Thank God it's Christmas

Queen - "Thank God it's Christmas"

En un mundo de conflictos y guerras, la llegada de la Navidad renueva la pregunta por el valor de los buenos deseos y el significado de la más importante conmemoración religiosa, desfigurada entre la secularización y el comercialismo.
La paz y felicidad que la Navidad promete sólo contribuye a magnificar lo lejos que podemos estar de todo ello. Nos lo recuerda John Lennon en "So this is Christmas" ("Some time in New York", 1972) o Joni Mitchell en "The river" ("Blue", 1971).
Queen, el grupo británico que de la extravagancia hizo material precioso, sorprendió con "Thank God it's Christmas", una canción navideña aparecida en noviembre de 1984 y que los lectores de Rolling Stone consideraron luego la mejor en su género.
Escrita conjuntamente por el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, estaba interpretada por Freddy Mercury a su manera grandilocuente y sincera. La canción de Queen devolvía a la Navidad la virtud de redimir el dolor e inundar de luz.

("Oh, mi amor, ya hemos tenido nuestra ración de lágrimas/Oh, mi amiga, hemos albergado esperanza y miedos/Oh, mi amiga, ha sido un año largo y duro/Pero ahora es la Navidad, sí es la Navidad, gracias a Dios/La luna y las estrellas parecen extraordinariamente frías y brillantes.../Mi amiga, el mundo compartirá esta noche especial/Porque es Navidad")

Lovers waltz

Ben Caplan - "Lovers waltz"

Ben Caplan, artista canadiense adscrito a estilos que incluyen el folk, el jazz y la música de raíces, es autor de canciones desasosegadas que en tono burlesco o dramático llevan el sello inconfundible de sus enormes interpretaciones a la voz y el piano.
Ben Caplan (Ontario, 1986) decidió dedicarse por entero al oficio de músico a los diecinueve años. Y desde entonces algunos han visto en él un cruce entre entre Tom Waits y Leonard Cohen, quizá porque locura y honestidad van en él de la mano.
Ben Caplan se estrenó con "In the time of great remembering" (2011) acompañado de The Casual Smokers, una amplia banda en donde se oye el clarinete, el saxo, la flauta o el contrabajo evocando aires gitanos y celebrando el absurdo y la belleza de la vida.
El folk orquestal que domina "Birds with broken wings" (2015), su segundo álbum, apareció después de incontables giras por medio mundo. En "Lovers waltz", como en tantas canciones suyas, el amor o la luz son la promesa a un dificultoso viaje de expiación.

("¿Quieres bailar, llevar mi anillo?/¿Yacerás a mi lado hasta el silbar de las últimas balas sobre nuestras cabezas?/Bailaremos el vals de los amantes hasta el final/¿Te casarás conmigo? ¿No quieres dar vueltas y más vueltas?/¿Irás corriendo conmigo hasta que la tierra nos envuelva en sus pliegues?/Entregados totalmente, daremos vueltas hasta el fin en el vals de los amantes")

When you need a train it never comes

Amanda Shires - "When you need a train it never comes"

Amanda Shires (Lubbock, 1982) ha publicado el reciente "My piece of land" (2016), un quinto trabajo en línea pop-rock que muestra su gran evolución artística desde la apuesta inicial titubeante de hace una década en torno a temas instrumentales country.
Amanda Shires recibió un violín de segunda mano con diez años. No sabía entonces que con él iba a tocar música tradicional tejana primero con los legendarios Texas Playboys, y luego junto a Billy Joe Shaver, quien la animó a soltarse como escritora y cantante. 
Al hacerlo, en "Carrying Lightning" (2011), un álbum de música Americana que recoge la canción "When you need a train it never comes", compartió que "todos estamos escapando de lo mismo: de corazones y hogares rotos, del cansancio y la soledad".
Y en "Down fell the Dove" (2013), viéndose como el ave fénix que lleva tatuado, Amanda Shires abraza sentimientos yuxtapuestos de temor y esperanza, y se imagina paseando con Leonard Cohen en el puerto de Barcelona.

("Soñaba que estaba atada a la vía de un tren, retorciéndome al sol/Enfebrecida y confiando que los trenes siguieran rodando.../Pero cuando necesitas un tren, nunca llega/Me desperté llevando puesto tu abrigo de invierno/Has dejado todo aquí, salvo tu teléfono/Me apoyé en el alféizar, pero en las vías de abajo/Había tranquilidad, calma y frío/Cuando necesitas un tren, nunca llega")

A song for you

Leon Russell - "A song for you"

Leon Russell (Oklahoma, 1942) falleció hace unas semanas dejándonos un legado musical en el que la combinación de country, blues y gospel tomaba forma a través de un restallante piano honky-tonk y una voz grave que era poderosa y dúctil a la vez. 
Leon Russell forjó su reputación desde muy joven como músico de acompañamiento (Ronnie Hawkins & the Hawks, Jerry Lee Lewis...) y luego de estudio, trabajando a las órdenes de Phil Spector en producciones para Ike & Tina Turner o The Byrds.
En compañía de Marc Benno grabó "Look inside" (1967), un disco con veleidades psicodélicas, pero su prestigio se consolidó luego de participar en la gira americana de Joe Cocker en 1970 y en el Concierto por Bangladesh que auspició George Harrison en 1971.
Grande de la era rock, autor de más veinte discos en solitario, su estreno con "Leon Russell" (1970) no pudo ser más brillante, pues en él había canciones como "Delta Lady", "Hummingbird" y "A song for you", siendo esta última la que más fama le dio.

("He estado en muchos lugares en mi vida/He cantado numerosas canciones/Algunas no muy buenas/He representado mi amor en los escenarios/Mientras miles de personas me miraban/Pero ahora estamos solos y esta canción la canto para ti/Sé que merezco la imagen que tienes de mi/Te he tratado mal, pero ¿no ves que para mi no hay nadie más importante que tú?")

Nightbird

Stevie Nicks/2 - "Nightbird"

La incorporación de Stevie Nicks a Fleetwood Mac contribuyó a cambiar la trayectoria del grupo hacia el pop-rock electrizante que dos años después produciría "Rumours" (1977), un disco monumental al que aportó perlas como "Dreams" o "Don't Stop".
Para entonces, Stevie Nicks (Phoenix, 1948), que en compañía del guitarrista LIndsey Buckingham había iniciado su carrera artística mientras estudiaba secundaria, era conocida por cultivar una voz e imagen construidas sobre polaridades románticas.
Su vinculación a Fleetwood Mac no le impidió publicar "Bella donna" (1981), un álbum de canciones atesoradas largo tiempo que fue muy bien recibido, y para el que contó, entre otros, con Tom Petty, Don Henley (Eagles) y el productor Jimmy Iovine.
Stevie Nicks reafirmó desde la portada de "Wild heart" (1983) cuán obsesivamente le atraía el imaginario romántico, presente máximamente en "Beauty and the beast", pero también en "Nightbird", una canción en donde Lory Perry es segunda voz.

("El verano se hizo otoño/No estaba preparada para el invierno/Pero no tiene ninguna importancia/Porque llevo botas puestas todo el verano/Mi maquillaje es oscuro y descuidado/Algunos círculos en torno a mis ojos.../Y cuando llame, ¿vendrás delicadamente a través de mi sombra?/Los que cantan en la noche/Aquellos en que sueñas/Los que se van.../Lloro por el ave nocturna...esta noche")

The only living boy in New York

SIMON & GARFUNKEL  (The only living boy in New York)

En seis años de colaboración, Simon y Garfunkel formaron el duo musical de mayor éxito de todos los tiempos. Previamente, contando dieciséis años los dos, se habían dado a conocer, emulando a los Everly Brothers, bajo el nombre de Tom & Jerry.
Iniciaron su andadura en línea de folk tradicional con Wednesday morning, 3 AM (1964), dejando constancia de la exquisita armonización de sus voces y ofreciendo ya una de sus más celebradas canciones: 'The sound of silence'.
Los vientos de cambio soplaron sobre Sounds of silence (1966), un siguiente álbum que electrificó el sonido folk inicial y precedió a la bomba discográfica que supuso Parsley, Sage, Rosemary and Thyme (1966),  obra trabajada con esmero en el estudio. 
Mientras Art Garfunkel ejercía de virtuoso acompañante vocal, Paul Simon era el verdadero genio de la botella. Lo siguió siendo en Bookends (1968), otra obra perfecta, y en Bridge over troubled water (1970), broche de oro a una sociedad irrepetible.

(Tom, embárcate en el avión a la hora / Yo sé que irá bien en lo que a ti toca/Vuela a Méjico / Da-n-da-da-n-da-da, aquí estoy / El único muchacho con vida de Nueva York / Tengo la información meteorológica que necesito / Puedo recolectar toda la información meteo que necesito / Eh, no queda más que sonreír... / La mitad del tiempo estamos de viaje, sin saber a dónde vamos / Sin saber a dónde)

 

Call me the breeze

Beth Orton - "Call me the breeze"

Beth Orton (Norwich,1970) simpatizó primero con el trip-hop y el sonido electrónico, para abrirse después a un camino de tradición folk que en "Kidsticks" (2015) se expande a una sonoridad polirrítmica más próxima a inquietudes originales.
Beth Orton sembró las semillas de su carrera tras colaborar en 1991 con William Orbit, mago del estudio, y trabajar luego con The Chemical Brothers, pero el reconocimiento le llegó con "Trailer Park" (1996), puente de encuentro entre el folk y el pop electrónico.
El disco "Central Reservation" (1999) dio paso a la sonoridad clásica del jazz o del blues. En cambio, "Comfort of strangers" (2006), producido por el vanguardista de la electro-acústica Jim O'Rourke, la devolvió a terrenos de música programada y minimalista.
Con "Sugaring season" (2012), álbum electro-folk que entreabre su puerta al misterio, Beth Orton se situó a la altura de grandes como Nick Drake o Linda Perhacs. La canción "Call me the breeze" está adornada de ritmo y frescura.

("Dime que soy el mar/El  arroyo/El cielo/Las hojas/Oye mi llamada/Hola, la, la, la/Dime que soy el fuego/Que soy el aire/La yerba/El silencio de la liebre/Hola, la, la, la/Dime que soy los pájaros/La corteza del árbol/El guijarro/La alondra/Dime sol/Dime luna/Oye mi llamada/Hola, la, la, la")

Pretty Saro

Bob Dylan - "Pretty Saro"

En el repertorio de Bob Dylan existen canciones de amores de ayer que, a través del tiempo y la distancia, siguen despertando a la melancolía, la gratitud y el recuerdo. Pareciera que la lejanía actuara acentuando el perfil lírico. 
Bob Dylan ha escrito en este contexto preciosas canciones, como "Girl from the North country Fair", del álbum "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963), dedicada a Suze Rotolo, la chica con la que vivió en su época de joven trovador en Nueva York.
También suele citarse "If you see her, say hallo", de "Blood on the tracks" (1975), entre lo mejor de la poesía amorosa de Bob Dylan. Los términos del dolor aquí son más visibles, pues Sara Lowndes fue su primera esposa y la madre de cuatro de sus hijos.
En "Bootlegs, vol. 10", aparecido en 2013, había grabaciones alternativas o desechadas que incluían "Pretty Saro", tema tradicional descartado para "Self portrait" (1970), en donde Bob Dylan recreaba otra vez el sentimiento de un adiós.

("Allá, en un valle solitario/En un lugar aislado y triste/Donde las aves salvajes/Pavonean sus cantos/Adiós, hermosa Saro, me despido de ti/Pero sueño con la hermosa Saro/Dondequiera que voy/No puedo ofrecerle plata y oro/Y todas esas cosas finas/Que guardan las casas grandes/Si fuera poeta/Y de escritura fácil/Escribiría una carta a mi amor/ Y ella comprendería")

Me and the devil

Soap & Skin - "Me and the devil"

Soap & Skin, o la artista austríaca Anja Plaschg, siguiendo una estela próxima a Nico y el experimentalismo de Aphex Twin o Björk, se ha dado a conocer con canciones de densidad clásica que van de lo fantasmal a lo melodramático. 
Anja Plaschg (Styria, 1990) comenzó estudios de piano a los seis años, ampliados luego con los de violín y música electrónica en la Escuela de Bellas Artes de Viena. Este bagaje formativo forma la base de sus escenarios de espesura gótica.
El primer álbum, "Lovetune for vacuum" (2009), fue elogiado desde sus adornos neoclásicos como obra transida de melancólica belleza. Una apreciación que, si bien es propia de los desarrollos puramente instrumentales, también le corresponde a su voz.
"Narrow" (2012) estuvo marcado de las sombras que la rodearon al fallecer su padre. Al mini-LP "Sugarbread" (2013), en cambio, lo animaba una cinemática versión de "Me and the devil", el blues de leyenda que escribiera Robert Johnson en 1937.

("Esta mañana temprano/Cuando llamaste a mi puerta/Yo dije 'hola, Satán, creo que es hora de partir'/Uno al lado del otro, yo y el diablo íbamos caminando/Voy a ir a ver a mi hombre hasta recibir satisfacción/No entiendo por qué él me acosa/Debe de ser el viejo espíritu del diablo/Entierra mi cuerpo bien hundido en el suelo /Y cerca de la carretera /Así mi endiablado viejo espíritu/Podrá subir al autobús de línea e ir de viaje")

Nature's way

SPIRIT (Nature's way)

Spirit, el grupo formado en 1967 por Randy California (guitarra) y Ed Cassidy, junto a Jay Ferguson (percusión) y Mark Andes (bajo), aportó a la escena artística de Los Ángeles la venturosa anomalía de visionar el rock desde estructuras musicales del jazz.
En consecuencia, Spirit acogió varios estilos e influencias, pero un rock progresivo ligeramente psicodélico cuyas notas parecían gestarse en el aire cálido y dulce de la primavera californiana, definió los momentos estelares del grupo.
Spirit (1968), el debut discográfico, contenía canciones ácidas suavizadas con arreglos de cuerda y viento a cargo del productor Lou Adler. ¿Plagió Led Zeppelin los arpegios iniciales del instrumental Taurus' en su conocidísima 'Stairway to heaven'?
Spirit alcanzaría la cumbre en The Twelve dreams of Dr. Sardonicus (1970), su álbum más melódico. Incluía el tema 'Nature's way', un alegato ecologista escrito por Randy California en respuesta a la niebla tóxica que veía desde su hotel en San Francisco. 

(Es la manera que la Naturaleza tiene de decirte que algo va mal / Es la manera de la naturaleza de decírtelo en una canción / Es la manera de la naturaleza de apercibirte / La manera de recordarte / La manera de decirte que algo va mal / La manera de hablarte de la brisa del verano / De árboles que mueren / La manera de decirte que algo va mal, algo va mal)

Changing of the guards

PATTI SMITH (Changing of the guards)

Aún adolescente, Patti Smith quedó fascinada por la figuración moderna del poeta Arthur Rimbaud que veía en Bob Dylan. Se conocerían en 1975 en el local The Other End de Nueva York, cuando  presentaba en directo Horses, que acababa de publicarse.

Desde la admiración y el afecto mutuos, Patti ha contado cuan feliz se sintió en 1995 al  participar en la gira 'Paradise Lost Tour' de Bob Dylan y cantar con él a dúo 'Dark eyes' (Empire Burlesque, 1985), canción que ella escogió del cancionero dylaniano.
Un año después Patti rompía una larga pausa discográfica con Gone again (1996). Envuelto en un clima de dolor y pérdida por la muerte de su marido Fred 'Sonic' Smith, aquel disco ya cuenta con el tema 'The Wicked messenger', de Bob Dylan.
Y otra vez Bob Dylan estaría representado con 'Changing of the guards' en Twelve (2007). Patti escuchó la canción por primera vez en 1978 y, emocionada, decidió 'cantarla, desnudarla y centrarme en la letra como si fuera un poema'.

(Yo he abrillantado sus zapatos, he movido sus montañas y marcado sus cartas / Pero el Edén está ardiendo: o bien se preparan para la aniquilación / O bien tienen el corazón dispuesto para el cambio de guardia / Llegará la paz ... pero no traerá recompensa cuando caigan los falsos ídolos / Y la muerte cruel se entregue con su pálida fantasmagoría, de retirada/Entre el Rey y la Reina de Espadas)

Sign your name

TERENCE TRENT D'ARBY (Sign your name)

En 2001 Terence Trent D'Arby pasó por un despertar espiritual que lo llevó a cambiar de nombre. Pero ya entonces había dejado de ser el músico que a finales de los ochenta maravilló con su receta de rythm & blues y moderno pop.
Habiendo nacido de padre biológico desconocido y crecido entre frecuentes cambios de residencia, Terence Trent D'Arby (Nueva York, 1962) entendió pronto que el cambio es lo permanente. En 1983 estaba en Alemania alistado en el ejército americano.
Allí tuvo su primera banda, pero Londres le reservaba el éxito que le supuso la publicación de Introducing the hardline according to Terence Trent D'Arby (1987). Coronado de laurel, él mismo comparó su disco con el Sgt. Peppers de los Beatles.
Canciones como 'Sign your name' encerraban un soul de alta temperatura del que se llenaron discotecas y salas de baile londinenses. Se esperó con impaciencia la continuación, pero demasiada ambición desenfocó Neither fish nor flesh (1989).

(Afortunadamente tú tienes a alguien que depende de ti / Nosotros comenzamos como amigos, pero pensar en ti me hace caer... / Es demasiado tarde para dejarlo a un lado / Empezamos como amigos / Firma tu nombre en mi corazón / Quiero que seas mi chica / Firma tu nombre en mi corazón / Quiero que seas mi mujer... / Prefiero estar contigo en el infierno que en el frescor del cielo)

Reno Nevada

Mimi & Richard Fariña - "Reno Nevada"

De ascendencia cubana e irlandesa, Richard Fariña aspiraba a llegar muy alto como escritor y músico, pero justo después de hacer honor a la contracultura con una primera novela editada en abril de 1966, perdía la vida en accidente de moto.
Richard Fariña (Nueva York, 1937) ya era conocido en la escena folk del Greenwich Village cuando se casó con una jovencísima Mimi, hermana de Joan Baez, tras colaboraciones con Carolyn Hester, su primera mujer, Eric von Schmidt y Bob Dylan.
Con Mimi a la guitarra y él al dulcimer, Vanguard publicó tres discos suyos abundantes en baladas y melodías instrumentales inspiradas en los Apalaches, en donde puede apreciarse la fuerza combinada de la tradición folk y la innovación eléctrica.
Entre las canciones del primer disco, titulado "Celebration for a grey day" (1965), destacaba "Reno Nevada", favorita del grupo inglés Fairport Convention, que presenta a un desamparado perdedor en su desesperado intento por volver a casa.

("El camino a Reno, Nevada, es largo, muy largo/Y es largo, muy largo, el camino a casa/El cambio de tu bolsillo está empezando a evaporarse/Recoges lo que sembraste/Puedes ir andando por la calle y mirarte la cara en la ventana/Puedes seguir dando vueltas.../Pero la tierra que pisas está empezando a temblar/Y el cielo que tienes arriba se ha vuelto más lejano")

Sunshine of your love

Spanky Wilson - "Sunshine of your love"

Cream lo formaron el trío de ases compuesto por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker. Estuvieron juntos poco más de dos años, pero su obra de alta escuela, mezcla de blues, psicodelia y rock duro, ha hecho historia en la música popular.
En Disraeli Gears (1967), el segundo disco, lograron su obra más potente y cohesionada. Canciones como "Strange brew", "Tales of brave Ulysses", pero sobre todo "Sunshine of your love", siguen siendo ejemplo de exuberante celebración musical.
El atractivo de esta última canción llevó a artistas de la talla de Jimi Hendrix o Ella Fitzgerald a recrearla con versiones propias. Interesante es la interpretación que Spanky Wilson, cantante negra nacida en Philadelphia en 1947, hizo a ritmo de funky-soul.
A Spanky Wilson se la conoce mayormente dentro del mundo del jazz, pero aún era artista de raíces soul cuando grabó "Doin' it" (1969), el álbum que incluía "Sunshine of your love" y en donde dejó su impronta HB Barnum, un reconocido arreglista y productor.

("Se va acercando el alba/Cuando las luces apagan sus cansados ojos/Pronto estaré contigo, amor mío/Para darte mi sorpresa matinal.../Estaré contigo cuando las estrellas empiezan a desvanecerse/He esperado mucho tiempo/Para estar adonde ahora estoy/En el brillo soleado de tu amor.../La luz resplandece en tu derredor.../Estaré contigo hasta que todos mis mares se hayan secado")

May I?

KEVIN AYERS  (May I?)

Kevin Ayers agitó el Sonido de Canterbury cuando a finales de los sesenta contribuyó de manera estelar en el disco inaugural de Soft Machine, referencia destacada del psicodelismo británico, en el que destapó ya su genial naturaleza surrealista.
En Kevin Ayers existía una inclinación a la heterodoxia y a la libertad personal y creativa muy por encima de la búsqueda de la fama. De aquí que eligiera vivir largos años en la placidez de Ibiza y Mallorca y ofreciera una obra de imaginación sin freno.
Esto último lo dejaba a las puertas de la improvisación cercana al jazz, pero lo otro lo abocaba a ser un artista de culto. Joy of a toy" (1969) es, sin embargo, un primer álbum festivo e imprevisible como el corcho que se desprende de una botella de champán.
En Shooting at the moon1970), asistido de Robert Wyatt y Mike Oldfield, entre otros, Kevin Ayers siguió haciendo pop sazonado de música progresiva y humor, lo cual puede apreciarse en 'May I?' Por delante tenía una carrera de luces y extensas sombras.

 (Venía de dejar la calle / Buscando un sitio donde comer / Y me encontré un pequeño café / Había una chica, y le dije: '¿Puedo sentarme aquí y mirarte un rato? / Me encantaría la compañía de tu sonrisa / Tú no tienes por qué decir nada / No tienes que cantar para ser una canción / En tu pelo irradia la luz del sol / Sentada ahí, estás muy guapa')

Let it be me

Nina Simone - "Let it be me"

Nina Simone (Carolina del Norte, 1933) escribió páginas brillantes en los variados géneros musicales que visitó durante cuatro largas décadas. Su historia artística estuvo bendecida por un destino que no torcieron primeros obstáculos raciales y sociales.
Nina Simone comenzó muy niña a familiarizarse con el piano tocando en la iglesia metodista de su madre. Tutorías y becas la permitieron perfeccionarlo. Cumplidos los veinte, cantaba al piano en bares y clubes nocturnos de la costa Este.
En 1958 consiguió un primer gran éxito: "I loves you Porgy". Las ocho grabaciones para Colpix, algunas en directo ("Nina Simone at Town Hall" (1959), airearon definitivamente sus excepcionales cualidades interpretativas.
Entre 1964 y 1967 Nina Simone mostró predilección por Broadway, la política, el romance o el gospel ("High Priestess of soul", 1967). De los álbumes para  RCA, el último ("It is finished", 1974) contenía "Let it be me", canción original de Gilbert Bécaud.

 ("Que Dios bendiga el día que te conocí/Quiero estar donde tú estés/Y, así, te ruego que ése sea yo/No me apartes del cielo/Si has de apegarte a alguien, ahora y siempre deja que ése sea yo/Cada vez que nos vemos, amor, siento todo el amor/Sin tu dulce amor, dime, ¿qué sería la vida?/Y, así, no me dejes en soledad/Sólo dime que me amas y que ése siempre seré yo")

So long Marianne

Leonard Cohen - "So long Marianne"

Fue en Hydra, en mayo de 1960, cuando Leonard Cohen se cruzó en la vida de Marianne Ihlen ("la mujer más hermosa que he conocido"). Quedaron unidos por un amor ilusionado y viajero, mientras él iba gestando su revolución poético-musical.
La señal del inicio de aquella revolución se produjo en 1967, el año de "Songs of Leonard Cohen". Canciones sobrias y elegantes brillan con halo enigmático, fruto de la exaltación poética con que el artista traduce diversas experiencias amorosas propias.
Allí se encuentran "Suzanne", canción que nació con la fuerza imborrable de un hechizo, también "Sisters of Mercy" y, por supuesto, "So long Marianne", el adiós a una relación en la que Marianne, como un disco solar, le había aportado luz y calor permanentes.
El hilo invisible que les unía se rompió hace tan sólo unos días. "Que sepas que estoy tan cerca de ti que, si extiendes tu mano, creo que podrás tocar la mía", le escribía Leonard Cohen cuando ya ella contaba en horas lo que le quedaba de vida.

("Acércate a la ventana, mi pequeña/Quisiera leer la palma de tu mano/Me tenía por un chico gitano/Antes de dejarme llevar a tu casa/Hasta pronto, Marianne/Es tiempo de empezar a reír/Y de llorar, de llorar y de volver a reír otra vez/Ya sabes que me encanta vivir a tu lado/Pero contigo me olvido de todo/Olvido rezar a los ángeles/Y, claro, los ángeles se olvidan de rezar por nosotros")

In the summertime

Judith Owen - "In the summertime"

Judith Owen estuvo el mes pasado en Barcelona con el legendario bajista Leland Sklar repasando buena parte del repertorio de sus dos últimos álbumes, el último de los cuales -"Somebody's child" (2016)- es una nueva muestra de versatilidad y seducción.
Al piano y con voz cálida, de registro amplio y cromatismo soul, Judith Owen transmite alegría y gozo de vivir, su atmósfera natural incluso cuando interpreta canciones melancólicas como "You're not here anymore", recordando a su fallecido padre.
Judith Owen, nacida en Gales pero ahora residente en Santa Mónica, es un tesoro a descubrir por el gran público, no obstante haber editado once discos desde 1996 y haber trabajado con artistas como Richard Thompson, Cassandra Wilson o K. D. Lang.
Hippie de corazón, Judith Owen añora la época juvenil de James Taylor, Carole King o Joni Mitchell, a quienes mira como espejos. Con aire divertido rescata de entonces, para su álbum "Ebb & Flow" (2014), la canción "In the summertime", el éxito de Mungo Jerry.

("En verano, cuando el tiempo es caluroso/Puedes estirarte y tocar el cielo/Cuando hace buen tiempo/La cabeza se te llena de mujeres/Tómate una bebida, ponte a conducir/Sal y mira a ver qué encuentras/Si su padre es rico, llévala a cenar/Si su padre es pobre, sigue tus sentimientos/Ve veloz por el carril/Ponte a ciento veinte o ciento cincuenta.../No asustamos, No somos sucios ni mezquinos.../Siempre estamos contentos/Hay que vivir la vida, esa es nuestra filosofía")

The girl that turns the lever

Ernie Graham - "The girl that turns the lever"

Ernie Graham nació en la pobreza de las calles de Belfast, pero llegó a acariciar la fama cuando se asociaba a finales de los sesenta a la escena londinense conocida como pub-rock, en cuyo medio frecuentó la compañía de Pink Floyd y Jimi Hendrix.
Este último produjo y colaboró en "Sunrise" (1969), de Eyre Apparent, el grupo que Ernie Graham había formado en 1968 junto a Henry McCullough, virtuoso guitarrista. Pero su recuerdo está ligado a un único álbum en solitario aparecido pocos años después.
"Ernie Graham" (1971) contaba en los créditos con los integrantes de Brinsley Schwarz, formación inglesa que dio gloria al pub-rock. Era una pequeña joya musical que necesitaba de reposo y escucha, algo enfrentado a una época de sobreabundancia artística.
Considerado un clásico, el aire templado y algo psicodélico del álbum transporta ecos de Bob Dylan, The Band o Grateful Dead ("The girl that turns the lever"). Ernie Graham continuó el oficio de músico hasta mediados de los ochenta.

("He pasado mis días en Detroit/Trabajando diariamente en una fábrica/Trabajando en la cadena de montaje/Vi el brillo de tu cuerpo/Y todavía siento amor por la chica que gira la palanca.../Pienso en mis días en Detroit/En las cosas que hubiera podido hacer/Ella podría haber sido mía/Pero no encontré la inspiración/Y todavía siento amor por la chica que gira la palanca/Sí, todavía")

Shadows on parade

Laura Gibson - "Shadows on parade"

Laura Gibson, norteamericana nacida en tierras de Oregón, traslada su carácter meditativo y sencillo a los cuatro álbumes de base neo-folk que ha publicado hasta el momento. 'Tiendo a gravitar en torno a la simplicidad y el minimalismo", dice.
En "If you come to greet me" (2006) ya aparece una obsesión traducida en intimidad, soledad y nostalgia. Con una voz suspendida en tiempos pretéritos, "Beast of seasons" (2009), al que pertenece "Shadows on parade", está guiado por la idea de mortalidad.
Después de publicar "La Grande" (2012), ese lugar de paso pero también de energía, Laura Gibson vio su apartamento destruido por una explosión de gas, símbolo y oportunidad del renacimiento personal que buscaba en Nueva York.
En este ámbito personal se mueve "Empire builder" (2016), un último trabajo que cuenta con colaboraciones estelares, entre ellas la de Alela Diane o el guitarrista Dave Depper (Death Cab for Cutie), que es coautor de todas las composiciones.

("He llevado bestias de muchas estaciones/Sus cuerpos atemorizados pesándome en la espalda/Pero cuando tus ojos se apresuraron a saludarlas/Las aparté para conservarlas a la vista/Yo observaría sus sombras en el desfile/He ido persiguiendo nubes de muchos colores, sus cuerpos borrosos/Las mías las transportaba el viento")

After the gold rush

NEIL YOUNG (After the gold rush)

A lo largo de su trayectoria Neil Young ha roto con frecuencia su imagen más reconocida en el country-rock para explorar territorios tan diversos como el post-punk  (Mirror ball, 1995), el rockabilly (Everybody's rocking, 1983) o el hard-rock (Freedom, 1989).
Y, sin embargo, la leyenda de Neil Young se fraguó en poco más de una década de majestuoso sonido californiano, desde Neil Young (1968) hasta Live rust (1979), impulsado por un espíritu que ama la tierra en su manifestación de vida campestre.
Aquella época dio After the gold rush (1970), su primera obra maestra, en donde la canción que le da título es, para muchos, lo más sobresaliente que el artista haya hecho nunca. Fue el origen de su larga colaboración con la banda Crazy Horse.
Neil Young grabó esta canción, como el resto del álbum, en su casa de Topanga Canyon, reserva ecológica cercana a Santa Mónica cuya naturaleza privilegiada seguramente le despertó a este bello alegato medioambiental y futurista.

(Soñé que veía a caballeros con armadura que venían / Diciendo algo sobre una reina / Había campesinos cantando y tamborileros tocando el tambor / Y el arquero partió el árbol en dos / Una fanfarria soplaba sus instrumentos al sol / Que flotaba sobre la brisa / Mirad, la Madre Naturaleza está a la huída en los años setenta / Yo yacía en un sótano devastado / Con la luna llena en mis ojos...)

Don't think twice it's allright

Leftover Cuties - "Don't think twice it's allright"

El revivalismo musical de Leftover Cuties, admiradores de la época del jazz vocal norteamericano clásico, cuenta con Shirli McAllen, cantante que tiene mucho de escuela Billie Holiday, aunque se mueva igualmente con soltura dentro de la sensibilidad pop.
Los cinco músicos de  Leftover Cuties conjuran con su variedad de instrumentos (ukelele, acordeón, trompa, bajo vertical...) un convincente sonido retro. Su último disco, "Spark & Fire" (2013), vuelve a hacer de la nostalgia una experiencia feliz.
Shirli McAllen dice haber escuchado a The Cranberries y Radiohead de adolescente, pero haber recibido la mayor inspiración de Bob Dylan, del que tomó "Don't think twice it's allright" para incluirla en el EP "Departures" (2012).
La canción pertenece a "The freewheelin' Bob Dylan" (1963), el álbum que empezaba a dejar atrás el folk de clichés sociales y se abría a la expresión personal y poética. Iba dirigida a Suze Rotolo, la chica que camina sonriente del brazo de él en la portada.

("De nada vale sentarse y preguntarse 'por qué', preciosa/Se mire como se mire, ya da igual/Cuando tu gallo cante al romper el alba/Mira por la ventana, yo ya me habré ido/Tú eres el motivo de que siga el camino/No le des vueltas, todo está bien.../Y, aún así, ojalá pudieras decir o hacer algo/Para hacerme cambiar de pensamiento y quedarme")

Just dropped in

Mickey Newbury - "Just dropped in"

Durante casi cuatro décadas, Mickey Newbury (el creador de "Just dropped in" en 1967) se distinguió por una obra idiosincrática que, sin un estilo musical preciso, llegó a singularizarse por la extraña belleza de unir melancolía y tensa emotividad.
Mickey Newbury (Houston, 1940) creció en un ambiente de drogas y violencia habituales, pero se aisló de él para aprender a tocar guitarra y escribir y leer poesía beat. Militó en The Embers, un simpático grupo vocal, antes de ingresar en la Fuerza Aérea.
Entre 1963 y 1969 habitó un barco a orillas de Old Hickory Lake, cerca de Nashville. Le rodeaba una comunidad de estrellas del country, entre ellos Johnny Cash. Escribió canciones que Andy Williams o Tom Jones llevaron a lo más alto.
Pero Mickey Newbury se dio a conocer definitivamente con su trilogía americana: "Looks like rain" (1969), "Frisco Mabel Joy" (1971) y "Heaven help the Child" (1973). Los temas, su voz en falsetto, la producción..., todo apuntaba al poder catártico del drama.

("Esta mañana me levanté con una puesta de sol resplandeciente/Y vi que tenía la cabeza en una bolsa de papel marrón, pero luego.../Viajé en una nube y caí desde ocho millas arriba/En el cielo recortado me rasgué la mente/Y me he dejado caer por aquí para ver en qué condición me encontraba/Empujé mi alma a un agujero oscuro y profundo..../Me vi arrastrándome afuera cuando me escurría hacia adentro")

I wasn't born to follow

The City - "I wasn't born to follow"

Entre los cantautores norteamericanos más prestigiosos de los setenta, Carole King reluce con letras de oro gracias a "Tapestry" (1971), un álbum de calurosas y honestas confesiones en las que se transluce una alquimia pop-soul de sonido balsámico.
Durante varios años, Carole King había preparado aquella gran eclosión trabajando en el Brill Building de Nueva York con su primer marido, Gerry Goffin, para éxitos de otros artistas. En 1967 se trasladó al entorno de Laurel Canyon, en Los Ángeles.
Aquí encabezó The City, una formación musical en donde junto a Danny 'Kootch' Kortchmar (guitarra), Charles Larkey (bajo) y Jim Gordon (percusión) dejó sentir un piano y una voz que parecen salidos de venturosas tierras de abundancia.
"Now that everything's been said" (1968) es un álbum precursor del idealismo visionario tan presente en su inmediata obra posterior. Lo testimonian canciones como "I wasn't born to follow", de la que los Byrds hicieron poco después una exquisita versión.

("Oh, antes iría en un viaje allí donde irradia el Diamante creciente/Y correría por el valle bajo la montaña sagrada/Y me perdería por el bosque en donde los árboles tienen hojas como prismas/Que descomponen la luz en colores de los que nadie sabe su nombre/Y, llegado el tiempo, iré a esperar junto a la mítica fontana/Hasta ver tu forma reflejada en sus aguas cristalinas")

Love will tear us apart

JOY DIVISION (Love will tear us apart)

Joy Division surgió a finales de los setenta de la explosión punk. Compartió el vitalismo angustiado de este movimiento, pero se apartó de su agresividad para enfatizar con refrenadas melodías una estética musical más próxima a la melancolía y el dolor.
Admiradores del ingenio y versatilidad de David Bowie, impresionados por el vendaval escénico de los Sex Pistols, Joy Division lo formaron cuatro músicos de Manchester, siendo Peter Hook (bajo) y Ian Curtis, líder y cantante, su fuerza motora.
Ian Curtis era un reflejo, bajo la sombra de su encubada epilepsia, de la misma emotividad desesperanzada de sus canciones. Pero de manera extraña el grupo llamaba al baile a través de insistentes olas rítmicas de sintetizador.
El suicidio de Ian Curtis interrumpió una trayectoria que ya había dejado "Unknown Pleasures" (1979) y "Closer" (1980). "Love will tear us apart", canción editada como sencillo en 1980, se cuenta entre las muy influyentes de la música popular.

("Cuando la rutina agobia / Quedan pocas ambiciones / El resentimiento cobra fuerza / La emotividad está estancada / Cambiamos nuestra manera de ser / Y tomamos caminos diferentes / Entonces el amor, el amor nos desgarrará otra vez... / Te has ido por tu lado / ¿Es que mi momento ha pasado? / Pero aún permanece la fuerza imantada / Que caracteriza nuestras vidas")

If I should fall behind

Margo Timmins - "If I should fall behind"

Margo Timmins lleva cantando para Cowboy Junkies desde 1985. En 2009 decidió sacar a la luz un álbum propio con canciones escritas por algunos de sus artistas favoritos, entre los cuales se cuenta Bruce Springsteen, su pasión de veinteañera.
La apoteosis de Margo Timmins como vocalista de Cowboy Junkies se considera "The Trinity sessions" (1989), disco grabado en acústico, en el que además firmaba algunas canciones junto a su hemano Michael, guitarrista de la banda.
Algo le debe quedar de aquel carácter tímido e introvertido que la hacía sufrir en el escenario cuando eligió el estudio casero de un amigo en Ontario para proyectar remansados atardeceres al estrenarse en solitario con "Margo's Corner - Ty Tyrus sessions" (2009).
La canción "If I should fall behind", escrita por Bruce Springsteen para "Lucky town" (1992), y dedicada a Patti Scialfia, su mujer desde hacía tres años, tienen una dimensión romántica que, como prueba Margo Timmins, trasciende su particular origen.

("Dijimos que iríamos juntos pasara lo que pasara/Si en el crepúsculo perdemos la dirección/Si la mano se nos suelta mientras vamos caminando/Yo te esperaré/Y si yo me quedo atrás/Espérame/Dijimos, mi querida, que viajaríamos uno junto al otro/Que nos ayudaríamos a mantener el paso/Y aunque cada enamorado tenga el suyo/Yo te esperaré/Y si yo me quedara atrás/Espérame")

Sin city

The Flying Burrito Brothers - "Sin city"

Flying Burrito Brothers fue la creación de Gram Parsons, un artista genial que, junto a Chris Hillman, "Sneaky" Pete Kleinow y Chris Ethridge, impulsó la "música cósmica americana” aunando el viejo country y el rock afín a los Rolling Stones.
Estos músicos encarnaron la primera fomación de Flying Burrito Brothers, pero en sus dos años juntos dejaron un par de obras que son referencia en el nacimiento del nuevo country-rock, en donde tampoco faltan surcos musicales y temáticos de la psicodelia.
Los Flying Burrito Brothers continuaron en "The Gilded palace of sin" (1969) y "Burrito de Luxe" (1970) el revolcón a la música vaquera clásica que Gram Parsons había iniciado en International Submarine Band y en su paso por los Byrds. 
Los Flying Burrito Brothers dejaron la esencia de su papel renovador en aquellos dos discos. El primero, en particular, está considerada alta cima del country-rock. Chris Hillman, pone el bajo y la armonías vocales en "Sin city".

("Esta vieja ciudad está llena de pecado/Su influjo te atrapará/Si tienes dinero a mano/Llévatelo a casa enseguida/Aún tienes tres años de hipoteca/Pero Satán está esperando su turno/Este conocido terremoto va a terminar conmigo en el hospicio/Es como si toda la ciudad hubiera enloquecido/En el piso treinta y uno, una puerta chapada en oro/No impedirá la lluvia abrasadora del Señor”)

Alexandra leaving

SHARON ROBINSON (Alexandra leaving)

Leonard Cohen se ha acompañado de grandes voces femeninas desde finales de los setenta. Jennifer Warmes, Perla Batalla o Sharon Robinson le han dado los esplendorosos relieves e inflexiones de las que están revestidas muchas de sus canciones. 
Sharon Robinson se vinculó a la obra de Leonard Cohen desde la gira que propició Field Commander Cohen (1979), un álbum de actuaciones en directo en el que la parte vocal  acompañante se constituye por primera vez en elemento característico.
El creciente protagonismo de Sharon Robinson en esa relación terminó convirtiéndola en productora de Ten new songs (2001), y Cohen compartiendo con ella la portada del disco y la autoría de sus diez canciones ('In my secret life', 'Boogie Street'...).
Un disco que también contenía 'Alexandra leaving',  adaptación del poema El dios abandona a Antonio, del poeta griego Konstantino Kavafis, que Sharon Robinson rescató para Everybody knows (2008), su debut en solitario.

(De pronto, la noche se ha hecho más fría / El dios del amor se prepara para partir... / Sostenidos por las simplicidades del placer / Arriban a la luz entrelazados desordenadamente... / Se entregan a las voces y el vino / No es una trampa, el engaño de tus sentidos / No es un sueño inquieto que acabará con la mañana / Es el adiós a Alejandra, que se va / El adiós a Alejandra, que pierdes)

If I were a carpenter

ROBERT PLANT (If I were a carpenter)

Tim Hardin tenía un carácter imprevisible, violento a veces, debido a su compulsiva adicción a la heroína. Y, sin embargo, también era emotivo y romántico, de lo cual, canciones como 'If I were a carpente' dan testimonio.
Esta canción se publicó en Tim Hardin 2 (1968), desvelando el amor del artista por Susan Morss, una chica dulce y de buena familia. Curiosamente, Bobby Darin, que buscaba renovar su imagen, recibió permiso para grabarla antes, en 1966.
No fue el único en quedar atrapado por el encanto de esta candorosa propuesta de amor por encima de convenciones sociales. La versión de Johnny Cash y June Carter, en 1970, desprende magia. Y la de Burl Ives, en 1969, cala como lluvia fina.
Robert Plant, cantante de Led Zeppelin, hizo su version de 'If I were a carpenter' en Fate of nations (1993), el álbum más personal de su carrera en solitario, logrando darle, con voz excepcional y arreglos aterciopelados, una sensualidad de gran calado.

(Si yo fuera un carpintero, y tú una dama / ¿Te importaría casarte conmigo? / ¿Llevarías en ti a mi hijo? / Si fuera calderero de oficio / ¿Aún irías conmigo cuando llevara las vasijas que hiciera y me seguirías? / Salva mi amor de la soledad / Salva mi amor del dolor / Yo te he dado lo que soy / Ven y dame tu mañana)

Little bombs

Aimee Mann - "Little bombs"

Aimee Mann se dio a conocer en 1983 con 'Til Tuesday, una interesante banda "new wave" de Boston en la que ella fue vocalista, además de tocar el bajo y componer la mayoría de las canciones, entre ellas  "Voices carry", un gran éxito.
Aquella banda le sirvió a Aimee Mann para emprender en 1993 una carrera en solitario realzada de modernidad musical y pulsiones literarias. "Whatever" (1993) inauguraba esa nueva faceta artística más introspectiva y sorpresivamente con referencias folk.
En  "Charmer" (2012), su último disco, se nota que la frescura pop ha ido adueñándose de su obra. Pero quizá lo más aplaudido sea "Bachelor No.2" (2000), con guitarras y teclados creando una espesura inquieta entre letras melancólicas y textura musical.
En "The forgotten arm" (2005) Aimee Mann transformó su fascinación por el boxeo en un álbum conceptual que funciona como metáfora para la atribulada vida de una pareja de drogadictos. "Little bombs" impone un escenario de realismo gris.

("En el piso 22.../Mirando por el marco de la ventana a Sycamore/Según convergen las líneas de perspectiva/Van apareciendo filas de coches y autobuses/Los preciosos y verdes árboles de Atlanta explotan como pequeñas bombas/ O pequeñas bolas decorativas de papel/Sacudidas por una mano descuidada/Que las va deslustrando.../La vida va vaciándose/Es más sequía que diluvio")

Lazarus

David Bowie (Lazarus)

No hacía un mes que "Blackstar" (2015), su última entrega discográfica, había salido a la venta cuando David Bowie nos dejaba el 10 de enero de este año. "Lazarus", una de las canciones del álbum, parecía anticipar su muerte: "Mirad aquí, estoy en el cielo".
Entre las virtudes del David Bowie genial de finales de los sesenta y la década de los setenta estaba precisamente su capacidad para anticipar estilos musicales y corrientes estéticas que enseguida configuraban la vanguardia de la cultura pop.
Ayudado del productor Toni Visconti y del guitarrista Mick Ronson, David Bowie fue figura central del glam-rock: "Hunky dory" (1971). Luego encarnaría al alienígena cuyo lenguaje experimental se vierte en "The rise and fall of Ziggy Stardust" (1972).
Esa flexibilidad camaleónica para interpretar los cambios culturales lo llevaron al soul de "Young americans" (1975) y al minimalismo y la electrónica de su trilogía berlinesa. En Nueva York desde 1999, D. Bowie no paró de reinventarse hasta escribir la coda final.

(Mirad aquí, estoy en el cielo/Tengo cicatrices que no pueden verse/Vivo un drama que nadie puede robarme/Ahora todo el mundo me conoce/Mirad aquí, estoy en peligro/Nada me queda por perder/Tan alto estoy que la cabeza me da vueltas/El móvil se me ha caído en las profundidades.../No hay otro camino/Ya sabes, seré libre/Libre como el pájaro azulejo/Pero ya no seré yo)

One day

Sharon Van Etten - "One day"

Curiosidades sobre Sharon van Etten (New Jersey, 1981): lectora de la poseía de Sylvia Plath y de la filosofía del Tao Te Ching; su carácter, reñido con la pretenciosidad, quiere hacer de su vida un libro abierto, sin temor a dar a conocer aciertos y fracasos.
Sharon van Etten despertó a la música presenciando conciertos a los que la llevaba su padre. En tiempos escolares aprendió piano y guitarra, y a cantar en coros. Escribió canciones mientras estudiaba en Tennesee. Allí tuvo una mala experiencia amorosa.
Fue una crisis que resolvió volviendo a casa e instalándose en Brooklyn. Sus actuaciones en bares propiciarían la grabación de "Because I was in love" (2009), un álbum sobrio, mayormente folk, que expresa incertidumbres y lamentos del corazón.
Siguió "Epic" (2010), un trabajo más eléctrico y de grandes destellos melódicos, como en "One day". Sus dos álbumes posteriores han ganado complejidad y brillo, tanto en lo que toca a la producción como a su voz, enriquecida de mayor libertad emocional.

("A mi hermana no le importa que no llegue a la hora/Ella sabe que he acabado con todo eso/Cansada de intentarlo, no hagas como yo/Mamá es aún cariñosa y él, papá, es amoroso todavía/Ellos saben a qué atenerse conmigo/Lo mío es ser amable y verdadera/Llámame aparte y enseguida iré/Para mí será estupendo/No me dejes ahora, pues podrías volver a quererme otra vez")

Streets of Arklow

VAN MORRISON (Streets of Arklow)

Van Morrison (Belfast, 1945) evidenció pronto su grandeza de artista. En 1965 ofrecía la apasionada 'Gloria' con Them, el destacado grupo de Rythm & Blues que lideró durante tres años. Pero el comienzo triunfal de su carrera vendría algo después.
Un primer peldaño dorado lo puso Astral Weeks (1968), álbum de leyenda que lo sostienen aires de free-jazz y marcada ensoñación poética. Rasgos que volvieron a aparecer con trasfondo de folk celta en el impagable Moondance (1970).
Van Morrison realizó hasta 1974 una serie de álbumes en los que se dejó el alma. Así, en el doble álbum It's too late to stop now (1974), grabado en el Troubadour de Los Ángeles, es toda una experiencia escuchar la brillante exhibición de su poderío vocal.
Antes de anunciar una época de transición, Van publicó Veedon Fleece (1974), otro título de los grandes. Tras divorciarse, el álbum le sirvió de catarsis emocional y de expresión de lirismo visionario, algo muy presente en 'Streets of Arklow'.

(El color del día iba despuntando en las calles de Arklow / Y la poesía inundaba nuestras cabezas / En la mañana se anunciaba el alba / Y mientras caminábamos / La alegría se derrochaba por las calles de Arklow / En la verdosa tierra divina/  Los gitanos iban de camino con corazones inflamados... / Caminábamos por las calles de Arklow empapados de belleza... / Y vi tus ojos, que brillaban como cristal claro)

Ring them bells

Sarah Jarosz - "Ring them bells"

Sarah Jarosz (Austin, 1991) empezó a formarse musicalmente a los doce años a partir del bluegrass, acompañando a artistas como Ricky Scaggs o David Grisman, pero su evolución la ha llevado a incorporar con estilo propio otros géneros tradicionales.
Sarah Jarosz  recibió a los nueve años una mandolina como regalo de Navidad. Un momento comparable a cuando, tras actuar en un festival veraniego en Colorado, le ofrecieron en 2007 ir a grabar a Nashville y después firmar con Sugar Hill Records.
"Song up in her head" (2009) es su primera contribución a la música norteamericana de raíces desde una trama de textura dulce y moderna. El tercer álbum, que la certifica a la cabeza del bluegrass contemporáneo, se llama "Build me up from bones" (2013).
Pero antes Sarah Jarosz había publicado "Follow me down" (2011), en donde hay una versión de "Ring them bells", la canción en la que Bob Dylan dibuja, con música pastoral y tono admonitorio, una serie de estampas de fondo alegóricamente religioso.

("Tocan las campanas, oh infieles/Desde la ciudad que sueña/Tocan las campanas desde los santuarios/Por valles y riachuelos /Pues ellos son profundos y anchurosos.../Tocan las campanas de San Pedro/En donde soplan los cuatro vientos/Tocan las campanas con mano de hierro/Así la gente sabrá/Que es hora de apresurarse/A la rueda y el arado/Y el sol va declinando/Sobre la vaca sagrada")

Silent passage

Bob Carpenter - "Silent passage"

El único álbum del canadiense Bob Carpenter, una joya musical de mediados de los setenta urdida con oscuridades de esplendorosos reflejos, ha sido distinguido entre las diez mejores reediciones del año pasado por la revista Rolling Stone.
Bob Carpenter nació en una reserva india próxima a Ontario, y creció entre orfanatos y padres adoptivos de los que escapó enrolándose en la Marina. Tras licenciarse, sus vagabundeos lo llevaron hasta la escena folk  de Toronto.
Encerrado en una cabaña durante un duro invierno, escribió las canciones que encantaron al productor Brian Ahern, quien reunió a extraordinarios músicos en el estudio de grabación (Lowell George, de Little Feat, o Emmylou Harris, entre ellos).
Grabado en 1974, "Silent passage" iba a ser la piedra fundacional de su carrera, pero disputas contractuales lo impidieron y, cuando el álbum apareció finalmente en 1984, Bob Carpenter ya estaba más interesado en el Budismo zen que en la vida artística.

(Antes de la guerra, yo no tenía necesidad de viajar/La verdad es que no sé por qué era tan importante marcharse/Y después de todo este tiempo me doy cuenta de que huyo de mí/Ni más ni menos que por miedo de lo que tengo que ganar al descubierto/A pesar de que sólo volver a casa me acerca a ti")

All my tears

Emmylou Harris - "All my tears"

La personalidad de Emmylou Harris y su inconfundible voz cristalina llevan varias décadas surcando el inagotable río del tiempo, embelleciéndolo de un reguero de luna en el que se refleja su inquieto espíritu creador, sensible y comprometido con la excelencia.
Tras conocer en 1971 a Gram Parsons, Emmylou Harris (Alabama, 1947) se convirtió en heredera de la música cósmica de raíces country. Majestuoso fue su debut discográfico "Elite hotel" (1975), igual que su participación en el "Desire" (1976) de Bob Dylan.
Instrumental en el éxito de los primeros diez álbumes, el productor Brian Ahern se despediría con "White shoes" (1983). "The ballad of Sally Rose" (1985) fue una suerte de autobiografía, anterior a "Trio" (1986), que compartió con Linda Rondstadt y Dolly Parton.
De la mano de Daniel Lanois, la artista se sacudió la atmósfera country tradicional con "Wrecking Ball" (1995) y exploró nuevos territorios en la voz y el sonido. La canción "All my tears", escrita por Julie Miller, se sitúa en la frontera de lo invisible.

("Cuando ya no esté, no lloréis por mí/Estaré en los brazos de mis padres/Las heridas que este mundo haya dejado en mi alma/Se curarán y volveré a ser como antes.../Da igual donde me enterréis/Yo ya estaré en casa y seré libre/No importa donde descanse/Se me habrán borrado todas las lágrimas")

Pride of man

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE  (Pride of man)

Quicksilver Messenger Service se consagró como banda puntera del Sonido de San Francisco cuando apareció su Happy Trail (1969), un disco cargado de pura energía y una carátula en la mítica del Viejo Oeste diseñada por Globe Propaganda.
Aunque Dino Valente fuera el impulsor de QSM, sus problemas con la policía y las drogas dejaron los comienzos discográficos del grupo a Gary Duncan (guitarra), David Freiberg (bajo), Greg Elmore (batería) y John Cipollina (guitarra solista).
Precisamente, John Cipollina, que eligió un plano discreto, pese a ser uno de los guitarristas más formidables de su generación, caracterizó el sonido vibrante y encendido de QSM, que en sus mejores momentos irradiaba como manantial de luz.
Quicksilver Messenger Service se estrenaron en 1968 con un álbum de melodioso sonido lisérgico de garaje para el que el cartelista Rick Griffin diseñó la portada. Cargada de tono apocalíptico, contenía una versión arrebatada de 'Pride of man'.
 
(Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / ¿Acaso no ves aquel fulgor de fuego que brilla diez veces más que la luz del día? / Contempla la imponente ciudad convertida nuevamente en polvo / ¡Dios mío! El orgullo del hombre no es más que polvo otra vez / Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / Babilonia se está descomponiendo, Egipto se hunde en la vergüenza)

A lamb on the stone

Nathaniel Rateliff - "A lamb on the stone"

Nacido en 1979 en una pequeña localidad de Missouri entre padres fervorosamente cristianos, Nathaniel Rateliff vivió con ellos la devoción religiosa pero también su dedicación a la música, la que tocaban para la iglesia protestante local.
Su madre le enseñó los primeros acordes a la guitarra a los trece años. El padre moría por entonces dejándole discos entre los que descubrió a John Lennon y Led Zeppelin, sin que haya que relacionar esto con su pérdida de fe cinco años después.
Pero encontró otra más fuerte en la banda de blues y rock garajero que formó en Denver con su amigo Joseph Pope III. Debutó con "Desire and disolving men" (2007), un álbum de composiciones sobrias para un tiempo de trabajos modestos y una vida nada fácil.
En Chicago grabó las canciones de "In memory of loss" (2012) , incluída "A lamb on the stone": folk-rock templado que tuvo excelente acogida. Lo último, "Nathaniel Rateliff & the Night Sweats" (2015), se perfila en la mejor tradición de soul sureño.

("¿Te crees un hombre al que hablar?/¿Piensas que me importa?.../¿Quieres ser el martillo de esos cuellos rotos que no se doblan?/Me has puesto ganchos para estirarme de la piel/Igual que en las antiguas danzas indias/Pero espera... Creo haber encontrado la manera de poder abordarme.../Hay gran confusión en la frontera de ninguna parte")

Hallelujah

Brandi Carlile - "Hallelujah"

Brandi Carlile (Ravensdale, WA, 1981) debutó dentro del rock alternativo en 2005 con un disco epónimo. Asistida por los gemelos Tim Hanseroth (guitarra) y Phil (bajista), habituales desde entonces, las canciones aportaban una atractiva frescura.
"The Story" (2007) -álbum producido por T- Bone Burnett-, la llevó por primera vez a las listas de éxitos. "Live at Benaroya" (2011) es un disco grabado en la sala Benaroya Hall de Seattle, con la orquesta sinfónica y arreglos del gran Paul J. Buckmaster.
En el álbum interpreta algunas canciones ajenas como muestra de la dmiración que desde muy joven ha sentido por luminarias como Elton John, su mayor influencia, o Leonard Cohen, del que escogió una canción oscura y de resonancias bíblicas.
Leonard Cohen escribió "Aleluya" para su álbum "Various Positions", de 1984. Enraizada ya en la cultura popular, la canción incide poéticamente en la fuerza misteriosa del amor y desprende un hechizo al que Brandi Carlile no ha sido indiferente. 

("He oído que hubo un acorde secreto/Que David tocó y fue del agrado del Señor/Pero ¿verdad que a ti no te interesa la música?/Era algo así: la cuarta, la quinta, la menor cae, la mayor sube/Confuso, el rey compuso el Aleluya.../Tu fe era grande, pero necesitabas una prueba/La viste bañándose en la azotea/Te pudieron su belleza y la luz de la luna/Ella te echó del trono y te cortó el pelo/Y de tus labios arrancó el Aleluya")

Ripple

GRATEFUL DEAD (Ripple)

Grateful Dead, la banda surgida de la contracultura de San Francisco que Jerry García lideró durante casi tres décadas, partió de un sonido laberíntico de sutiles texturas eléctricas que combinaba el vigor del rock y el extrañamiento de los viajes mentales.
Grateful Dead debutó en el verano de 1967 con músicos acompañantes de Jerry García en proyectos de folk y bluegrass, entre ellos Bob Weir (guitarra), Phil Lesh (bajo), Bill Kreutzmann (batería) y Ron 'Pigpen' McKernan (teclista).
En su primera época, Grateful Dead vivió como familia los ideales en boga de paz, amor y vida en común, y se sirvieron de drogas psicoactivas para desarrollar canciones de estructura compleja, con fuerte acento experimental y onírico.
Pero al estrenarse los setenta los Grateful Dead giraron espectacularmente a un country-rock de delicadas armonías vocales que regaló dos fabulosos álbumes: Workingman's dead y American beauty, ambos de 1970. Del último es la canción 'Ripple'.

(Si mis palabras refulgieran como el color áureo del sol / Y si mis melodías se tocaran con un arpa sin cuerdas / ¿Oirías mi voz a través de la música? / ¿La tendrías cerca como si fuera tuya?... / Onda de aguas tranquilas / Donde no se ha arrojado piedra alguna ni viento sopla / Extiende la mano si tienes la copa vacía / Y si llena, déjala llenar otra vez)

Brand new love

SERENA RYDER (Brand new love)

Serena Ryder (Toronto, 1982) ha consolidado su figura artística tras publicar "Harmony" (2013), un cuarto álbum de rock melódico con acento soul en el que el single "Stompa" se coló como un cohete en las listas de éxito norteamericanas y de su país.
Serena Ryder es la historia de una vocación musical que arranca a los trece años, cuando le regalan su primera guitarra. Una radio de Quebec le abriría el camino de su carrera discográfica cinco años después al emitir algunas grabaciones domésticas suyas.
Serena Ryder editó "Unlikely emergency" (2005) con ayuda del músico canadiense Hawksley Workman, aireando emociones desenfrenadas y una voz poderosa de mezzo-soprano cuyos registros la hermanan con Aretha Franklin y Amy Winehouse.
En "If your memory serves you well" (2006) rindió homenaje a autores canadienses (Leonard Cohen, Bonnie Dobson, Paul Anka...), pero el álbum más premiado y reconocido hasta la fecha es "Is it O.K." (2008), al que pertenece la canción "Brand new love".

(Hagamos como si estuviéramos resfriados / Nos quedamos en cama y vamos en bata por la casa / Y en el sótano respiramos el aire de libros antiguos / Y las palabras polvorientas de historias sobre otros lugares / Pero nadie puede ver las marcas / Que el aire hace en nuestros sueños cuando somos jóvenes / Yo no te puedo robar la respiración / Pero puedo mostrarte una nueva manera de amar)

Back home

Stone Poneys- "Back home"

Antes de darse a conocer en solitario, Linda Rondstad militó a finales de los sesenta en Stone Poneys, el grupo que como trío de folk-rock dejó dos interesantes álbumes producidos por Nick Venet,  famoso cazatalentos del sello Capitol.
Bob Kimmel, guitarra rítmica, se trasladó de Tucson (Arizona) a Los Ángeles en 1963. A su llamada acudieron Ken Edwards, primer guitarra, y Linda Rondstad. Tras dos años de actuaciones, las de The Troubadour les dieron la mayor popularidad.
Con "The Stone Poneys" (1967) lograron un disco estelar de música californiana en su exquisita amalgama de color, ritmo y armonías vocales -"Back home" es una muestra-, aunque entonces pasaran como una réplica fallida de Peter, Paul & Mary.
El segundo álbum, "Evergreen, volume 2" (1968), recibió más atención gracias a la acogida que recibió su versión de la canción "Different drum". Stone Poneys se desmembraron cuando Ken Edwards abandonó tras el fracaso de la gira promocional.

("La yerba parece más verde desde la última vez que la vi/Nueva belleza sigue apareciendo del pasado/Estas cosas conocidas me parecen muy gratas/Y tú, lo que más/El día en que me fui de este lugar no fue muy acertado/He visto muchos como éste en todo el verano/Pensaba en ti, no en alguien más../No importa adonde fui.../Las cosas que aprendí las traigo ahora para ti")

Make me smile

Steve Harley & Cockney Rebel - "Make me smile"

Steve Harley (Londres, 1951) dejó sus colaboraciones como reportero periodístico para engancharse a la cola del glam rock, un género en el que, como ejemplificaban David Bowie o Roxy Music, los juegos de imagen formaban parte de su capital artístico. 
Fiel a la estética pretenciosa y andrógina de aquel movimiento, Steve Harley propuso, sin embargo, una obra intelectualizada que, rodeada de seductores fuegos artificiales, resultaba alocadamente imaginativa, y tuvo momentos de música torrencial.
Steve Harley se rodeó de Cockney Rebel para debutar con "The Human Menagerie" (1974), un disco en donde la orquestación y el violín eléctrico hubieran podido enmarcar escenas de cabaret. Estela que perfeccionaron en "The Psychomodo" (1974).
Con "The Best Years of our Lives"(1975) parecían hurgar en el porvenir. Producido por Alan Parsons, en el álbum había canciones de movimiento cinemático y visual arrollador, así "Make me smile", que subió a lo más alto.

("No has dejado nada, has roto todas las normas/ Y has tirado al rebelde por los suelos/Digas los que digas, has estropeado el juego/ Sólo por dinero, ¡qué aburrimiento!/Ojos azules, ojos azules, ¿cómo puedes mentir tanto?/ Ven a verme, hazme sonreír/O haz lo que quieras y sigue corriendo sin freno.../Resiste, resiste, es de ti de quien tienes que esconderte")

Fallen angel

Robbie Robertson - "Fallen Angel"

Robbie Robertson lleva sangre iroquesa por parte de madre, una segura explicación de por qué el folk-rock de su música está tan impregnado de fuertes reminiscencias étnicas de inspiración en los indios nativos de Norteamérica. 
Nacido en Toronto en 1943, se contagió temprano de los ritmos y bailes de la reserva india en donde creció de pequeño. Con quince años tenía ya madurez musical para hacerse un sitio entre los Hawks del legendario músico canadiense Ronnie Hawkins.
En 1963 Robbie Robertson fraguó el nacimiento de The Band, un quinteto de ases que tras ser banda de Bob Dylan se estrenó con uno de los grandes álbumes de la historia del rock: "Music from the Big Pink" (1968). En 1976 celebraron su despedida.
Robbie Robertson flirteó después con el cine, antes de reaparecer en solitario en 1987 con un álbum epónimo producido por Daniel Lanois, en donde "Fallen Angel", con presencia vocal de Peter Gabriel, recuerda al desaparecido Richard Manuel.

("¿Estás ahí? ¿Puedes oírme? ¿Puedes verme en la oscuridad?/No puedo creer que todo esto sea para nada.../A veces he pensado que sentías demasiado/Y tuviste que cruzar a la tierra oscura/El río desbordaba/El cielo se tiñó de rojo ardiente/Tu mano ejecutó lo pactado.../Ángel caído que proyectas una sombra sobre el sol.../Desciende arcángel Gabriel, que suene tu trompeta")

Oh!

Sleater-Kinney - "Oh!"

Sleater-Kinney, la banda norteamericana de rock indie formada en 1994, volvió a reunirse en 2015 después de una década de separación, publicando el aclamado No cities to love con la energía voltaica y la letras inflamadas propias de este grupo.
Corin Tucker (voz principal, guitarra) y Carrie Brownstein (guitarra, voces), paladines del feminismo y de la izquierda política, impulsaron Sleater-kinney que, siempre en forma de trío femenino, asentó su trayectoria en 1997 al llegar la baterista Janet Weiss.
Dig me out (1997) ofreció la primera gran obra de Sleater-Kinney, todo un escenario de musicalidad nerviosa post-punk sustentado en guitarras feroces y agitadas melodías, y en la desmesura vocal con ecos de Nina Hagen o Lene Lovich.
The woods (2005) es un álbum muy valorado porque, además de apasionamiento, aporta un sonido denso y experimental. Canciones cargadas de adrenalina y respuesta política discurren también por One beat (2002), al que pertenece 'Oh!'.

(Si estás cansado del gran jaleo / Contrólate un poco/Sigue jugando con algo de frenada / Aminora la marcha y no hagas tantos errores / Ninguna mano palpa mi corazón como la tuya / Nadie me ha entendido como tú / Mentiría si te dijera que alguien estás más cerca / No te preocupes, ¡lo has conseguido! / Si quieres mi fuego, dímelo/  Estoy harta y cansada de ver pasar las cosas)