "Don't you feel me"

Damon (Rochester, 1941) es autor de una apreciada rareza de la psicodelia californiana de finales de los sesenta que, sin embargo, se perdió entre la cosecha abundante que entonces propiciaban primeras figuras como los Doors o Jefferson Airplane.
Damon, o David Del Conte, nació de padres italianos en el estado de Nueva York. Tenía ocho años cuando su familia se trasladó a California iniciando una vida de ajetreo y cambios, muy al estilo gitano, que terminó en Inglewood, ciudad cercana a Los Ángeles.
Aún en estudios de secundaria, empezó a tocar el clarinete. Y poco después grabó una notable canción de rock playero: "The lonely surfer". Mediados los sesenta, apareció "I wonder why", el preludio de lo que iba a ser su gran y única obra.
Entre la influencia del LSD y una vida errática, Damon publicó "Song of a gypsy" (1968), álbum que parece surgir en estado de trance. La guitarra de Charlie Carey, así en "Don't you feel me", da acidez a canciones escritas con sensibilidad a flor de piel.

("Cuando quiera que no estamos juntos/En días soleados o con tiempo tormentoso/¿No sientes que te estoy amando?/A la luz del sol o la luz de la luna/En la noche oscura, cuando llega la hora/¿No sientes que te estoy amando?.../Cuando quiera que no estamos juntos/En días de sol o de tormenta/¿No sientes que te estoy amando?")

Josephine Foster

Josephine Foster - "Little life"

Josephine Foster (Colorado, 1975) lleva más de quince años realizando una obra en clave folk de raíces puras y antiguas, en la que incluso hay sitio para poemas de Emily Dickinson y para canciones populares españolas recogidas por Federico García Lorca.
De cantar en bodas y funerales siendo adolescente, Josephine Foster ambicionó una profesión como cantante de ópera. Sin embargo, las primeras grabaciones de "There are eyes above" (2000) la encuentran plenamente en las filas de la comunidad folk.
En Chicago, antes de cumplir los veinte, fue profesora de canto y activa colaboradora en grupos de pop y jazz. Pero "All the leaves are gone" (2004), con su folk psicodélico que recuerda escenarios propios de Jefferson Airplane, fue un luminoso punto de partida.
Suenan el dulcémele, el harpa y el kazoo en "Hazel eyes will lead you" (2005); hay ecos de Tin Pan Alley en "I'm a dreamer" (2013). Y en "Little life" (2008), Josephine Foster crea la magia que compartiría el espíritu simple y agreste de Karen Dalton.

("Vida sencilla: ¿como es que eres tan afortunada?/Vida sencilla: ¿cómo es que eres tan feliz?/Llegan canciones hasta al buzón de correos/Llegan canciones que incluso son felices en su tristeza/Si fueras pájaro, ¿cómo volarías?/¿Y si mariposa?/¿Y si fueras un pingüino bajo el agua?/¿Y si abejorro?/Oh, vida sencilla: ¿cómo es que eres tan afortunada? ¿cómo tan feliz?")

Lou Reed

Lou Reed - "Caroline says II"

Lou Reed, un importante icono cultural del pasado medio siglo, comenzó a la sombra de Andy Warhol, pero su magisterio en la poesía del rock urbano, el glam, el punk, o el rock electro-metálico resultó únicamente de su espíritu combativo y vanguardista.
La Velvet Underground, que Lou Reed capitaneó desde 1965, destacó con un sonido abrasivo en el que, transfigurados por una mirada poéticamente ingenua, abundan los temas en torno a la sexualidad como fetiche y las drogas como liberación.
Lou Reed se sobrepuso a aquel fin de fiesta con un álbum de época: "Transformer" (1972), que, con David Bowie en la producción y Mick Ronson a la guitarra, guardaba "Walk on the wild side", una canción fundamental en su carrera.
Sumido en un período de agitación personal y artística, Lou Reed ofreció en 1973 "Berlin", historia de la relación depresiva entre Jim y Caroline, encerrados en capítulos de sadomasoquismo, prostitución y drogas. "Caroline says II" retrata esa atmósfera.

("Caroline dice, mientras se levanta del suelo: ¿Por qué me pegas?/No tiene ninguna gracia/ Caroline dice, mientras se pinta los ojos:'Tendrías que conocerte más/Y no sólo girar en torno a ti'/Pero ella no le tiene miedo a la muerte/Sus amigos la llaman Alaska/Cuando está drogada, se ríen y le preguntan qué le pasa por la cabeza/Caroline dice, mientras se levanta del suelo: 'Puedes pegarme cuanto quieras, pero he dejado de quererte'")

Angel Olsen

Angel Olsen - "Drunk and with dreams"

Angel Olsen (Missouri,1983) ha publicado tres trabajos en la categoría indie folk, mostrándose como una escritora e intérprete cada vez más ambiciosa. En su repertorio abundan canciones confesionales donde la pasión y el enigma juegan a encontrarse.
Angel Olsen creció en una familia de adopción. Pronto aprendió a tocar piano y guitarra, y enseguida soñó con ser artista. A los dieciséis años actuaba en bares de St Louis. Al establecerse en Chicago, colaboró con Emmett Kelly, líder del grupo Cairo Gang.
Luego entró en la órbita sombría de Bonnie "Prince" Billy, a quien acompañó en armonías vocales varios años. Con este bagaje de fondo, y sostenido por una instrumentación sobria, "Half way home" (2012) desprende una melancolía incómoda y viscosa.
La música de Angel Olsen transporta vida, según Jon Hency, propietario del modesto sello discográfico que editó "Strange Cacti" (2010), el mini-álbum de debut que recogía "Drunk and with dreams", un tema febrilmente emocional.

("Alguien tiene que continuar creyendo/Alguien tiene que hablar de sentimientos/Alguien tiene que bajar la guardia para alguien/A mí no me importa ser esa/Y si me tocaras/Tienes que saber que estoy hecha de fuego/Ebria y envuelta en sueños, estoy perdida en el mar/Con recuerdos como único mapa/¿De qué otra manera podría volver a ese lugar?")

Take me to the Mardi Gras

PAUL SIMON (Take me to the Mardi Gras)

Paul Simon formó con Art Garfunkel uno de los dúos vocales más celebrados de todos los tiempos, pero desde los setenta exploraría más allá del pop melódico: atmósferas de jazz, música de baile o ritmos calurosos del Caribe, África y Sudamérica.
Con Paul Simon (1972) dejaba atrás una experiencia artística compartida para liberar un potencial creativo inédito que 'Mother and child reunion', la primera canción del disco, anuncia en su fresca envoltura, que aquí adopta forma de reggae.
Albumes como Still crazy after all these years (1975), Graceland (1986) o incluso So beautiful or so what (2011) muestran esa vertiente exploradora. Con el segundo se acercó a los ritmos zulúes de Sudáfrica, y sorprendió con una obra híbrida ya clásica.
Paul Simon publicó There goes rhymin' Simon en 1973. Fue un paso atrás para recuperar los aires de melodía que lo habían encumbrado años antes, pero también contenía soul y sonido Dixieland como prueba 'Take me to the Mardi Gras'.

(Llévame al Mardi Gras / Donde la gente canta y toca música / Donde la gente baila con clase / Y hay música en la calle / De día y de noche/Apresúrate, llévame al Mardi Gras / En la ciudad de mis sueños / Donde cualquier manera está bien vista... / Me quitaré preocupaciones de encima / Descansará mi cabeza en la orilla / Y cuando me ponga esa corona estrellada / No desearé nada más)

June Carter Cash

June Carter Cash - "Ring of fire"

June Carter Cash (Virginia, 1929) pertenece a una saga que se remonta a The Carter Family, un trio fundacional del country norteamericano, con raíces en el folclor de los Apalaches, del que formó parte su madre Maybelle Carter.
De ella heredó el ingenio para hacerse querida y popular a lo largo de una extensa carrera en la que como cantante y entretenedora de espectáculos participó con humor chispeante en la radio, la comedia y el cine, cuando no en el Grand Ole Opry de Nashville.
Cuando se casó con Johnny Cash en 1968, June Carter se apartó del mundo de espectáculo, pero en dos álbumes tardíos ("Press on", 1999" y "Wildwood flower", 2003) recogió exquisitamente canciones atesoradas por The Family Carter.
"Ring of fire" fue escrita por June Carter con ayuda de su primo Merle Kilgore en 1962 y sirvió para enmarcar los primeros tiempos de su apasionada relación con Johnny Cash, quien iba a llevar la canción al número uno en su versión del año siguiente.

("El amor es algo que quema/Y es como un anillo de fuego/Empujado por el deseo incontenible/Caí en un ardiente anillo de fuego/Bajaba, bajaba y bajaba/Y las llamas subían y subían/Y quema, quema y quema/El anillo de fuego.../El sabor del amor es dulce cuando se encuentran corazones como los nuestros/Me rendí ante ti como una niña/Oh, pero el fuego iba descontrolado")

Mike Scott

Mike Scott - "She is so beautiful"

Mike Scott (Edimburgo, 1958) es el alma de The Waterboys, el proyecto artístico que él fundó en 1983 y todavía hoy mantiene vivo. Pero también ha producido otros trabajos bajo su nombre en los que el sentido poético palpita con fuerza bajo su música.
Mike Scott publicó hasta 1990 seis álbumes. A destacar "Fisherman's blues" (1988), folk de raíz celta con influencias de la vida rural irlandesa en donde se asentaba por entonces. Luego se fue a Nueva York y volvió al rock grandioso de los inicios.
En 1995 regresaría a Escocia, su país de origen, para establecerse temporalmente en la comunidad espiritual The Findhorn Foundation, cuyos residentes creen en energías espirituales del mundo natural y se guían por sentimientos fuertemente ecológicos.
Durante su estancia en la comunidad, Mike Scott concibió y realizó su primer disco en solitario: "Bring 'Em All" (1995), con el que retornaba al folk y al sonido acústico. "She is so beautiful" es una canción de cuando el amor está bañado de luz.

("Ella es la más preciosa/Me faltan palabras para describir lo que me hace sentir por dentro/Vuelo sin rémoras/Libre y ligero como un pájaro/Y, sin embargo, dejaría enseguida de batir mis alas/Para cuidarla y confortarla.../Pues ella es como una canción/Como un rayo de luz/Como los niños cuando rezan/Es como el sonido del arpa, de las campanas, del címbalo...")

Sammi Smith

Sammi Smith - "Long black veil"

Sammi Smith fue de las artistas que en los años setenta se adscribió al movimiento country de "los fuera de la ley", con el que Waylon Jennings o Merle Haggard renunciaban al sonido edulcorado que la industria musical de Nashville hacía de este género. 
Aún adolescente, Sammi Smith (Orange County, 1943) ejerció de cantante en cafés y clubes de Oklahoma. Su primer gran éxito le llegó en 1971 con "Help me make it through the night", tema compuesto por Kris Kristofferson. Tres años más tarde repetiría éxito.
Lo consiguió con "Long black veil", la historia de un condenado a muerte al que un secreto inconfesable le impide probar su inocencia: en el día y hora del asesinato, él estaba en los brazos de la mujer de su mejor amigo.
"Long black veil", escrita en 1959 por Danny Hill y Marijohn Wilkie, ha ejercido un continuado poder de fascinación. Artistas como Elvis Presley, Johnny Cash o Nick Cave hicieron sendas versiones, pero, para muchos, la de Sammi Smith es la más lograda.

("Hace diez años, en una noche fría y oscura/Mataron a alguien bajo las luces de la Casa consistorial/Había pocos en el lugar, pero todos coincidieron/En que el que huía se parecía mucho a mí/Ella anda por estas colinas envuelta en un largo velo negro/Y visita mi tumba mientras ruge el viento/Nadie sabe ni puede ver lo que pasó/Nadie más que yo")

Sierra

BOZ SCAGGS (Sierra)

Aplaudida por la crítica, pero menos reconocida por el gran público, la discografía de Boz Scaggs (Ohio, 1944) se escucha como se bebe un buen vino. De su aroma destacan el rythm & blues, el soul blanco, el jazz-rock y las baladas melancólicas.
Guitarrista desde los doce años y buscando caminos artísticos, Boz Scaggs peregrinó a Londres en 1964, de donde regresó a Dallas dos años después, para integrarse en la Steve Miller Band y grabar con esta formación su vertiente más psicodélica.
La notable aportación en esta banda le valió un contrato con el sello Atlantic. Y Boz Scaggs (1969), con la sección rítmica de Muscle Shoals y la melodiosa guitarra de Duane Allman, es ya una obra maestra.
Los setenta vieron seis valorados álbumes, entre los que sobresale Silk degrees (1976), que contenía 'We're all alone', favorita de las radios. Pero en 'Sierra', canción perteneciente a Some change (1994), Boz Scaggs logró un máximo poder de evocación.

(Qué hay del que dijo que te amaba / Qué del que dijo que se cuidaría de ti / No te molestes en encontrarle en las alturas del aire helado / Oh, jugaste con la fibra de su corazón / Y lo hiciste descuidadamente / Pero, arriba, en la alta Sierra / Ahí no podrás jugar con su corazón / Los ángeles le dejan sus nubes en el cielo / Y se ponen en fila ante él cada noche)

Fiona Apple

Fiona Apple - "Shadowboxer"

Desde que se diera a conocer a mediado de los noventa, Fiona Apple ha ido acentuando la complejidad de la producción y arreglos en sus cuatros discos aparecidos hasta la fecha. Lejos del comercialismo, hoy casi se ha convertido en una artista de culto.
Fiona Apple (Nueva York, 1977) nació de madre cantante y padre actor. Desarrolló precozmente su habilidad para tocar y escribir canciones. A los dieciséis años tenía material suficiente para una demo que serviría a su primer contrato discográfico.
Fiona Apple se estrenó en 1996 con "Tidal", en donde se muestra segura al piano y con voz sofisticada y de tonalidades jazzísticas. El álbum se vendió por millones, y de "Criminal" hizo un vídeo con polémica. El segundo disco marcó aires de cambio.
El título, "When the pawn..." (1999), es largo como un poema. Entre el pop y el jazz, el disco señala una temprana madurez, y lo distingue sus múltiples capas de sonido. "Shadowboxer", sin embargo, es una notable canción perteneciente al álbum de debut.

 ("Antes mi amante, ahora mi amigo/Esta pretensión es cruel/Y malicioso condescender a ello/En otro tiempo mi amante, ahora mi amigo/Oh, vas subiendo como las nubes/Y tranquilizas mi alma/Tu amor corre abundante/Y me llevas a la rendición/Oh, es terrible, muchacho/La manera en que me embelesas con tu gracia")

Child in time

DEEP PURPLE (Child in time)

Deep Purple está considerada la banda rock iniciadora del heavy metal, un género que sus miembros definieron con asombrosos alardes vocales, solos y riffs de guitarra de gran virtuosismo, y un sonido de enorme poder y densidad.
Su historia se remonta a 1968 y a la ciudad inglesa de Hertford. La primera formación ya contaba con Ritchie Blackmore (guitarra) y Jon Lord (teclados). En 1970 llegó Ian Gillan (voz). Juntos impulsaron la etapa que hasta 1973 es la más clásica.
Los tres primeros álbumes contienen una vertiente psicodélica y experimental lejos del sonido intimidante posterior. Así, Shades of Deep purple 1968) y Deep Purple (1969) son obras apreciadas pero todavía reflejan variadas influencias y falta de rumbo.
Todo eso cambió con la publicación de Deep Purple in rock (1970), el álbum que asentó la personalidad auténtica del grupo, y en donde ofrecieron 'Child in time', la canción más espectacular de toda su larga carrera. 

(Dulce niño en el tiempo, verás la línea / La línea que divide el bien y el mal / Mira cómo los ciegos disparan al mundo / Las balas vuelan cobrándose sus víctimas / Si te has portado mal (oh, Señor, seguro que así ha sido) / Y no te ha alcanzado el plomo de las balas / Sería mejor que cerraras los ojos e inclinaras la cabeza / A la espera de su rebote)

Mary Gauthier

Mary Gauthier - "I drink"

Mary Gauthier lidera desde hace tres lustros un country de tonos oscuros, quizá porque, entregada a un asilo al nacer, lleva la impronta de los seres malheridos desde la cuna, pero sus historias amargas desbordan de empatía y verdad.
Mary Gauthier (Nueva Orleáns, 1962) pasó por experiencias y oficios poco prometedores antes de hacer valer su genio artístico: en prisión con dieciocho años, cocinera de un restaurante durante más de una década.
Cargada de equipaje, Mary Gauthier escribió sus primeras canciones en 1997. Fue "Drag Queens in limousine" (1998) el disco que le ganó el reconocimiento artístico. Aquí,  la canción "I drink" es una impactante confesión extraída de cierta vida familiar.
"Filth and fire" (2002) la acerca a Lucida Williams, pero sus canciones siguen siendo dolientes. "Between daylight and dark" (2007), álbum producido por Joe Henry, enriquece su poesía de corazones rotos con un cromatismo inusual en la obra de la artista.

("Llegaba a las 5.30, se servía una bebida/Se sentaba en su silla/Discutía con mamá/Quejándose de que sus hijos le tomábamos el pelo/Por la noche se sentaba solo y fumaba/La llama del encendedor me dejaba ver su ceño fruncido/El mismo que ahora veo en el espejo/En mis venas llevo la sangre de mi padre/Los peces nadan/Los pájaros vuelan/Los papás gritan/Las mamás lloran...")

Jackson Browne

Jackson Browne - "Before the deluge"

Jackson Browne se sumó a principio de los setenta al Sonido de California con temas de gran calado lírico, mezcla de desolación y sueño visionario, sobre una base musical que retornaba al clasicismo basado en el piano, los ritmos medios y la melodía.
Antes de su carrera en solitario, Jackson Browne había trabajado como escritor de canciones para la compañía Elektra, había estado brevemente en Nitty Gritty Dirt Band y había prestado a Nico tres temas esplendorosos para su álbum de debut.
Tenía veintitrés años cuando apareció su estreno discográfico: "Jackson Browne" (1972), un disco que, con canciones como "Doctor my eyes" o "Jamaica say you will", mostraba tanto una madurez artística como un catálogo de imágenes sorprendentes.
Jackson Browne repitió la excelencia con "For every man" (1973), el álbum de "Take it easy". "Late for the sky" (1974), obra cumbre, desprende un tono apocalíptico, pero tambien una promesa de salvación. "Before the deluge" es emblemática al respecto.

("De ellos, algunos eran soñadores/Otros lunáticos/Y hacían planes pensando en el futuro/Tenían la energía de los inocentes/ Juntaron las herramientas/Que necesitaban para hacer el viaje de vuelta a la naturaleza/Mientras la arena se colaba por la rendija/Extendieron las manos para alcanzar el anillo de oro/Y buscaron refugio mutuo en sus corazones/En los años turbulentos previos al diluvio")

I only wanto to be with you

SHELBY LYNNE (I only want to be with you)

Dentro de la corriente conocida como Americana, Shelby Lynne (Jackson, 1968) celebra hoy la plenitud de su voz y talento de compositora, dejando atrás la búsqueda de un estilo y cualidades limitadas a la de emotiva intérprete.
Shelby Lynne heredó de sus padres la afición musical, pero también la violencia de su trágica muerte. A los veinte años estaba en Nashville, en donde colaboró con George Jones y conoció al productor Billy Sherrill, quien dirigió Sunrise (1989), ábum de debut.
Con sabor country, Tough all over (1990) fue un gran esfuerzo cargado de swing y sensualidad. En 1992 apareció Temptation, con canciones entre el country y el jazz, y I'm Shelby Lynne (2000) fue después una apuesta convincente de soul aterciopelado.
La imparable carrera ascendente de Shelby Lynne ha tenido uno de sus hitos en Just a little lovin (2008), álbum concebido como homenaje a su admirada Dusty Springfield, que encierra 'I only want to be with you', canción escrita por Ivor Raymonde en 1963.

(No sé qué me hace amarte así / Lo único que sé es que no quiero dejarte ir / Porque tú has dado comienzo a algo / Oh, ¿no lo ves? / Pues desde que nos vimos, me tienes atrapada / Y es del todo verdad/ / Me da igual adonde vayas o lo que hagas / Quiero pasar todos los momentos del día contigo / Mira lo que ha pasado por un beso / Nunca me imaginé así de enamorada / Es una locura, pero es cierto, sólo quiero estar contigo)

Roxy Music

Roxy Music - "Love is the drug"

Roxy Music, la banda glamurosa de rock cuya música encontraba su mejor expresión rodeada de arte y moda de vanguardia, se formó en 1971 de la mano de Brian Ferry. Durante diez años forjaron un sonido elegante y experimental absolutamente nuevo.
Aunque Roxy Music tenía en Brian Ferry la voz e inspiración pop/soul, además de su dirección artística, los dos primeros álbumes del grupo contaron con Brian Eno, un mago de la electrónica cuya aportación aseguraba paisajes sonoros impredecibles.
Roxy Music, integrado también por los notables Andy Mackay (saxo) y Phil Manzanera (guitarra), publicó en 1973 "Country life", el pináculo de sus habilidades a la producción y la disonancia, de lo que "Casanova" o "The thrill of it all" son un ejemplo.
El arte por el arte de Roxy Music encuentra su lugar en la portada misma del álbum "Siren" (1975), con la modelo Jerry Hall en pose de sirena reptante, y en su gran éxito "Love is the drug", de ritmo y letra galopantes. Al bajo, John Gustafson.

("No tiene importancia esperar a que suene la campana/Tañido de la campana, fortalecido por la espera durante días/Voy a merodear al barrio de las luces rojas/Exultante y enardecido, a ver qué encuentro/El amor es la droga, y yo necesito comprarla/Mostrarse ostentoso, conseguirla y largarse/Los chicos encuentran a las chicas donde la tensión no decae/Anudado, no puedo soltarme de ella/El amor es una droga")

The Moody Blues

The Moody Blues - "Tuesday afternoon"

Los Moody Blues comenzaron a triunfar en 1967 con una mezcla de rock sinfónico y satinada psicodelia al servicio de canciones de esplendor romántico, que parecían nacer de la introspección reflexiva propiciada por las luces y sombras del atardecer.
Los Moody Blues se formaron en Birmingham en 1964. Ray Thomas (armónica, voz) y Mike Pinder (teclados, voz) pusieron los primeros pilares del grupo. Como banda de rythm & blues, tuvieron un temprano éxito con una versión de "Go now".
A la llegada de Justin Hayward (guitarra, voz) y John Lodge (bajo, voz), a finales de 1966, surgió un proyecto discográfico que ellos convirtieron en "Days of future passed" (1967),  experimento orquestal de canciones resonantes, entre ellas "Nights in white satin".
Acompañados de la Sinfónica de Londres, de allí también salió "Tuesday afternoon". Potenciando recursos instrumentales y vocales con el uso del melotrón y técnicas de estudio, ahondaron en su apasionado lirismo. Y, al menos hasta 1972, sus discos cautivaron.

("Tarde de martes/Ahora empiezo a ver/Ahora estoy en el camino/No me importa/Ir corriendo tras las nubes/Algo me está llamando/Los árboles me atraen junto a ellos/Tengo que saber por qué/Las voces delicadas que oigo/Lo explican todo con un suspiro/Y al contemplarme hay reflejos de mi mente/Es un día para olvidarme de mí mismo")

Jolie Holland

Jolie Holland - "Mexico city"

Jolie Holland (Houston, 1976) es una artista fiel a la fuentes de la música tradicional americana, sea el blues, el folk o el jazz, y a sus grandes intérpretes, de lo que resulta una obra que puede parecer sobria, pero siempre es poética y emotiva.
En la biografía de Jolie Holland resalta una necesidad por viajar y aprender que la lleva a residir en distintos lugares: Nashville, San Francisco, Nueva Orleáns... También Vancouver, en donde primero se dio a conocer con el grupo Be Good Tanyas en 2001.
El reflejo de una vida fluctuante está presente en "Catalpa" (2003), álbum de presentación, poblado de imágenes en blanco y negro, que el banjo de Enzo García y la guitarra de Brian Miller parecen situar en los Apalaches de medio siglo atrás.
"Escondida" (2004) es un viaje al encuentro con raíces del blues y del gospel. En "The living and the dead" (2008), Jolie Holland cambia de registro e instrumentación para ofrecer canciones que, como en "Mexico city", atraen cual aroma desconocido.

("Jack y Edie, tumbados en mi cama/Vuelan alto, igual que el espíritu de los muertos/Los vivos y los muertos/Nuestra Señora de los Dolores y de la noche larga y oscura/¿Cuántas velas podría encender por los muertos y los vivos?/¿Y ese humo negro que se levanta? ¿El mundo arde?/¿Y ese canturreo distante? ¿Es el coro celestial de vivos y muertos?")

The Verve

The Verve - "Bitter Sweet symphony"

The Verve surgió en el Manchester de principios de los noventa impulsado por Richard Ashcroft, un artista indómito y vanguardista, quien, sin abandonar inclinaciones neo-psicodélicas, acabaría triunfando con un sinfonismo pop bombástico pero arrebatador.
El otro componente necesario de The Verve fue Nick McCabe, creador con su guitarra de envolventes pliegues eléctricos. El resto de los mimbres lo componían: Simon Jones (bajo), Peter Salisbury (batería) y Simon Tong (guitarra, teclados), incorporado en 1996. 
A pesar de tensiones internas, problemas por consumo de drogas y litigios por derechos de autor, la obra de The Verve está pespunteada de hermosura y exploración interior. Así "A storm in heaven" (1993), debut discográfico.
The Verve despertó a la agitación del rock alternativo con "Northern soul" (1995). Sin embargo, el álbum que les alzó a lo más alto fue "Urban hymns" (1997), pues ahí se encuentran las esencias pop del grupo y "Bitter sweet symphony", una canción majestuosa.

("Porque esta vida es una sinfonía agridulce/Y en el intento de atar cabos/Mueres siendo un esclavo del dinero/Te llevaré por la carretera por donde yo siempre he circulado/A esa que te lleva a los lugares/Donde todas la venas confluyen/Nada de cambio, no voy a cambiar/Pero la mente me trae aquí/Soy un millón de personas distintas/Con cada nuevo día/Y no voy a cambiar mi mente")

Los Lobos

Los Lobos - "La pistola y el corazón"

Los Lobos, la veterana banda latina de Los Ángeles, aportan sabor mejicano a la enjundiosa olla musical norteamericana, rica en géneros y estilos, pero con su rock de country acidulado cotizan como para compartir escenarios con Bob Dylan o Neil Young.
Los Lobos surgieron en 1973 al conocerse David Hidalgo (guitarra, voz y acordeón) y Louie Pérez (percusión) en su época de estudiantes. A ellos se unirían César Rosa y Conrad Lozano. Su primer destino fueron bodas, restaurantes y fiestas.
"Los Lobos del Este de L.A." (1978), en línea Tex-Mex, no vendió pero avisaba de un grupo sólido. "...And a time to dance" (1983), aun mostrando su querencia por los ritmos norteños mejicanos, les puso ya con pie firme en el rock & roll.
Los Lobos, que con su versión de La Bamba en 1987 llegaron al gran público, han publicado recientemente "Tin can trust" (2010), álbum de sensibilidad soul. "La pistola y el corazón" daba título al que en 1988 contenía canciones de la tierra de sus padres.

("I don't know how to tell you/ I don't know how to explain/That there is no remedy for what I feel inside/The moon tells me one thing/The stars tell me another/And the light of day sings me this sad, sad song/The kisses you gave me, my love/Are the ones that will kill me/And the tears I've cried are drying/With my pistol and my heart")

Have you ever seen the rain?

Creedence Clearwater Revival (Have you ever seen the rain?)

La Creedence Clearwater Revival propuso un rythm & blues pantanoso muy del gusto de las salas de baile, pues estaba enriquecido con la energía del rockabilly, sin importar que en la bahía de San Francisco dominara entonces la experimentación psicodélica.
La banda de John Fogerty, el artista portentoso cuya guitarra, voz y composiciones constituían la señal de identidad de CCR, comenzó en 1964 como The Golliwogs, formación que ya reunía al resto de los músicos: Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford.
La Creedence se estrenó a lo grande con el álbum epónimo de 1968, iniciando un festival de canciones vibrantes y laureadas que se prolongaría durante más de dos años. En esta ocasión, una tremenda versión de 'Suzie Q' resplandecía sobre las demás.
La CCR dejó repetida constancia  del genio de John Fogerty y de su propia inagotable fuerza rítmica. Destacar de su discografía: Willie and the Poor boys (1969) y Cosmos factory (1970). De Pendulum (1970) procede 'Have you ever seen the rain?'.

(Hace tiempo alguien me dijo que la calma precede a la tormenta / Ya sé, se ha ido formando desde hace tiempo / Según dicen, cuando desaparezca, lloverá en día soleado / Y tendrá el brillo del agua / Me pregunto si has visto caer lluvia en día soleado / Ayer, y antes, el sol fue débil y la lluvia fuerte / Así ha sido siempre, y así continuará siendo)

Lana del Rey

Lana del Rey - "Chelsea Hotel n. 2"

Ventas millonarias y seguimiento masivo en las redes sociales dan fe del carisma de Lana del Rey (Nueva York, 1986), una artista que ha sabido imantar sus inicios discográficos con un moderno y atractivo halo de extemporaneidad.
La chica que empezó a actuar en locales de Brooklyn con 18 años, ya había jugado con el alcohol y sus excesos, había estudiado lejos de casa y se había interesado por la metafísica en la universidad. No fue fácil, pero en su voz de contralto había magia.
Internet premió el esfuerzo de cinco años de actuaciones en directo, que apenas le daban para vivir, cuando "Video games", la canción que había colgado en la red, la convirtió en toda una sensación. Al año siguiente publicó su primer álbum.
"Born to die" (2012) se basó en la ola creada por "Video games", pero también en el hechizo cierto de su voz y estilo. Lana del Rey, que bajo su pose glamurosa oculta un alma beatnik, rendió tributo al Leonard Cohen de "Chelsea Hotel n.2" en 2013.

("Te recuerdo muy bien en el hotel Chelsea/Hablabas de manera decidida y dulce/Y en la cama por hacer, me hiciste una felación/Mientras las limusinas esperaban en la calle/Esas eran las motivaciones y eso era Nueva York/Corríamos tras el dinero y la carne/Y decían que era el amor de los trabajadores de la canción/Probablemente lo siga siendo para los que aún quedan/Pero te marchaste/¿No es verdad?")

The Waterboys

The Waterboys - "Fisherman's Blues"
The Waterboys fue la creación de Mike Scott, artista nacido en Edinburgo en 1958, quien alentó una banda por la que, aun con numerosos cambios de personal, siempre han corrido aires grandiosos procedentes del folclor celta y del anhelo romántico. 
Al anuncio de Mike Scott en un diario, respondieron Anthony Thistlethwalte (multi-instrumentista) y Kevin Wilkinson (bajo), el núcleo de  "The Waterboys" (1983) y "Pagan place" (1984), discos que apuntan ya al sonido dramático característico del grupo.
Este línea se enriqueció con otra más melódica en "This is the sea" (1985), el álbum de la consagración. Mike Scott recaló después en Irlanda, en donde apreció un modo de vida y una tradición musical que servirían para apuntalar el siguiente proyecto.
The Waterboys, convertidos en circunstancial familia rural de músicos, se rodean en "The fisherman's blues" (1988) del buzuki, la flauta, el violín o el acordeón, para presentar un obra de tono épico pero enraizada en el folk irlandés.

("Ojalá fuera un pescador/A la deriva por el mar/Lejos de tierra firme/Y sus amargos recuerdos/Y arrojara mi dulce sedal/Con abandono y amor/Sin cielo nuboso por encima/Y tuviera un firmamento de estrellas/Que alumbrara mi cabeza/Y a ti en mis brazos.../Ojalá fuera el maquinista/De un tren desenfrenado/Lanzado al corazón de la tierra...")

Out in the rain

JULIE MILLER (Out in the rain)

Julie Miller, en una mezcla de candor personal y firmes creencias religiosas, ha producido una obra atípica pero de gran pureza que, traducida en diversos géneros, tiene el encanto de la frescura y de lo poco habitual.
La voz angelical de Julie Miller (Texas, 1956) destacaba ya de adolescente, pero su carrera se inició colaborando tempranamente con el guitarrista y compositor Buddy Miller, su esposo desde 1981. De 1985 datan las primeras grabaciones en forma de demo.
Sus tres primeros discos son folk de inspiración cristiana (Meet Julie Miller, 1990; He walks through walls, 1991; y Orphans and Angels, 1993). Este último contenía 'All my tears', canción emotiva de la que Emmylou Harris hizo una gran versión.
Julie Miller fortaleció el dinamismo de los arreglos y renovó temas con Blue Pony (1997), un enorme éxito que se acentuó con Broken things (1999), álbum pasional, con Lucinda Williams y Patty Griffin, y en donde puede escucharse 'Out in the rain'.

(Todas estas calles me conocen / Las sombras esconden murmullos / Con ojos de neón, la noche no deja de mirarme / Y si te han visto, no hablarán / Piensas que quizá se pondrán de tu lado / Ahí, bajo la lluvia, continúo andando / Bajo la lluvia, como los que van con el corazón roto / Podría equivocarme, pero ahí me encontrarás / Bajo la lluvia, buscándote)

Time ain't nothing

GREEN ON RED (Time ain't nothing)
Green on Red, banda americana de Tucson, se dio a conocer a principio de los ochenta con un rock campestre y nervioso de textura psicodélica que alumbró ángeles y hombres perdidos en un sueño de gasolineras y carreteras polvorientas.
Green on Red tuvo a dos destacados músicos: a Dan Stuart (guitarra, voz), alma fundadora del grupo, y, aunque no al comienzo, a Chuck Prophet, compositor y guitarra rítmica. También despuntaba el colorismo de Chris Cacavas a los teclados.
A los surcos agitados y melódicos de Green on Red (1982), siguió Gravity Talks (1983), disco con animados juegos de guitarras; No free lunch y Gas, food and lodging, ambos de 1985, los consolidaron entre el nuevo country-rock de la época.
Pero la fórmula se repitió sin novedades, y Green on Red empezó a perder perfil e interés entre el público, circunstancias que los llevaron a disolverse en 1990. 'Time ain't nothing', o el tiempo no es nada cuando perdura el fulgor interior, es de No Free lunch.

(Andando por carreteras polvorientas / Buscando sapos de cuernos / Con el sol en la espalda / Y el pensamiento en gente que ya no está / Recuerdos que nunca duran / Cuando eres joven e inocente / El tiempo no es nada / Cuando tienes corazón joven / Y tu alma aún arde / He visto días lluviosos / Días de sol que nunca acaban / Y continúan en la noche)

Witches' song

MARIANNE  FAITHFULL (Witches' song)

Marianne Faithfull entró a fomar parte de la aristocracia artística londinense siendo pareja de Mick Jagger, pero tras su ruptura vivió un periodo turbulento del que, sin embargo, surgiría convertida en punta de lanza del rock femenino a partir de los ochenta.
La joven que en 1965 rendía una lúgubre versión de 'Sister Morphine' tenía ascendentes de alcurnia y había pasado por escogidos colegios, pero nada de esto marcó su destino como el encuentro con sus Satánicas Majestades, los Rolling Stones. 
Tocando la fibra íntima de su ser, Marianne ha creado álbumes sinceros que pueden ser nocturnales (Strange weather, 1987), desolados (A secret life, 1995), de teatro-cabaret (20th Century Blues, 1997) o de prístina modernidad (Kissin' time, 2002).
En 1979 Marianne Faithfull había publicado Broken English, el disco desafiante y amargo, de compleja estructura musical, que entierra la edad de la inocencia para abrazar peligrosas tentaciones de la vida adulta, como desvela la implosiva 'Witches' song'.

(Hermana, ¿podremos vernos esta noche, bañadas en una salutación mágica? / ¿Podremos encontrarnos en lo alto de la colina, allí donde se encuentran los dos senderos ? / Formaremos un círculo, nos cogeremos de la mano y cantaremos / Que el de arriba sepa lo que queremos / El peligro es gran gozo, la oscuridad refulge como el fuego)

Billy Joe Royal

Billy Joe Royal - "Down in the boondocks"

Billy Joe Royal fue durante más de veinticinco años un asiduo visitante de las listas de éxito americanas, con canciones de estructura country interpretadas en un registro vocal asimilable al de grandes intérpretes negros de música soul.
Billy Joe Royal nació en Valdosta, estado de Georgia, dentro de una familia animadora de espectáculos y vinculada a la radio local, lo que favoreció su pronta inclinación musical. En Atlanta, con catorce años, ya tuvo en The Corvettes su primera banda de rock.
Fue en esos años cuando conoció a Joe South, el célebre autor de "Games people play". Y él le prestaría y produciría en 1965 un tema que resultó determinante en el fulgurante despegue de la carrera de Billy Joe Royal.
Pues aunque su estrella volvió a brillar repetidamente ["Heart's desire" (1966), "Tell like it is" (1989), y tantas otras], Billy Joe Royal alcanzó su mayor fama con "Down in the Boondocks", una canción sobre las desventuras de un joven nacido en la pobreza.

("Allá en los arrabales/La gente me menosprecia/Por haber nacido en esa parte de la ciudad/Yo la amo, y ella a mí, pero no quedo bien en su sociedad/Señor, ten piedad de un muchacho de los arrabales/Todas las noches miro las luces de la casa en la colina/Amo, y siempre amaré, a una jovencita que allí vive/Pero no me atrevo a llamar a su puerta...")