Bobby Womack

Bobby Womack - "Nothin' can save ya"

La impactante biografía musical de Bobby Womack se extiende a más de medio siglo, remontándose a los años cincuenta cuando, en compañía de sus cuatro hermanos, formaba parte del grupo de gospel The Womack Brothers.
Esos tempranos inicios cambiaron de signo en los sesenta con The Valentinos, el nuevo proyecto de orientación rythm & blues que apadrinó Sam Cooke, y del que saldría "It's all over now", que fue un triunfo para los Rolling Stones.
Desde entonces su nombre fue agigantándose, y Wilson Pickett ("I'm in love"), Frank Sinatra ("Fly me to the moon"), Janis Joplin ("Trust me") o Mamas & Papas ("California dreaming") convertirían sus canciones en tremendos éxitos.
La propia discografía de Bobby Womack cosecha no menos de doce grandes álbumes, entre ellos el reciente "The bravest man in the universe" (2012), en donde "Nothin' can save ya" se abre a una hipnótica ambientación futurista en clave funk.

("Estaba como soñando/Y mi corazón hacía planes/Intentando resistir/Pero todo se me estaba escapando de entre las manos/¿Me escuchabas?/¿Estuve cerca de tu corazón?/Me esforcé por llegar hasta ti/Pero tuve que renunciar/Me parece que nada puede salvarte")

Eilen Jewell

Eilen Jewell - "Warning signs"

Eilen Jewell, la cantante americana de Idaho, empezó aprendiendo piano, que cambiaría por la guitarra a los catorce años, justo cuando llegaban a sus oídos las voces y sonidos de Bessie Smith, Bob Dylan o Loretta Lynn.
Eilen Jewell tuvo el paisaje cambiante de las vidas americanas. Estudió en Santa Fe y luego se trasladó a Los Ángeles, lugares en donde actuó en bares y clubes, pero Somerville (Massachusetts) le proporcionó en 2004 su cuna musical.
En esta época conoció a Jerry Miller (guitarras eléctrica y steel), a Johnny Sciascia (doble bajo), a Jason Beek (percusión) y a Daniel Kellar (violín), con quienes grabó "Boundary County (2006), un álbum a caballo entre el country y el folk.
"Letters from Sinners and Strangers" (2007) convence como una variante de folk moderno. En su último disco, "Queen of the minor key" (2011), recibido como rotunda afirmación artística, se encuentra "Warning signs", una briosa confesión.

("Tejimos una red viscosa dentro de un juego sucio/Y yo caí hipnotizada/Tu talismán maléfico y tu extraño vudú/Me dejaron ciega/Sólo quedó el caparazón de la chica/Que tú dejaste/No pude ver, no pude ver/Descuidé las señales de alerta/Había señales alertándome/Y me decían que eras malo, pero te quería para mí")

The Dandy Warhols

The Dandy Warhols - "Little Drummer Boy"

The Dandy Warhols han transitado por el rock de garaje, el power pop, el tecno pop y la electrónica, con claras influencias de Lou Reed, David Bowie o Duran Duran, en una permanente búsqueda que deja indescifrada su verdadera identidad.
The Dandy Warhols se formó el año 1994 en Portland en torno a su guitarrista Courtney Taylor, quien comenzó haciendo del sonido más anárquico y deshilvanado de la Velvet Underground eje del trabajo del grupo.
Su primer disco destacado, "Thirteen tales from urban Bohemian" (2000), contiene canciones de las que emana un pop épico de densa textura. El interesante "Welcome to the monkey house" (2003) expresa máximamente esta misma línea.
The Dandy Warhols también visitaron en 1995 temas clásicos del cancionero navideño en un EP extra dedicado a la Navidad, del que "The little drummer boy" fue su movida versión de El pequeño tamborilero.

("Ven, me dijeron, pa, pa, pa/A ver el nacimiento de un nuevo Rey, pa, pa, pa/Y traigamos nuestro mejores regalos, pa, pa, pa/Para ponerlos ante el Rey, pa, pa, pa/Pequeño Niño, pa, pa, pa/Yo también soy un chico pobre, pa, pa, pa/No tengo regalos que traer, pa, pa, pa/Y depositar ante el nuevo Rey, pa, pa, pa/María asintió, pa, pa, pa/El buey y el cordero mantenían el ritmo, pa, pa, pa/Y yo toqué el tambor en honor a Él")

Joan Armatrading

Joan Armatrading - "Fire and ice"

Joan Armatrading, la cantautora caribeña nacida en St Kitts que llegó de niña a Inglaterra, dejó ver su llama artística primero en conciertos universitarios y luego en el musical Hair, en donde contactó con la letrista de Guayana, Pam Nestor.
Juntas colaboraron en "Whatever's for us" (1974). Pero el disco que la hizo grande fue "Joan Armatrading" (1976), que envuelto en arreglos jazzísticos contenía "Love and affection" y a Glyn Johns, productor de los Who, en los créditos.
En Joan Armatrading hay un compendio de rock elegante de raíces folk-soul que engrandecen una voz poderosa y temas sinceros y de carácter personal, de los que el exitoso "Me, myself, I" (1980) puede ser un un ejemplo.
Joan Armatrading vivió una época de retroceso comercial en los noventa, pero "Lover's speak" (2003) le devolvió el favor de la crítica y marcó su reencuentro con preciosas baladas, como la límpida "Fire and ice".

("No quiero saber todo sobre ti/No puedo amar todo lo que tú haces/No, chico, no quiero tener a otra persona.../Nunca podría tener a otro amante como tú/Como aceite y agua, no combinamos/Pero algo nos mantiene unidos/Luchamos/Fuego y hielo/Negro es blanco/Noche es día.../Pero cuando la pelea acaba/Tú dices 'sí'/Y yo digo 'sí")

Duffy

Duffy - "Mercy"

Duffy, la cantante galesa nacida en 1984, tuvo un comienzo espectacular en 2008 con el muy galardonado "Rockferry", convirtiéndose junto a Amy Winehouse en sólido valor de la música soul británica.
Superando un entorno familiar desfavorable, la suerte de Duffy empezó a florecer en 2003 cuando participó en un programa caza-talentos de la televisión galesa, y conoció después a Bernard Butler, antiguo guitarra del grupo Suede.
El álbum "Rockferry ", que debe gran parte de su enorme éxito a las tareas de producción de ese músico, tiene momentos de gran altura en los que se proyectan las sombras chinescas de Dusty Springfield y Ann Peebles.
El siguiente álbum, "Endlessly" (2010), producido por Albert Hammond, aunque aceptable, es claramente un trabajo de transición que se resuelve en más adornos y menos convicción. "Mercy", del primero, es soul honesto y festivo.

("Sí, sí, sí, te quiero/Pero tengo que mantenerme firme/Mis principios están por los suelos/Te pido por favor/Que dejes de hacer juegos/No sé qué es esto/Pues me tienes atrapada/Como bien sabías que pasaría/No sé qué hacer/Tú sabes actuar muy bien/He caído bajo tu embrujo")

Joe Cocker

Joe Cocker - "Don't let me be misunderstood"

Joe Cocker se convirtió en un grande del rock de los setenta gracias a la pasión arrolladora con que dio vida a canciones propias y a otras de estrellas como los Beatles, Bob Dylan, Leonard Cohen o Leon Russell.
Joe Cocker provenía de Sheffield, que le prestó los pubs del lugar para curtirse como artista. Su momento llegó cuando, a la edad de 22 años, con Chris Stainton (bajo, teclados), entre otros, formó en 1966 la Grease Band.
Entre 1969 y 1970 Joe Cocker publicó los tres álbumes en donde se asienta su fama legendaria. Quizá el más sonado sea el soul pantanoso de "Mad dog and Englishmen", producto de la gira americana con una docena de músicos.
Las sudorosas interpretaciones que conforman "With a little help from my friends", de 1969, alcanzan grados de máxima intensidad, como en la popular "Don't le me be misunderstood", que primero cantó Nina Simone.

("Tienes que comprenderme, mi pequeña/A veces estoy un poco fuera de mí/Pero ya sabes que nadie que esté vivo/Puede ser siempre un ángel/Cuando las cosas van mal, parece que fuera malo/Pero sólo soy un alma bienintencionada/¡Oh, Señor! No dejes, te suplico, que me malinterpreten")

Joan Baez

Joan Baez - "Diamonds and rust"

Joan Baez cinceló su nombre con letras mayúsculas en la gran tradición folklórica americana de acento en el compromiso político por la defensa de las minorías, los derechos civiles y las libertades. 
Con una voz sin otros límites que el cielo, la artista estrenó década con "Joan Baez" (1960), un álbum enraizado en el cancionero tradicional. La sencillez y verdad se repitió con "Joan Baez, vol. 2" (1961).
"Joan Baez in concert, part I" (1962) y "Joan Baez in concert, part II" (1963) recogen interpretaciones en directo. Si en el primer álbum hay ecos de los espirituales negros, del blues y del gospel, el segundo guarda dos versiones de Bob Dylan.
En 1961 Joan Baez conoció a Dylan en Nueva York. Entre ellos se inició una relación artística y sentimental que terminó en 1965, todavía evocada con gran fuerza en la canción que da título a "Diamonds and rust", disco de 1975.

("No hay remedio.../Tu fantasma regresa otra vez/Pero no es extraño/Porque coincide que es luna llena/Y tú acabas de llamar/Aquí estoy sentada/Al teléfono/Escuchando una voz que conocí/Hace un par de años luz/Sin poder detener la caída.../Ahora todo me viene con claridad/Sí, te amé generosamente/Si lo que ahora me ofreces son diamantes y herrumbre/Yo ya te pagué...")

No fun

THE STOOGES  (No fun)

The Stooges, el grupo que Iggy Pop lideró a finales de los sesenta, con su rock mugroso y provocador, además de ser una absoluta excentricidad en la época se rodeaba de una fuerza intimidante de poderosa fascinación.
Junto a Iggy Pop, formado en el blues pero luego reconvertido en el desenfrenado vocalista precursor de los excesos del punk-rock, estaban los hermanos Ron y Scott Asheton, y David Alexander, guitarra, batería y bajo, respectivamente.
El grupo se estrenó con The Stooges (1969), producido por John Cale, que podría considerarse descarnado sonido de garaje si no fuera porque la influencia de artistas como Lou Reed o Jim Morrison le añaden sofisticación urbana.
Su segundo trabajo, Funhouse (1970), con técnicas de grabación del directo, da rienda suelta a la desbordante energía implosiva ya anunciada en el primer álbum, al que pertenece la canción 'No fun'.

(No tiene gracia, chica, ninguna gracia / Tener que ir dando vueltas / Sintiéndome como de costumbre / Ninguna gracia dar vueltas / Colocado y al encuentro de un nuevo día /No tiene gracia, chica, ninguna gracia /I r de un sitio a otro / Y andar sin compañía / No es divertido estar solo / Sin ningún otro amor / Bueno, quizá salga, o quizá me quede en casa / Quizá llame a mamá por teléfono)

Bon Iver

Bon Iver - "For Emma"

Justin Vernon, natural de Wisconsin, renació artísticamente con el nombre de Bon Iver en 2008, cuando publicó "For Emma, forever ago", un álbum que la prensa musical especializada consideró entre lo mejor aparecido en el año.
Un éxito inesperado que vino tras dejar Deyarmond Edison, grupo folk con lazos en el country alternativo. Este hecho y una enfermedad hepática lo apartaron tres meses a una cabaña entre el frío y la nieve.
En su segundo disco, "Bon Iver" (2011), el artista claramente ha buscado no repetir la fórmula, pero su intento ha resultado en una sobreproducción algo fatigosa, lejos de la veracidad y el acierto de su primer trabajo.
En aquellos meses invernales de 2007, Bon Iver sumaba también el sinsabor de una separación sentimental, la génesis de un estado anímico que propició canciones como la bella y algo indescifrable "For Emma".

("Por cierto/Vi muerte sobre nieve alumbrada por el sol/Él: Para toda vida...Ella:Adelante con la parábola/Él: Busca la luz/Ella: El frío me llega a las rodillas/Corriendo a casa, corriendo a casa/Ella: Ve y búscate otra chica/Sedúcela, llévala contigo /A pesar de tus mentiras, sigues siendo adorable/Él: He buscado la luz/En muchos extraños caminos/ Por Emma, hace mucho tiempo de ello")

The Seeds

The Seeds - "The flower lady and her assistant"

Entre los aficionados a la psicodelia americana de los sesenta, el grupo The Seeds ha estado siempre especialmente valorado por haber representado una cautivadora y original simbiosis de sonido de garaje y pop floral.
Sky Saxon, voz y principal compositor, fue el alma hippy y contracultural de The Seeds, que se completaba con Jan Savage (guitarra), Daryl Hooper (teclados) y Rick Andridge (batería). Sus tres primeros discos se recordarán siempre.
La música de The Seeds, cuando se acerca a los Rolling Stones, está varias vueltas más revolucionada, como en "A web of sound" (1966), y cuando en "Future" (1968) miran a los Beatles los sobrepasan con creces en psicodelismo.
Éste último álbum, que no podía sorprender como el primero, fue sin embargo la expresión más delirante  de The Seeds, el testamento de una gozosa y desbordante imaginación, como bien se aprecia en "The flower lady and her assistant". 

("Hela ahí trabajando en su jardín/La dama de las flores y su ayudante/Lilas y amapolas, flores rojas como sangre/Trabajando duramente hasta el día de su muerte/La dama de las flores y su ayudante/Un vestido estampado de amarillo, ella oscurece lo demás.../Perdida en sus sueños/La dama de las flores y su ayudante/Pasan por la vida bailando cual mariposas..." 

Patti Smith

Patti Smith - "Dancing barefoot"

Patti Smith ha respondido apasionadamente a la llamada de la creación artística, y desde sus años junto al fotógrafo Mapplethorpe no ha dejado de vivir entregada a los múltiples caminos que le dicta su genio.
Patti Smith no había andado por un lecho de rosas cuando llegó a Nueva York en 1967. Si aquí se empleó en una librería, antes había sido trabajadora de fábrica. En 1969 visitó París, la tierra de Arthur Rimbaud, su poeta preferido.
Volvió para hacer teatro, música y poesía. Y en 1973, acompañada de Lenny Kaye, crítico de rock y músico, formó  el grupo con el que publicaría "Horses" (1975), un manifiesto de sensibilidad beat y sonido directo y emotivo.
Desde entonces, Patti Smith ha convertido su mirada lúcida e inconformista en una obra de valor musical y poético. En "Dancing barefoot", del álbum" Wave" (1979), se dice que canta a quien fue su marido y guitarrista, Fred "Sonic" Smith.

("Ella es una bendición/Ella le tiene adicción/Ella es la conexión primaria/Ella conecta con él/Aquí estoy y no sé por qué/He caído sin parar/Puede que él se esté adueñando de mí/Estoy bailando descalza/Entrando en una espiral/Una música extraña me atrae/Me hace sentirme como una heroína/Ella es la sublimación/La esencia de ti...")

Sixto Rodríguez

Sixto Rodríguez - "Sugar Man"

Sixto Rodríguez, nacido en Detroit en 1942 pero de familia mejicana, es uno de esos artistas cuyos méritos se han reconocido muchos años después gracias a entusiastas seguidores que han guardado viva la llama de su obra.

Si bien en 1967 ya grabó para algún sello pequeño, Sixto Rodríguez debe su fama a "Cold fact" (1970) y "Coming from reality" (1971), álbumes que en el mercado americano cayeron en la oscuridad.

Sixto Rodríguez lo tomó como una señal, dejó de grabar, estudió filosofía y volvió a su condición de trabajador en la construcción. Pero en Sudáfrica y Australia siguieron valorando y reeditando sus discos.

La música de Sixto Rodríguez, quien volvió brevemente a los escenarios a finales de los noventa, combina folk, rock y psicodelia. "Sugar Man", del primer álbum, es una grandiosa canción en torno al mundo pernicioso de la droga. 

("Hombre de los dulces, apresúrate/Porque este mundo me cansa/A cambio de una moneda azulada/¿No devolverías color a mis sueños?/Llevas contigo mágicos barcos plateados/Mujeres, coca, marihuana/Hombre de los dulces, hice amistad con un falso amigo/En una carretera solitaria y polvorienta/Y perdí el corazón/Cuando lo encontré estaba ennegrecido como el carbón.../Hombre de los dulces, tú eres la respuesta/Que disuelve mis preguntas")

Joan Jett & The Blackhearts

Joan Jett - "Cherry bomb"

Joan Jett fue toda una sensación en los ochenta con la energía explosiva y de ritmo pegadizo de su música, y su imagen desinhibida que la emparentaba con el descaro de los Rolling Stones y la extravagancia Glam.

Con quince años, Joan Jett formó parte de The Runaways, un grupo femenino de rock de alto voltaje que en 1976 publicó su primer disco, producido por Kim Fowley, el brillante artista y animador de la cultura freak de L.A. 

Joan Jett siguió siendo la chica desafiante que, con los Blackhearts, emprendió en 1980 una carrera en solitario, cuyos primeros frutos aparecieron en "Bad reputation" (1981), un puñado de canciones rompedoras.

El momento estelar de Joan Jett y su grupo llegó con "Glorious results of a misspent youth" (1984), en donde resuena la cruda inventiva de AC/DC y crean temas de movimiento trepidante, como el grito generacional de "Cherry bomb". 

("No puedo quedarme en casa ni estar en la escuela/Los mayores me dicen: 'Tú, pobre locuela'/Para los vecinos, soy la chica simpática de al lado/Pero soy la zorra que habéis estado esperando/Hola, mamá; hola, papá/Yo soy vuestra bomba de ce, ce, cereza/Hola, mundo. Yo soy tu chica salvaje/Yo soy tu bomba de ce, ce, cereza")

Bonnie "prince" Billy

Bonnie "Prince" Billy - "I see a darkness"

Bonnie "prince" Billy, que también se ha dado los nombres de Will Oldham y The Palace Brothers, es un artista que se resiste a la clasificación, pero en su voz entristecida y en sus afanes literarios se asienta una obra singular.

Bonnie "prince" Billy, nacido en Louisville en 1970, fue actor de cine y teatro antes de iniciar una carrera en 1992 que ha sido etiquetada como rock indie teñido de country, bien representado en "Ohio river boat song", su primer sencillo.

En el álbum "Days in the wake" (1994) predomina la simplicidad descompuesta de su guitarra acústica y obsesiones que giran en torno al pecado y la redención. "Joya" (1997) es un disco críptico y sombrío, no falto de atractivo.
"I see a darkness" (1999), la cumbre, presenta una gran diversificación musical bajo el minimalismo acostumbrado. La canción del mismo título transmite un sentimiento de fragilidad que Johnny Cash acentuó en una versión emocionante.

("Y bien, tú eres mi amigo (eso me dices)/Y puedes leer dentro de mí/Muchas veces hemos ido a beber juntos/Y hemos intercambiado ideas/Pero,¿te has dado cuenta de los pensamientos que tengo?/Bueno, ya sabes que profeso amor, amor a todos los que conozco/Y sabes que no desfallecerá mi impulso por vivir/Pero no sé si puedes ver que algo se me enfrenta.../Y entonces puedo ver una oscuridad")

Bill Fay

Bill Fay - "This world"

Bill Fay ha sido un nombre de culto y un artista muy estimado entre los coleccionistas de rarezas del pasado, debido a dos álbumes enigmáticos en el que se reconocen influencias de Bob Dylan y Nick Drake.

En el primero, "BIll Fay" (1970), ya está presente su folk de orquestación barroca como telón de fondo a sus fervientes canciones de autor, que en este disco adquiere a veces tonalidad psicodélica.

En "Time of the last persecution" (1971) Bill Fay orientó su música hacia el rock para transmitir un ideario inconformista de inspiración religiosa, llegando a momentos de maravillosa y compleja musicalidad.

El productor Joshua Henry ha conseguido con "Life is people" (2012) que Bill Fay rompiera un silencio de décadas. "This world", una de las canciones de este disco magistral, puede servir de feliz celebración por su regreso.

("Este mundo me tiene atrapado/No hay modo de poder escapar/A veces hay tanta locura en él/Que querría llorar y gritar/Este mundo es dueño de las llaves/Tengo que romperlas antes de que me rompa a mí/Algo tiene que suceder pronto/Algo que nos libere de este mundo")

Garbage

Garbage - "I think I'm paranoid"

Garbage fue la creación de Butch Vig (batería, percusión) y Steve Marker (guitarra, teclados), quienes primero habían triunfado como productores de Nirvana (Nevermind) y Smashing Pumkins (Gish).

Garbage consiguió aunar el rock grunge, de sonido denso y visceral, y el pop excitante de su vocalista Shirley Manson, la artista escocesa que ya destacaba en 1984 con un grupo menor, Goodbye Mr. McKenzie.

Garbage, formado en Wisconsin en 1994, debutaron ese mismo año logrando un álbum de ventas millonarias, gracias a canciones de ritmo intenso y bailable cuyas letras conformaban un mundo de deseos transgresores. 

Garbage publicó con igual éxito su segundo disco, "Version 2.0" (1997).  "I think I'm paranoid", la canción que Shirley Manson convierte en desmedida y moderna, es una fórmula acertada de rock alternativo y techno-pop. 

("Puedes mirar, pero no tocar/Mucho no te quiero, es lo que creo/Sólo el cielo sabe lo que una chica puede hacer/Sólo el cielo sabe lo que tú tienes que demostrar/Me parece que soy una paranoica/Y que soy complicada.../Rompe, Dóblame/Todo lo que quiero es tenerte a ti")

The Modern Lovers

The Modern Lovers - "Pablo Picasso"

Antes de ser conocido como cándido y excéntrico artista de culto, Jonathan Richman lideró The Modern Lovers, un grupo proto-punk de principio de los setenta admirador de la Velvet Underground.

El grupo de Jonathan Richman, guitarra y compositor, que se completaba con Ernie Brooks (bajo), David Rubinson (batería) y Jerry Harrison (teclados), se dio primero a conocer en Boston, su ciudad de origen.

The Modern Lovers despertaron grandes expectativas con animadas actuaciones en directo, pero no lograron asentar su trabajo discográficamente pese a contar con el interés de productores como Kim Fowley y John Cale.

Fue este último quien en 1972 dirigió unas grabaciones que cuatro años después se convirtieron en "The Modern Lovers", un disco de sencillez y frescura aún intactas. En "Pablo Picasso" se dibujan divertidas risas juveniles.

("Algunos intentan ligar con chicas/Y ellas acaban llamándoles culo-mierda/Esto nunca le pasó a Pablo Picasso/Que cuando caminaba por la calle/Las chicas no podían resistir su mirada/Y así a Pablo Picasso nunca le llamaron culo-mierda/Todas las chicas cambiaban el color verde del aguacate/Cuando él se paseaba en su El Dorado")

Emily Barker

Emily Barker - "Nostalgia"

Emily Barker, la nueva luz del firmamento musical australiano, es autora de tres interesantes álbumes hasta el momento en los que participan el trío femenino The Red Clay Halo.

La música de Emily Barker oscila entre pop tradicional y el folk de cámara, pues se rodea de instrumentos como el cello, el violín, el piano, el acordeón o la flauta, que sirven de acompañamiento a su privilegiada voz.  

Después de trabajar con el guitarrista inglés Rob Jackson y publicar conjuntamente dos álbumes, Emily Barker firmó en solitario "Fotos. Fires. Fables" (2006), muy bien acogido por la crítica inglesa y de su país. 

Su segundo disco, "Despite the snow" (2008), se abre con "Nostalgia", un tema en torno al poder transfigurador del amor, que ha recibido premios y la BBC utiliza de referencia para su serie policíaca Wallander.

("Cables de tranvías cruzan los cielos de Melbourne/Y cortan por la mitad mi corazón carmesí/Me sangran los nudillos en la calle Johnson/Ante una puerta que no debería tener en frente/Doce mil millas lejos de tu sonrisa/A doce mil millas de mí misma/De pie en la esquina de la calle Brunswick/La lluvia va cayendo")

Disarm

Smashing Pumpkins - (Disarm)

Smashing Pumpkins surgió como grupo de rock alternativo en los noventa de la mano de Billy Corgan, aunque pronto se sacudieron esta etiqueta gracias al masivo reconocimiento a una obra inicialmente impactante.

Smashing Pumpkins tenía su alma en Billy Corgan, guitarra, compositor y voz, pero también también se sostenía en James Iha, guitarra y letrista, y en la energía rítmicamente concentrada del batería Jimmy Chamberlain.

Smashing Pumpkins, con su amalgama de psicodelismo orquestado y alt-rock, con su sonido fuerte y su recurrencia al sentimiento de angustia, crearon tres álbumes excelentes: "Gish" (1991), de tono melodramático.

El tercero, "Mellon Collie and the infinite sadness" (1995) un doble álbum ambicioso y rupturista. Y "Siamese Dreams" (1993), que alimentándose de altas dosis de tensión anímica dio canciones como "Disarm".

(Desarmarte con una sonrisa / Y diseñarte de la manera que tú me pides / Borrar a ese muchachito / Que hay en mí y es parte de ti / Oh, los años queman / Fui un jovencito / Mayor antes de tiempo / Es cosa mía lo que elijo / ¿Qué debería hacer? / El asesino que hay en mi es el mismo que hay en ti / Esta sonrisa, te la envío a ti / Desarmarte con una sonrisa / Y abandonarte como ellos me abandonaron)

 

Lotte Lenya

Lotte Lenya - "September song"

Lotte Lenya, la actriz austríaca más universal del siglo pasado, fue un espíritu fuerte y libre, dos cualidades necesarias para afrontar los cambios sinnúmero en su vida personal y las exigencias de su completa dedicación al arte.

Lotte Lenya llegó a Zurich en 1914, aún adolescente, para aprender baile y canto clásico. Cuando en 1922 conoció a Kurt Weill, el gran compositor alemán de música operística y de teatro, fue como conocer su destino.

Kurt Weill, de quien se divorció y con quien volvería a casarse, la eligió para ser intérprete de sus grandes óperas, algunas escritas en colaboración con Bertolt Brecht, así la satírica "The Seven deadly sins". 

"September song" apareció en el musical "Knickerbocker holiday", estrenado en Broadway en 1933. Frank Sinatra, Lou Reed, Brian Ferry y tantos otros se han sentido fascinados por esta canción especialmente melancólica.

("Es mucho el tiempo que va de mayo a diciembre/Pero los días se acortan al llegar a septiembre/El tiempo otoñal da tonos grises a las hojas/Y no me queda tiempo para el juego de esperar/Los días menguan y cobran especial valor/Septiembre, noviembre y estos días maravillosos que paso contigo")

Eric Burdon & The Animals

Eric Burdon & The Animals - "Winds of change"

Eric Burdon se había distinguido en su Inglaterra natal como representante de un animoso rythm & blues, pero su imagen y estilo cambiaron al entrar en contacto con la contracultura americana y la experimentación psicodélica.

Entre 1967 y 1968, la conjunción Eric Burdon y los Animals dio tres obras poco comunes que reflejan cuán profundamente los cambios culturales habían invadido el terreno artístico y en particular el de la música popular.

"Twain shall meet again" (1968), el segundo de la serie, fue su particular búsqueda de la verdad, tan escurridiza como sus sonidos, y "Every one of us" (1968) aportó además blues arenoso y vivaces secciones habladas.

"Winds of change" (1967), el primero, ofrece un retablo de estampas expresionistas repleto de novedades. La canción del mismo título rinde homenaje a nombres que trajeron el cambio y sus promesas de felicidad.

("Hay vientos de cambio en el aire/Que van recogiendo hojas a su paso/Y la gente que son las hojas/Permanecerán en nuestros corazones/Con amor, hasta la eternidad.../B.B. King bramaba/Charlie Parker lloraba/Louis Jordan sonreía/Ray Charles gemía/Chuck Berry rockanroleaba/Fats Domino me hacía sentir bien/Sólo Elvis podía hacer aquellas cosas/Vinieron los Beatles, los Rolling/Algo nuevo estaba pasando...")

Tom Petty & The Heartbreakers

TOM PETTY (Learning to Fly)

Tom Petty dejó probado su romanticismo en el ya lejano Tom Petty & The Heartbreakers, de 1976, un disco en donde las guitarras brillan como móviles filamentos de color y parecen hermanarse con el punk.

El éxito de aquel disco estuvo precedido por Mudcrutch, el grupo que Tom Petty formó en 1970 junto a Tom Leadon (acústica), Mike Campbell (guitarra) y Benmont Tench (teclados), germen de los futuros Heartbreakers.

Tom Petty ha ido afirmándose como una de las voces y personalidad más atractivas del rock, hasta asociarse en 1998 a Traveling Wilburys, el desenfadado proyecto que compartió con G. Harrison, B. Dylan, R. Orbison y J. Lynne.

Más de quince álbumes jalonan su carrera, la de un músico honesto que ha firmado algunas canciones comerciales pero de gran mérito, una de las cuales es 'Learning to fly', incluida en Into de Great Wide Open (1991).

(Me aventuré en una sucia carretera / Empecé completamente solo / El sol declinaba cuando crucé la colina / La ciudad se iluminó, el mundo se detuvo / Estoy aprendiendo a volar, pero no tengo alas / Descender es lo más duro de todo / Los días felices de antaño puede que ya no vuelvan / Y  hasta los roquedales podrían fundirse y el mar hervir)

You are my sister

ANTONY AND THE JOHNSONS  (You are my sister)

Antony Hogarty, nacido en Inglaterra pero formado en California, es un artista de voz espectacular y sensibilidad a flor de piel, cuya obra, iniciada hace más de una década, explora magistralmente las muchas caras de la ambigüedad. 

Una ambigüedad que Antony Hogarty traslada a su propia sexualidad y a las imágenes de sí mismo, como manifestación visible de una naturaleza artística destinada a ser solitaria creación de dolor y gozo.

Antony and the Johnsons (2000) fue su estreno, un álbum revelador del instrumento poderoso de su voz y el espectro de su música, en calma tensa y rodeada de suntuosa orquestación: arpa, piano, flauta, cello, violín...

Y como Antony and the Johnsons ha seguido publicando nuevos trabajos, cinco hasta la fecha. La canción You are my sister' pertenece al disco I'm a bird now (2005), en la que colabora Boy George.

(Eres mis hermana / Nacimos inocentes y necesitados/  Hubo tiempo en los que fuimos amigos / Pero también en los que fui cruel / Por las noches te pedía que cuidaras de mi sueño / Tenía miedo a la noche / Y era como si te movieras por los lugares que yo temía / Vivías con ligereza en el interior de mi mundo / Sólo protegida por la dulzura de tu carácter / Eres mi hermana / Y te quiero)

Sally go round the roses

THE JAYNETTS  (Sally go round the roses)

The Jaynetts, un grupo vocal femenino con base en Chicago, grabaron en 1963 una canción apasionante, cubierta de fuerza y de un halo de misterio que la llevó a alcanzar el puesto dos en el Billboard Hot 100.  

Aquella canción, a la que dedicaron toda una semana en la producción, se titulaba 'Sally Go Round The Roses', despertando ecos que han movido a Tim Buckley, Pentangle o The Great Society a hacer sus propias versiones.

The Jaynetts lo componían cinco voces negras, pero en las sesiones de grabación dirigidas por Abner Spector, el productor de la compañía Tuff Records, participaron un buen número de músicos, incluidos aquellos que pasaban por el estudio.

The Jaynetts entraron merecidamente en la historia de la música popular con 'Sally Go Round The Roses', canción de ritmo funky, de arreglos vocales panorámicos y de una letra intencionadamente críptica.  

(Sally, ve a ver las rosas / Sally, ver a ver las preciosas rosas / Espero que este lugar no te haga daño / Las rosas no pueden hacerte daño / Sally, no vayas a la ciudad / Lo más triste en este ancho mundo / Es verte con otra chica.../  Sally, ve a ver las rosas / Ellas no contarán tu secreto... / Sally, muchacha, llora y deja caer tu pelo)

Buffalo Springfield

BUFFALO SPRINGFIELD  (For what it's worth)

Buffalo Springfield, un grupo excepcional de folk-rock formado en Los Ángeles a mediados de los sesenta, dejó una obra a la altura de la importancia de sus artistas, Neil Young y Stephen Stills entre ellos.  

Completaban Buffalo Springfield Jim Messina (bajo) y Richie Furay (rítmica), fundadores del grupo de country-rock Poco, Bruce Palmer (bajo), autor del apreciado The cycle is complete (1971), y el batería Dewey Martin.

En sólo dos años, Buffalo Springfield editaron tres álbumes que definían una esplendorosa línea complementaria, más campestre y coral, a la de los The Byrds. Con el segundo, Again (1967), alcanzaron la perfección. 

Pero Buffalo Springfield, de 1966, encerraba enormes tesoros cuya autoría se la repartían Neil Young y Stephen Stills, autor éste de 'For what is worth', una canción que aireaba los disturbios callejeros de aquel año en Sunset Strip.

(Algo está pasando aquí / No está muy claro qué es / Allí hay un hombre con una pistola / Diciéndome que me ande con cuidado / Creo que es tiempo de parar, hermanos, ¿qué es ese sonido? / Que todos miren a su alrededor / Las líneas de la batalla están trazadas / Nadie tiene razón si todo el mundo está equivocado)

 

Somebody to love

THE GREAT SOCIETY (Somebody to love)

La música cruda, voltaica y de caprichosos arabescos que The Great Society desplegaba en locales como Avalon Ballroom y Matrix en 1966, formó parte del esplendor inaugural del Sonido de San Francisco.

Los hermanos Jerry Slick (batería) y Darby (bajo) fueron los impulsores de The Great Society, pero sin Grace Slick, la voz electrizante e imagen señalada del grupo, hoy seguramente no serían tan recordados. 

En su corta existencia, The Great Society dejó algunos sencillos y sobre todo dos álbumes grabados en vivo, que, editados por Columbia en 1971, muestran la magia de su poder, equiparable a la de Big Brother & The Holding Company.

Una de su canciones estrella fue 'Somebody to love', escrita por Darby Slick como experiencia de una relación amorosa rota, luego popularizada por Jefferson Airplane cuando Grace se había unido a este grupo como cantante.

(Cuando la verdad se descubre como mentira / Y muere la alegría que hay en ti / ¿No querrías tener alguien a quien amar? / ¿No estás necesitado de alguien a quien amar? / ¿No te encantaría tener alguien a quien amar? / No dejes de encontarte con alguien a quien amar)

 

Coney Island winter

GARLAND JEFFREYS (Coney Island Winter)

Garland Jeffreys ha cubierto un largo camino, apasionado y de sabor multicultural, desde que en 1969 formara los Grinder's Switch, una banda extremadamente competente que daría apoyo al primer trabajo de John Cale.  

Garland Jeffreys nació en Brooklyn dentro de una familia afroamericana en donde, en los años cincuenta, escuchaban a las grandes voces del jazz y sentían de cerca las tensiones interétnicas de la vida del barrio.

Garland Jeffreys fue autor en los setenta de álbumes eclécticos y poderosos, como Ghost writer (1977) y Escape artist (1981), en los que el artista hace acopio  del pop o el reggae más contagiosos para crear algunas canciones inolvidables.

En 2012, tras un lapso de trece años, Garland Jeffreys ha ofrecido The king in between, y la buena noticia es que su energía e inspiración siguen intactas, tal como se aprecia en la desafiante 'Coney Island Winter'.

(Golpea la vanidad / Habla la humildad / La locura vive al pie de la calle / Es una historia de cada día / Los políticos  me importan un comino / Sus promesas se rompen como el cristal / La realeza está de capa caída / Quisiera besar la tierra / 22 paradas hasta llegar a la ciudad / Hace frío y no queda tiempo para llorar... / Invierno en Coney Island)

Jesse Harris

Jesse Harris - "Don't know why"

Jesse Harris (Nueva York, 1969), un talentoso músico en cuyos trabajos se mezclan el folk, el rock y el jazz, se dio a conocer al gran público en 1999 con la formación The Ferdinandos, en la que destaca el guitarra Tony Scherr. 

Jesse Harris se formó en estudios clásicos de piano y guitarra, y, mientras, probaba sus habilidades como cantautor. Junto a la cantante Rebecca Martin, en 1995 publicó  "Once blue", disco de atractiva serenidad.

La carrera musical de Jesse Harris adquirió notoriedad con "The secret sun" (2003), dominado por el tono melodioso y reflexivo. Las aportaciones de Bill Frisell y Norah Jones distinguen "While the music lasts" (2004).

Jesse Harris había previamente colaborado en el álbum "Come away with me" (2002) de Norah Jones, quien hizo un éxito de la canción "Don't know why", compuesta e interpretada por él tres años antes. 

("Esperé hasta ver el sol/No sé por qué no vine/Te dejé junto a la casa de la diversión/No sé por qué no vine.../Cuando contemplé el amanecer/Sólo hubiera querido irme corriendo de allí/En lugar de estar arrodillado en la arena/Con las manos inundadas de lágrimas/Mi corazón está empapado de vino/Pero tú estarás en mi pensamiento/Para siempre")

Agnes Obel

Agnes Obel (Close Watch)

Agnes Obel (Copenhague, 1980) desarrolló su afición a la música a la sombra de una familia nada convencional que la orientó desde pequeña a la creación artística y especialmente a estudios clásicos de piano. 

Agnes Obel cita entre sus influencias modernas a artistas femeninas como P J Harvey o Joni Mitchell, algo que si se mezcla con lo aprendido tocando piezas de Claude Debussy o Erik Satie resulta en una amalgama muy interesante.

Nadie conocía a Agnes Obel, pero la fortuna quiso que una canción casera que había colgado en la red concitara el interés de Deutsche Telekom. A partir de aquí se le abrió una oportunidad que ella aprovechó.

Agnes Obel grabó Philarmonics en 2010, destacando su voz brumosa, la pureza del piano, los arreglos minimalistas y ... la foto de portada. Su versión de 'Close watch', escrita por John Cale, está revestida de tintes espectrales. 

(Nunca se gana o se pierde / No hay mucho que elegir / Entre el acierto y el error / Nada se pierde o se gana/Y aun así, entre tú y yo / Ya no es lo mismo / Sigo atenta a mi corazón... / Aún oigo tu voz por las noches / Al apagar la luz / Y me esfuerzo por serenarme / Pero no lo consigo / Porque no puedo vivir sin ti)

Bob Seger

Bob Seger - "Beautiful Loser"

Bob Seger, autor de música impetuosa pero también de baladas resonantes, ha conseguido estatus de figura legendaria desde su firmamento musical del medio Oeste americano. 

Bob Seger llegó en 1961 a Detroit con su primer grupo, The Decibels, para llegar a ser un célebre representante del sonido de la ciudad, que tan bien caracterizó la energía explosiva de MC5 o de Iggy Pop & The Stooges.

Pero Bob Seger tuvo que esperar a 1968, cuando publicó "Ramblin Gambling Man", al que siguieron  "Mongrel" (1970) o "Seven" (1974), para comenzar una trayectoria reconocida de entrega a un rock trepidante y honesto.

Con "Beautiful loser" (1975), el álbum que contaba con la Silver Bullet Band y músicos excepcionales como Spooner Oldham o Barry Becket, inició su gloria posterior. La canción del mismo título es un clásico de su repertorio.

("Quiere soñar como un joven/Y tener la sabiduría de un hombre mayor/Busca hogar y seguridad/Quiere vivir como marinero en el mar/Hermoso perdedor/¿Dónde vas a caer/Cuando te des cuenta/De que no se puede tener todo?")

Downtown train

TOM WAITS (Downtown train)

Tom Waits, artista de la desmesura, es el amigo de la noche y de la luna menguante, el que abraza a una farola y con voz tremenda canta a la oscuridad de la calle que su piano ha estado bebiendo.

Tom Waits quiso ser bohemio y refugiarse en los bares nocturnos, pero su talento especial le empujó a las compañías discográficas, a la interpretación teatral y cinematográfica, y le convirtió en el músico alternativo más grande de nuestro tiempo.

Closing time (1972), su primer álbum, fue un cóctel de canciones febriles escritas a media luz y entre botellas de cerveza. Small Change (1976) se empapó de jazz y puso la mirada en buscadores y solitarios.

Tom Waits publicó Rain dogs en 1985, obra cumbre de su carrera, en la que participa su mujer Kathleen Brennan y en donde entre ruidos y cacofonías se abre paso 'Downtown train', una preciosa balada vespertina de resabio amargo.

(Afuera otra luna amarilla / Ha agujereado la neblina de la noche / Trepo por la ventana y bajo a la calle / Brillo como una moneda nueva / Los trenes del centro van repletos de esa chicas de Brooklyn / Que se esfuerzan por zafarse de sus mundos estrechos / Las saludas con la mano y se espantan como cuervos / No tienen nada que pueda prendar tu corazón...)

Richard Hawley

Richard Hawley - "Open up you door"

Richard Hawley dio un giro espectacular a su carrera cuando se unió a la saga de grandes románticos que, como Roy Orbison o Scott Walker, revisten su música de melancólicas añoranzas.

Nacido en Sheffield en 1964, Richard Hawley inició su carrera musical a los 19 años, extraviándose en un par de grupos menores hasta reencontrarse en 2000 a través de su colaboración como guitarrista de Pulp.

"Richard Hawley" (2001), su primer trabajo, presentó un pop de cámara con tintes de cool jazz, pero "Coles Corner" (2005) fue su triunfo con una colección de sueños y deseos que se acompañan de lujosas orquestaciones.

Richard Hawley ha llegado muy alto con "Trulove's Gutter" (2009), un álbum que, aunque sobrio, está cargado de ternura y emotividad. En esta línea, "Open up your door" es una canción para la que no existe fecha de caducidad.

("El amor es muy difícil de encontrar/Y más de definir/Oh, abre tu puerta/Hay un tiempo que es para dar/Es lo que siento yo ahora/Abre la puerta/Abre tu puerta... Ya no puedo oír tu voz/Quiero hacerte sonreír/Y quizá quedarme contigo un tiempo/Abre tu puerta")

Glory box

Portishead (Glory box)

Portishead se erigió a mediados de los noventa en el referente indiscutible del trip-hop, el género musical que hizo de la electrónica una fuerza hipnótica y una fuente de musicalidad imprevisible.

El alma de Portishead es Geoff Barrow, guitarra e ingeniero de mezcla, cuyo trabajo en los estudios Coach House de Bristol le permitió conocer y aprender con Massive Attack y Tricky, también en las filas destacadas del trip-hop.

Otra de las piezas fundamentales de Portishead es Beth Gibbons, la voz que habitualmente envuelta en capas de sonido construye luminosidades y oscuridades alternantes con el poder de suspender la imaginación.

Dummy, el primer álbum de Portishead, se publicó en 1994, convirtiéndose al instante en un favorito de los aficionados a la música indie. La canción 'Glory Box' es una potente muestra del misterio y la pasión que sostenían al grupo. 

(Estoy cansada de jugar / De jugar con este arco y esta flecha / Voy a entregar mi corazón / Y dejar que jueguen otras chicas / Pues he sido una tentadora mucho tiempo... / Dame una razón para amarte / Dame una razón para ser una mujer / Sólo quiero ser una mujer)

Werewolves of London

Warren Zevon (Werewolves of London)

Habiendo tenido de padre a un jugador profesional de cartas, estaba escrito que Warren Zevon (Chicago, 1947), apostaría fuerte en la vida y pronto aprendería que siempre hay otra partida por jugar tras ganar o perder la presente. 

En el álbum de debut Warren Zevon (1976) se encontraban ya canciones que serían clásicas en su repertorio ('Desperados under the eaves', 'I'll sleep when I'm dead'...), caracterizadas con negro sentido del humor y melodismo sinfónico.

Cuando en 2002 supo de su cáncer pulmonar, Zevon renunció a tratarse y se rodeó de David Lindley, Jim Keltner y Ry Cooder, entre otros, para seguir trabajando y sacar The Wind (2003), su aplaudido álbum final. 

En 1978 había publicado Excitable boy, que, producido por Jackson Browne, volvía a presentar a un escritor de acerba ironía, pero esta vez atento a la sensibilidad pop que propicia el éxito. Y lo logró en su estilo, con la macabra 'Werewolves of London'.

(Vi a un hombre-lobo con un menú de comida china en la mano / Caminaba bajo la lluvia por las calles del Soho / Estaba buscando un lugar llamado Lee Ho Fook's / Y quería un plato grande de chow mein con carne de ternera / ¡Aaaúuuu! Hombres-lobo de Londres, ¡Aaauúuu! / Si le oyes aullar cerca de la puerta de la cocina / No le dejes entrar/Anoche mutilaron a una viejecita / Vuelven los hombres-lobo a Londres)

 

Yo la tengo

Yo la Tengo - "You can have it all"

Yo la tengo surgió en 1984 tras la publicidad que la pareja Ira Kaplan (guitarra, vocal) y Georgia Hubley (batería, vocal) hizo buscando músicos para un proyecto que abrazara el moderno rock indie y el clásico de los sesenta.

A esta idea se unieron temporalmente David Schramm (guitarra) y Mike Lewis (bajo), y así iniciaron una trayectoria que, urdiendo melodías y sonidos duros o distorsionados, recordaba a Velvet Underground o incluso a Love.

"Ride the Tiger" (1986) descubrió el brillante potencial de Yo la tengo, al que siguió "New wave hot dogs" (1987), un álbum que utiliza el feed-back para mostrar su vertiente más apasionada.

Yo la Tengo, ahora con el imprescindible James McNew (bajo), publicó en 2000 "And then Nothing turned itself inside-out", en donde el surrealismo no sólo está en la portada. "You can have it all" pertenece a ese álbum.

("Si tú quieres, quieres mi amor, tómalo chica/Si tú quieres, quieres mi corazón, tómalo chica/Es todo tuyo/Si tú quieres, quieres mi tiempo, tómalo chica/Si quieres mi último céntimo/Tómalo chica/Puedes quedártelo todo")

A girl like you

EDWYN COLLINS (A girl like you)

Edwyn Collins, fundador de Orange Juice, un grupo post-punk que obtuvo su mayor reconocimiento con Rip it up (1982), inició una carrera en solitario en 1985 para seguir ofreciendo su peculiar mezcla de pop y soul blanco.

Edwyn Collins, natural de Glasgow, ha rehuido pertinazmente el comercialismo, y así tanto Hope and Despair (1989) como Hellbent on Compromise (1990), son obras honestas que no rehuyen la pesadumbre.

Después de sufrir una hemorragia cerebral en 2005, Edwyn Collins sorprendió con Losing Sleep (2010), álbum de dinámica frescura en el que cuenta con la ayuda de Roddy Frame, antiguo líder de Aztec Camera.

Pero Edwyn Collins ya dio la campanada en 1994 con Gorgeous George, confirmación de su dominio de la melodía y de sus capacidades como escritor, cuya mejor muestra es 'A girl like you', una canción irresistible.

.

(Nunca antes había conocido una chica como tú / Como en una canción de tiempos pasados / Aquí vienes llamando, llamando a mi puerta / Y nunca antes me había encontrado una chica igual / Me has dado un día pero quiero más / Me sangran las manos y tengo las rodillas en carne viva / Pues has conseguido que vaya arrastrándome por el suelo)

Gordon Lightfoot

Gordon Lightfoot - "Early morning rain"

Gordon Lightfoot provenía de la provincia de Ontario, Canadá, y cuando en 1966, con veintisiete años, grabó su primer disco, inauguró una carrera que el mundo del folk contemporáneo laurearía repetidamente.

Gordon Lightfoot mostró pronto su madera de artista, pues en años escolares no sólo cantaba en coros de iglesia y en programas de radio, sino que también fue invitado al Massey Hall, el teatro de conciertos de Toronto.

Desde 1958, estuvo dos años en California para completar su formación musical, lo que le permitió entrar en contacto con el folk de gente como Pete Seeger o los Weavers. Albert Grossman, productor de Bob Dylan, le contrató en 1965.

Gordon Lightfoot tenía para el primer álbum, como fruto maduro de sus experiencias, grandes canciones, entre ellas "I'm not saying" o "Ribbon of Darkness", pero especialmente la desolada "Early morning rain".

("Bajo la lluvia de la madrugada y con un dólar en la mano/ Con pesar en el corazón y los bolsillos repletos de arena/Estoy muy lejos de casa, y echo a faltar a mi amor/Bajo la lluvia de la madrugada sin un sitio adonde ir/En la pista número 9 está listo un gran 707/Pero yo sigo sin poder moverme de este lugar, y el viento sopla frío")

Runing up that hill

KATE BUSH (Running up that hill)

Kate Bush, la reina indiscutible del pop británico, ha creado desde The kick inside (1978) un mundo artístico pleno de sugerencias estéticas y aventuras musicales que conjugan fantasía, atractivo y vanguardia.

En Wuthering heights', de aquel disco, y luego con 'Babooshka', del álbum Never for ever (1980), Kate Bush dejó atónito al mundo de la música con una voz pura y leve como las figuras que dibuja el viento.

Kate Bush ha enriquecido su obra con temas de la literatura o del cine, y de la complejidad de su producción musical han resultados álbumes que, como 50 Words for snow (2011), resultan en una experiencia absorbente. 

Kate Bush también cautivó al público con el álbum Hounds of love (1985), una obra ambiciosa que contiene pop orquestal de rara potencia. En 'Running up that hill' le propone ponerse en su lugar para mejor conocerse.

(¿Quieres saber qué se siente?/  ¿Quieres saber que eso no me hace daño? / ¿Quieres conocer el trato que propongo? / De ti, de ti y de mí se trata / Y si pudiera / Haría un trato con Dios / Y haría que intercambiáramos nuestros papeles / Iría corriendo carretera arriba / Iría corriendo colina arriba / Corriendo edificio arriba / Si pudiera...)

New Riders of the Purple Sage

New Riders of the Purple Sage - "Portland woman"

New Riders of the Purple Sage, una banda country-rock de principio de los setenta cuyas guitarras refulgían como la mies en primavera, nació tutelada por Jerry García y Mickey Hart, miembros de Grateful Dead. 

A partir de "Powerglide" (1972), su  segundo álbum, John Dawson y David Nelson, guitarra acústica y eléctrica respectivamente, más Dave Torbert, bajo, y Buddy Cage, steel guitar, buscaron una personalidad musical diferenciada.

NRPS, que por la rítmica y las armonías campestres se emparentan con los Byrds o los Flying Burrito Brothers, eran músicos procedentes de la cultura hippy, ligados a la carretera y a la hermandad de los conciertos en directo.

El álbum "N.R.P.S." (1971) es sin duda el que mejor condensa un sonido que somete el country a la prueba del ácido. En la aterciopelada "Portland woman", la fría soledad lleva a la búsqueda que preludia el amor. 

("Nos detuvimos en la ciudad de Portland/Después de estar en la carretera/Tocando rock & roll para mucha gente/Aún quedan tres noches/Pero si en ésta no encuentro a alguien/No podré llegar hasta el final.../Hace frío en Portland/ En esta época del año.../La muchachita que encontré/La he dejado atrás/Pero no me he sentido bien/Desde que salimos ayer/Y ahora estoy volviendo a Portland")

Joe Henry

Joe Henry - "Stop"

Además de productor de éxito, Joe Henry ha creado una escuela absolutamente personal, en donde se entrecruzan el jazz, el folk, el blues o el rock alternativo, como necesidad a su personalidad camaleónica e inquieta.

Originario de North Carolina, tras graduarse en la Universidad de Michigan, Joe Henry inició su carrera en clubes de Nueva York, y en 1986 logró lanzar "Talk to Heaven, álbum que, sin embargo, tuvo poca repercusión.

Joe Henry continuó con "Murder of crows" (1989) y "Shuffletown" (1990), éste producido por T. Bone Burnett. Pero "Short Man's Room" (1993), con ayuda de miembros de Jayhawks, marca el comienzo del aplauso de la crítica.  

En "Scar", de 2001, Joe Henry triunfa como escritor, y, además, Marc Ribort, guitarra, y Ornette Coleman, saxo alto, le ayudan a encontrar su voz más poética. De "Stop", una canción atrevida, Madonna hizo también su propia versión.

("No me digas que pare/Dile a la lluvia que deje de caer/Dile al viento que no sople/Porque tú lo quieres así/Dime que el amor no es verdad/Que es algo que hacemos/Dime todo lo que no soy/Pero no me digas que pare")

Rickie Lee Jones

Rickie Lee Jones - "It must be love"

Rickie  Lee Jones, a quien la generación beat hubiera tenido entre sus musas, ha ido entregando desde hace tres décadas álbumes de apasionada fibra artística y emocional. 

Atraída por la cultura musical de Los Ángeles, de la que Tom Waits formaba parte, su destino incierto cambió en 1979 con un colosal primer disco de folk, jazz y r&b, que además revelaba una voz de elasticidad sin límites.

Los dos siguientes ábumes, "Pirates" (1981) y "Girl at the volcano" (1983), complejo y experimental el primero, cautivador ejercicio de estilo e interpretación el segundo, confirmaron su estatus de gran estrella.

Rickie Lee Jones publicó en 1984 "The Magazine", el disco que fundía ritmo y pausados desarrollos, y añadía cuerdas y sintetizadores a canciones que, como en "It must be love", siguen sometidas al dominio apabullante de su voz.

("Debe ser el amor lo que me habla al oído/Debe ser amor lo que perseguimos escuchar/Porque mi imaginación ha hecho esta elección maravillosa/Imagino que tú oyes la misma voz/Cuando te hablo/Tú me dices que son sólo cosas mías/Pero no, no, no/Debe ser el amor/Debe ser el amor")

Dan Hicks

Dan Hicks - "I scare myself"

En sus años escolares en Santa Mónica, Dan Hicks empezó tocando la batería, pero cuando en 1968 se rodeó de los Hot Licks había cambiado a la guitarra para hacer música divertida, bailable y cercana al cool jazz.

Dan Hicks participó en The Charlatans, el grupo que con atuendos de elegantes countryboys animó en 1965 el Red Dog Saloon de Virginia, Nevada, haciendo un rock ácido precursor, fruto de experimentar con el LSD.

Pero a Dan Hicks le atraían músicas más propias de las orquestas de baile que de los viajes mentales. Lo prueba el sonido dulce y cálido de sus Hot Licks, en las voces de Tina Gancher y Sherri Snow, en el violín de Sid Page.

El álbum "Dan Hicks and His Hot Licks, de 1969, algo lastrado por una débil producción, presenta la fantástica "I scare myself", una pieza inspirada en fuentes que van del hillbilly al swing con sello en Django Rheinhardt.

("Me intranquilizo pensando en ti/Me intranquiliza no estar contigo/Me asustan los momentos en que tú no estás/Me intranquiliza dejar escapar mis pensamientos/Y cuando los dejo vagar/Sólo pienso en ti/Y cuando los dejo escapar/¿Qué puedo hacer?/Me intranquilizo/Y no poco")

The Common People

The Common People - "I have been alone"

The Common People, un grupo del área de Los Ángeles, es recordado por una apreciada rareza psicodélica de 1969, el álbum "The Common People's of the People/By the People/For the People" .

El vocalista y guitarra Danny Robinett firma los once temas del álbum, aunque la majestuosidad orquestal y los intrincados arreglos de cuerda de los tres primeros se deben al gran productor y compositor David Axelrod.

The Common People, una típica banda de garaje cuyos sencillos eran bien recibidos en las emisoras locales, crecieron hasta llegar a compartir escenario con nombres como Iron Butterfly o The Seeds.

El productor del álbum Tim Hudson quiso convertirlos en una versión americana de los Moody Blues. Y la canción "I have been alone", rodeada de misterio y una fuerza muy especiales, muestra algo de esas pretensiones.

("He dado vueltas/Intentando hacer ver a mi amor que ella es mía/Dándole mis sentimientos, dándole todo mi tiempo/He estado solo/Me pregunto qué he hecho mal/Para que este amor tarde tanto en llegar/Momentos en que he esperado/Momentos en que me he sentido morir/He estado solo")

I don't wanna talk about it

Crazy Horse (I don't wanna talk about it)

Crazy Horse ha sido varias décadas banda de acompañamiento de Neil Young, probando su extrema solvencia en celebrados álbumes del artista, entre ellos Everybody knows this is nowhere (1969) y Harvest (1972).

El núcleo de Crazy Horse, constituido al principio en torno a Danny Whitten (guitarra) Ralph Molina (batería) y Billy Talbot (bajo) se inició en 1966 como grupo vocal para transmutarse después en una sólida banda de rock and roll.

Crazy Horse probaron fortuna en 1971 publicando Crazy Horse, un disco de rock duro principalmente, para el que contaron con Ry Cooder y Nils Lofgren, y en el que la mitad de los temas son obra de Danny Whitten.

Precisamente Danny Whitten, cuya muerte por sobredosis arrastraría a Neil Young a un estado depresivo, es autor de 'I don't want to talk about it', un éxito mundial en la versión que Rod Stewart haría en 1975.

(Mirando a tus ojos sé que probablemente llevas llorando mucho tiempo / Y que las estrellas del cielo no te dicen nada, son un espejo / No quiero hablar de ello, de cómo has roto mi corazón / Si me quedo algún tiempo más / Si me quedo, ¿escucharías a mi corazón?)

Michael Chapman

Michael Chapman - "You say"

Michael Chapman trasladó heterodoxia e inconformismo a su guitarra y a las letras de sus canciones, convirtiéndose junto a Roy Harper, Bert Jansch y algunos otros en uno de los héroes del folk inglés de finales de los sesenta.

Michael Chapman nació en 1947 cerca de Leeds, y aunque de joven escuchaba a Hank Williams o John Coltrane, fue el clarinetista americano Jimmy Giuffre quien le inspiró a tocar con la cadencia impetuosa de las olas marinas.

En 1966 dejó la enseñanza de la fotografía para dedicarse a dar conciertos por bares y locales de Gales y Londres, hasta descubrirle el productor Gus Dudgeon, quien le dio la oportunidad de grabar en los estudios EMI. 

De estas grabaciones surgió en 1969 "Rainmaker", un álbum que ayer como hoy sigue siendo inusual. "You say", en donde Rick Kemp destaca poderosamente al bajo, habla de separación pero también de un anhelo.

("...No sé cuándo te veré. Quizá cuando llegue la primavera y podamos andar por la orilla del mar o quizá cuando sople el viento frío...Quizá cuando cese la lluvia y en tren vayamos por las montañas, o cuando ya no llueva y podamos echarnos al sol/Y dices que sabes cuándo nacerá tu hijo/Y que por eso me marcho/Y que nada me conmueve/Y que no sé lo que es estar destrozado...")

Aimee Mann

Aimee Mann - "Going through the motions"

Aimee Mann se dio a conocer en 1983 con 'Til Tuesday, una banda  "new wave" de Boston, pero disuelta cinco años depués, la artista inició una carrera por donde discurren modernidad musical y pulsiones literarias.

El álbum "Whatever", de 1993, fue el primer trabajo en solitario de Aimee Mann, evidenciando que había derivado a registros teñidos de folk y a letras que surgían de una mirada introspectiva.

En el año 2000 Aimee Mann logró su obra más aplaudida con "Bachelor No. 2", al conseguir una simbiosis perfecta de estados melancólicos y densa textura musical.  

La canción "Going through the motions" apareció en el álbum "The forgotten arm" (2005), que, producido por Joe Henry, es un mosaico de canciones en blanco y negro sobre el desequilibrio psíquico de un boxeador. 

("Algo no funciona/No sabría decir por qué/Pero lo sé a pesar del circo que montas/Lo siento venir/Tú solamente estás fingiendo, chico/Llevas los motores zumbando/Pero es sólo una forma de fingimiento, muchacho/Me siento como si estuviera prisionera de ti y de Mr. Hyde" )

Love

Love - "Alone again or"

Love, un grupo absolutamente necesario para conocer el folk rock psicodélico más excelente, se formó en Los Ángeles allá por 1966 en torno a Arthur Lee, un artista genial e impetuoso.

Vocalista, multi-instrumentista y principal compositor, Arthur Lee era la fuerza distintiva de una banda esencial, pero también destacaba Bryan McLean a la guitarrra rítmica y como escritor.

Cualquiera de los tres álbumes publicados por Love entre 1966 y finales de 1967 son un triunfo de llameante creación musical. "Love", su estreno, se apoyaba en un manto de sonidos coloristas y de múltiples cadencias.

"Da Capo" contenía igualmente canciones fulgurantes, pero "Forever Changes" es la obra maestra de Love y una de las referencias imprescindibles de la música californiana. "Alone again or" estaba en ese disco.

("De acuerdo, está bien/No olvidaré/Las veces que he te he esperado pacientemente/Tú harás lo que mejor creas/Y yo terminaré esta noche otra vez solo, mi querida/Sí he oído algo gracioso/Alguien ha dicho que yo podría enamorarme de casi todo el mundo/Creo que la gente/Es de lo más divertido/Yo terminaré esta noche otra vez solo, mi querida")

Dino Valente

Dino Valente - "Get together"

Dino Valente heredó de sus padres, actores ambulantes de circo, un espíritu nómada y áspero, pero también generoso, además de una disposición artística natural.

Dino Valente fue de los primeros en llegar al circuito folk de Greenwich Village de Nueva York, actuando en Café Wha? y otros locales cuando prendía la semilla que terminaría siendo una revolución cultural.  

En 1963 se estableció en la bahía de San Francisco y alcanzaría reconocimiento con su aportación como guitarrista, cantante y letrista del grupo Quicksilver Messenger Service, especialmente en  "Just for Love", de 1970.

Dino Valente es recordado, sin embargo, como autor de "Get together", una canción generacional de vida en común, amor y preocupaciones existenciales. Jefferson Airplane y The Youngbloods la dieron a conocer primero.

("El amor es sólo una canción que nosotros cantamos/El temor es una manera de morir/Puedes hacer que las montañas tiemblen/O que los ángeles lloren/Aunque el pájaro se mueve en el aire/Quizá no sepas por qué/Y ahora sonreíd todos a vuestros hermanos/Juntaos todos/Amaos los unos a los otros ahora mismo.../Si has escuchado esta canción/Debes entender/Que tienes la llave del amor y del miedo/En tus manos temblorosas/Sólo una llave abre a ambos/Y la tienes en tus manos...")

Laura Nyro

Laura Nyro - "Stoned soul picnic"

Laura Nyro nació en Nueva York en 1947. Dueña de una voz excepcional, fue autora de resonantes composiciones por donde transitan el soul urbano, el free jazz y el folk eléctrico. 

De vocación artística temprana, Laura Nyro se formó en la Escuela Superior de Música y Arte de Manhattan antes de empezar sus primeras actuaciones en los locales de la zona. 

"More than a new discovery", de 1967, fue un manifiesto exuberante de sus habilidades como escritora, pero la participación en el festival de Monterrey ese mismo año le dio el impulso para disparar su carrera. 

Al año siguiente, Laura Nyro ofreció nuevamente con "Eli and the Thirteenth Confession" un muestrario muy vital de confesiones y deseos. A destacar "Stoned soul picnic", una canción clásica en su repertorio. 

("¿Puedes hacer el viaje?/¿Puedes ir de picnic?.../Ven de viaje al picnic del alma extasiada.../Habrá tiempo y vino en abundancia/Miel de color rojo y gualda/Sasafrás y claro de luna/Alma extasiada.../Habrá infinidad de flores/Infinidad de música/Abundará la confianza/El oro y el polvo blanco.../¿Puedes hacer el viaje?")

Who knows where the time goes?

SANDY DENNY (Who knows where the time goes?)

Cuando, con 31 años, Sandy Denny falleció en 1978, el mundo de la música popular británica lloró una voz que había marcado el folk-rock de las islas desde su incorporación a Fairport Convention una década antes.

Sandy Denny fue la personalidad que dio el perfil definitivo a álbumes excelentes de Fairport Convention, como Unhalfbricking y Liege and lieg, ambos de 1969, que siguen siendo imbatibles representantes de su género.

Su propia obra, que se extiende desde 1971 hasta 1977, dejó, entre otros, Sandy (1972), un disco en el que la artista se volcó en canciones de estilo tradicional que su voz encumbra a regiones puras y vivificadoras.

Sandy Denny había iniciado tímidamente su carrera cantando en clubes londinenses, pero dio un salto relevante en 1967 cuando, como parte del grupo Strawbs, compuso la formidable 'Who knows where the time goes?'. 

(En el cielo del atardecer, los pájaros todos se van yendo / Pero, ¿cómo saben que es el tiempo de partir? / Ante el fuego del invierno, todavía seguiré soñando / Pues no cuento las horas / ¿Quién sabe a dónde va el tiempo?... / Triste, la playa vacía, los veleidosos amigos se van yendo / Ah, será que les ha llegado la hora de marchar / Pero yo seguiré aquí, no pienso irme / No cuento las horas)