Blew

NIRVANA (Blew)

Combinando aliento musical punk y sonoridad heavy-metal cercana a Black Sabbath nació el sonido grunge. El clima de crudo desespero de sus canciones se formaba en el texto de las letras, la distorsión de guitarras, la densidad rítmica y el grito áspero.  
Este fue un estilo que representó máximamente Nirvana, la banda formada en 1987 por Kurt Cobain y el bajista Kris Novoselic en Seattle. En los dos años previos, ambos habían perfilado la orientación punk de su música en actuaciones en vivo.
Con el batería Chad Channing desde finales de 1986, Nirvana consolidó su circuito de seguidores y despertó el interés de la discográfica indie Sub Pop. En ella salió Bleach (1989), que arranca con 'Blew', una muestra definitiva de su rock alternativo.
Grupos como Sonic Youth y Dinosaur Jr. les consideraron sus iguales. A Nirvana le aguardaba las mieles del éxito mundial de Nevermind (1991) y a Cobain tres años más de ser el artista admirado que progresivamente se hunde en la heroína.

(Adiós, buenas noches, nos vemos / Y si no te importa, me gustaría mandarlo al carajo / Y si te parece bien, quisiera perderlo / Y si no te importa, me gustaría largarme / Y si te parece bien, querría respirar / ¿Hay alguna razón más para esta mancha tuya? / ¿Podrías creer que quien conocimos era estrés o deshonra? / Otra palabra más que rima con vergüenza)

White Christmas

LADY GAGA (White Christmas)

Hay canciones que se hacen universales porque, más allá de sus circunstancias de origen, inspiran sentimientos en gentes de todas partes. Esto podría decirse de ‘White Christmas’, escrita por el famoso compositor norteamericano Irving Berlin en 1940.
Se trata de la canción más versionada y de mayores ventas del canon navideño. El aire de nostalgia que posee se debe a que quizá Irving, judío nacido en Rusia, recordaba en ella al hijo fallecido con tres años en 1928. 
La canción iba a formar parte de una revista musical, pero terminó incluyéndose en la película Holiday Inn (1942), desde la que alcanzó popularidad gracias a la soberbia interpretación de Bing Crosby, quien la había presentado un año antes en la radio.
Lady Gaga recogió 'White Christmas’ en el EP A Very Gaga Holiday (2011), rindiéndole un tributo con orquestación clásica, pero, fiel a su brillante y peculiar idiosincrasia, le añadió un verso propio, y con ello nueva savia para reverdecer en nuestro tiempo.

(Sueño en unas Navidades blancas / Igual que las que conocíamos antes / Donde las copas de los árboles relucen y los niños escuchan / Para oír las campanas del trineo en la nieve, oh, oh, oh / Sueño en unas Navidades blancas… / Sueño en un blanco muñeco de nieve / Con nariz de zanahoria y ojos de carbón / Y cuando se ponga a llorar / Le diré que no se preocupe)

Refrain

ALLEN GINSBERG (Refrain)

En el verano de 1955 tuvo lugar una velada poética en la Galería Six de San Francisco, a la que asistió una buena representación de la llamada Generación Beat. El protagonista indiscutible de la noche fue el poeta Allen Ginsberg.
El largo poema Aullido no fue lectura, sino enardecida declamación y sincopado canto. Los entusiasmados asistentes se sintieron interpelados y reaccionaron al apasionamiento de Ginsberg con gritos de ‘sigue’, ‘sigue’.
Fue una constante de la obra poética de Ginsberg sostener sus versos libres en un ritmo interior próximo a la música y convertir los poemas en canciones, que, acompañándose de su inseparable armonio, a veces resuenan como invocaciones mántricas.
Hasta la realeza del rock (Grateful Dead, The Clash, Paul McCartney, Bob Dylan...) le hizo sitio entre ella. En el álbum The lion for real (1989), la guitarra clásica de Marc Ribot y la producción de Hal Willner arropan la voz profunda del poeta.

(El aire es oscuro, la noche triste / Me acuesto insomne y gimo / A nadie le importa que un hombre se vuelva loco / Él está apenado, dios está contento / La sombra se hace hueso / Toda sombra lleva un nombre / Me quejo cuando pienso en el mío / Oigo rumores de gran fama / No para enorgullecerse, sino para sentir vergüenza / La sombra se hace hueso)

Roll Um Easy

LITTLE FEAT (Roll Um Easy)

Little Feat, la banda liderada por Lowell George (guitarra, voz) desde 1969 hasta su muerte temprana en 1979, enriqueció de elegancia y sofisticación el llamado sonido de California, fusionando rock & roll, rythm & blues y ritmo funky con química calurosa.
Lowell George, un personaje de espíritu beatnik, estudioso del sitar indio y el shakuhachi japonés en su adolescencia, estuvo entre 1968 y 1969 en los Mothers of Invention de Frank Zappa, antes de formar Little Feat con Roy Estrada, Richie Hayward y Bill Payne.
Debutaron con Little Feat (1971), extraña mezcla de blues rural y música honky-tonk, y excepción a la saga de álbumes posteriores, repletos de notas de color y surrealismo que se anuncian ya en las mismas portadas, diseñadas por el ilustrador Neon Parks.
La incorporación de Paul Barrère, Kenny Gradney y Sam Clayton acercó Dixie Chicken (1973) al sonido soul de Nueva Orleáns, a más apoyatura de coros y piano. Canciones como 'Roll Um Easy' le salían a Lowell George del corazón.

(Soy sólo un vagabundo / Un aventurero sin rumbo / Una vulgaridad elocuente / Se desprende de mi boca / Pero he comido en palacios / Y bebido vino con reyes y reinas / Y, querida mía, tú eres lo mejor que he contemplado / Oh,¿no me amarás con ternura? /¿Despacio y tiernamente? / Toma mi independencia / Sin aprensión ni tensiones / Tu hablar y tu andar es el sueño del paraíso)

My mama never taught me how to cook

ANNETTE PEACOCK (My mama never taught me how to cook)

Annette Peacock es conocida por una obra idiosincrásica de experimentación y vanguardia,  en la que se han dado cita fórmulas inéditas de fusión del rock, el funk y el jazz. También destaca su papel pionero en el uso de la electrónica musical.
Su vinculación primera con el jazz le vino de la mano del bajista Gary Peacock, con quien se casó en 1960, a los diecinueve años. Su relación posterior con el pianista Paul Bley la mantuvo en la vanguardia, esta vez incorporando el sintetizador moog.
Con este instrumento y recurriendo a la disonancia, la artista prestó su amplio rango vocal para resaltar las emociones revueltas que forman la esencia de sus composiciones. Lo muestra I’m the one (1972), un álbum de debut en la frontera del rock progresivo.
Rodeada de grandes músicos (los guitarristas Mick Ronson y Chris Spedding, el batería Bill Bradford...), el álbum X-Dreams (1978) exploraba propuestas arriesgadas desde la libertad poética y la improvisación del jazz, ratificándola como rara artista de culto.

(Mi mamá nunca me enseñó a cocinar / Pero mi hermano, me enseñó cómo … comer / Papa nunca me enseñó cómo chu-chu (triunfar) / Por eso estoy tan loca / Papá no me enseñó cómo triunfar / Por eso soy tan desinteresada / Nunca fui buena al volante ni mejor como traficante / Pero soy de las que no paran / Sí, no me enseñó cómo triunfar / Pero mi hermano me enseñó a poner la otra mejilla / Por eso nadie ha creído en mí / Y no soy nada sentimental)

Little Sister

RY COODER (Little sister)

Ry Cooder se daba a conocer en 1965, cuando con Taj Mahal formó The Rising Sons, cuyo único álbum permanece como sabia y deliciosa mezcla de estilos. Tocaba después guitarra slide y el bajo en Safe as Milk (1967), locura proto-punk de Captain Beefheart.
A los veintitrés, y habiendo tocado también para los Rolling Stones, Cooder da paso en 1970 a la imaginativa variedad de influencias que adornarán su discografía, donde canciones oscuras o de gran tradición cobran vida con arreglos originales o música torrencial.
Se diría que Cooder ha sabido explotar con absoluta familiaridad la rica diversidad musical que se da en suelo norteamericano, provenga del jazz, el blues o el reggae, o de Méjico, Hawai o Cuba (fue productor de Buena Vista Social Club).
Excelente disco es Bop till you drop (1979), que con banda de lujo y magníficas voces, entre ellas la del afamado Bobby King, presenta un ambiente festivo, sin importar que 'Little Sister', escrita por D. Pomus y M. Shuman, sea la queja por un lío amoroso.

(Hermanita no me beses una o dos veces / Digas que es agradable / Y luego te vayas / Quedé con tu hermana mayor / Y la llevé de fiesta / Fui a buscar un caramelo algodón / Y entonces se presentó Jim Dandy / Y los dos se fueron a escondidas / Cada vez que veo a tu hermana / Siempre está con alguien nuevo / Es pérfida y mala… / Hermanita, no, no / No hagas como tu hermana mayor)

The End

DIANE BIRCH (The End) 

Los himnos religiosos del Adventismo del Séptimo Día, una iglesia de la que su padre era pastor, fue un primer estímulo para que Diane Birch optara por aprender piano siendo niña. Y lo hizo según el método Suzuki, que prima el oído sobre la escritura musical.
Hasta volver a Oregón a sus trece años, en 1996, su familia la había llevado a Zimbabwe, Africa del Sur y Australia. Un peregrinaje así contribuyó a fraguarle un estilo personal que, con todo, rezuma pop-soul clásico en la línea de Elton John o Laura Nyro.
Los Ángeles sirvió para que se curtiera como pianista en distintos hoteles y terminara tocando para Prince en 2006. Tras pasar por Londres, Diane grabó Bible Belt (2009) en Nueva York, un primer disco que se adscribe al sonido templado de soul urbano.
Su voz volvía a ser el instrumento esencial con el que cubre de sensibilidad melódica el segundo álbum, Speak a little louder (2013). De la que volvía a dar pruebas en 'The End', un sencillo aparecido en 2017 para recordar a su fallecido padre.

(Bajo mi piel hay un fantasma / Que baila despacio con alguien que yo era antes / Pero ahora la chica que soy no me deja entrar / Vivo con recuerdos que por muy brillantes no puedo ver / Despiértame en el otro lado / Allí iré nuevamente esta noche / Nuestro amor sólo había empezado / Oh, ¿por qué una estrella brilla al final con más fulgor? / Bajo mi piel hay un fantasma / Que, igual que una canción de cuna, quema despacio / Tú me la cantabas / Como humo que el viento llevara)

Sex & gasoline

RODNEY CROWELL (Sex & gasoline)

Rodney Crowell ha adquirido estatus de clásico del country-rock americano tras casi cinco décadas de excelencia musical repartida en más de una veintena de álbumes, que han cosechado canciones de enorme éxito en su versión original o en la de otros artistas.
Su carrera profesional ganó importancia cuando en 1975 vino a Los Angeles desde Houston para formar parte de la banda de Emmylou Harris como guitarra rítmica y letrista (‘Bluebird wine’, ’Till I gain control again’, ‘Leavin' Louisiana in the Broad Daylight’…).
Crowell se estrenaba en solitario con Ain’t living long like this (1978), dejando clara no solo su grandeza como escritor de canciones, sino también una voz sincera y emotiva que se adapta tanto al pop colorista como al movido rocanrol.
En el décimo tercer ábum de estudio, el titulado Sex & Gasoline (2008), el artista, con sabia producción de Joe Henry, trató del 'arquetipo femenino’ y, pensando en su mujer y en una de sus hijas, de las nefastas exigencias que puede acarrear.

(Tanta belleza, abdominales y culos / Te agobian como arbusto ardiendo / La religión del pop fustiga afiladamente / Dice que no eres sino el cuerpo que muestras / Venga, chica, arrodíllate ante la revista de desnudos / Este mundo antiguo y mezquino lo mueve el sexo y la gasolina / Diecinueve velas adornan tu pastel / Los simples placeres de la vida están en aprovechar oportunidades)

Everyday is like Sunday

MORRISSEY (Everyday is like Sunday)

Cuando Morrissey formó junto a Johnny Marr el grupo The Smiths en 1982, una legión de jóvenes ingleses crecidos bajo la rígida política conservadora del thatcherismo reconocieron en este crooner del rock indie a uno de los suyos.  
Nacido cerca de Manchester en 1959, Morrissey certificaría la muerte del punk, principalmente a través de postulados basados en la ambigüedad sexual, la defensa del vegetarianismo y la recuperación de las guitarras para la melodía.
Morrissey llevó a The Smiths a triunfos clamorosos, especialmente por medio del álbum epónimo de 1984 y posteriormente con The Queen is dead (1986), números uno y dos, respectivamente, en las listas inglesas.
Al disolverse el grupo, Morrissey inició su carrera en solitario con Viva hate (1987), un disco destacable por la labor del guitarrista Vini Reilly y canciones de ingenio como la tremenda 'Everyday is like Sunday'.

(Andando despacio por la arena húmeda / Para llegar al banco / De donde te han robado las ropas / Esta es la ciudad costera / Que han olvidado precintar / ¡Armagedón! ¡Ven Armagedón! / Cada día es como si fuera domingo / Cada día es silencioso y gris… / Volviendo pesadamente entre guijarros y arena / Un polvo extraño te cubre las manos / Y la cara / Y la cara)

Across the Great Divide

NANCI GRIFFITH (Across the Great Divide)

Acosada por problemas de salud, Nanci Griffith se retiraba en 2012 dejando atrás una carrera ejemplar que discográficamente arrancó en 1978 y ha resultado en más de veinte álbumes asignados a los géneros country y folk de sonido contemporáneo.
Nanci creció en Austin (Tejas) con el interés puesto en la música gracias a la admiración apasionada que artistas como Loretta Lynn o Townes Van Zant despertaban en ella. A los doce años componía canciones y se la podía ver actuando en cafés musicales.
Algo que haría ininterrumpidamente desde entonces, pero sólo adquirió un giro profesional al ganar el premio New Folk Competition de un prestigioso festival tejano. Le sirvió para  debutar el mismo año con There is a light beyond these woods (1978).
La elasticidad de su voz cristalina se ha arropado habitualmente en cuidados arreglos, algo que distingue especialmente Other voices, Other rooms (1993), un álbum de versiones en donde participan algunos de sus autores (Bob Dylan, John Prine…).

(He estado andando mientras dormía / Contando dificultades en vez de ovejitas / Dónde han ido a parar los años, no lo sé / He curioseado entre capas de libros polvorientos y papeles descoloridos / Hay una historia que yo conocía / Una que pasó hace mucho tiempo / Es del ayer / Ahora yo me veo en la ladera de la montaña / Donde los ríos cambian su curso / En la Gran Divisoria / Oigo el canto del cucú / Apacible, mientras la noche se echa encima)

Have you seen my baby?

RANDY NEWMAN (Have you seen my baby?)

Abrazando los géneros popular y clásico, Randy Newman sigue la estela de compositores americanos como G. Gershwin, Aaron Copland e Irving Berlin. Heredó el gen musical familiar, pero es mérito suyo un trabajo reconocido de más de medio siglo.
Al saber que tíos suyos se distinguieron en música de películas y televisión, y que su padre tocaba clarinete y saxo antes de ser médico, se entiende que Randy comenzara a estudiar piano clásico a los siete años y que ya escribiera canciones a los quince.
Siempre original y talentoso, fue un muchacho con problemas de autoestima y extraño carácter, pero encontró redención en la música. Su estreno, Randy Newman (1968), con orquesta y canciones de humor brillante, era realmente 'algo nuevo bajo el sol’.
Recuperando instrumentación clásica de rock, 12 songs (1970) es un grandioso disco de viñetas de la América de cuello blanco, observadas con espíritu mordaz pero también empatía. ‘Have you seen my baby?’ transporta al Nuevo Orleans de Fats Domino.

(¿Has visto a mi chica por la avenida? / Sabes, me está volviendo loco con esas cosas que hace / La he visto con el lechero ir en coche  por la calle / Cuando haya terminado con mi chica  / Envíemela a casa / Paciencia, paciencia... / La he visto con los gitanos bailar en el bosque / Siempre me ha sido infiel ... / Le digo ‘no hables con extraños’ / Pero no me hace caso / Me dice ‘hablaré con extraños cuando quiera’ / ‘Porque yo también soy una extraña’)

Season of the Witch

DONOVAN (Season of the witch)

A los diecinueve años, en medio del reinado de los Beatles y de la fuerza arrolladora que con espíritu beatnik imprimía Bob Dylan a la música popular americana, Donovan (oriundo de Glasgow) había publicado Catch the wind y Fairy tale, ambos de 1965.
Donovan se ganó a partir de aquel año la popularidad de los grandes músicos gracias a media docena de espléndidos álbumes que, con el productor Mickie Most, publicó hasta empezar los setenta, aventando el idealismo hippie y las ensoñaciones pastorales.
El punto de partida de sus éxitos discográficos fue Sunshine Superman (1966), un retablo de canciones en donde Donovan traslada experiencias y visiones en lenguaje impresionista. De ellas, 'Season of the witch' es la más conocida y también la más versionada.
También destacable es el doble A gift from a flower to a garden (1967), eléctrico y de textura jazz por una parte, y de folk acústico por la otra. Donovan pretendió que en él se pudiera oír la conciencia meditativa y el pálpito del planeta por la transcendencia.

(Cuando miro por mi ventana / Hay muchas panorámicas que ver / Y cuando miro en mi ventana / Se puede ser muchas personas diferentes / Es extraño, muy extraño / Hay que hilar fino / Mmm... será que es la temporada de las brujas / Cuando miro por encima del hombro / ¿Qué piensas que veo? / A otro tipo que me mira por encima del hombro / Tipo extraño, tipo extraño / Hay que hilar fino)

Kind of a woman

NANCY SINATRA (Kind of a woman)

La afición musical de Nancy Sinatra debió de empezar a los cuatro años de edad, al recibir sus primeras clases de piano. Sabía hacer arreglos y escribir armonías cuando Reprise Records, la compañía fundada por su padre, le dio la oportunidad de grabar.
Pero en 1961 sus canciones sonaban anticuadas y su carrera no hubiera despegado de no ser por la fortuna de conocer en 1964 a Lee Hazlewood, cuyo talento subversivo funcionaba como contrapunto ideal a la imagen de vivaracha artista pop que ella tenía.
A él se debe la galardonada ‘These boots are made for walkin' y una exitosa asociación en cinco álbumes. A destacar Nancy & Lee (1968), en donde la suma de los arreglos orquestales y el contraste de su voces dispares desprende magnetismo inagotable.
Adivinando aires no favorables en los setenta, Nancy se despediría con Woman (1972). Había madurado entre la belleza y la oscuridad y, a diferencia de sus admiradas Carly Simon y Carole King, sentía que ya había dado lo esencial de su ser artístico.

(Soy de las mujeres de olor dulce que dicen la verdad y habitan la ciudad / Y busca al tipo de hombre que anda despacio, habla con dulzura y va a por todas / Yo soy de las que beben vino, piensan rápido y hace guiño de ojos  / Y busca un tipo de hombre de cabeza fría, serio y sin compromiso / No soy mujer para hombre si tú no eres hombre para mujer / Ven y que sea tuya, si puedes, si puedes)

It's all right

JIM CAPALDI (It’s all right)

Jim Capaldi, inglés de ascendencia italiana, aprendió canto y piano de su padre, pero se decantó por la batería desde los catorce años. De su implicación en distintas bandas conoció al guitarrista Dave Mason y a Steve Windwood. Con ellos nació Traffic en 1967.
La suya fue una aventura admirable de rock progresivo-psicodélico hasta su disolución en 1974. Antes, Capaldi se había estrenado con el sonido directo y melodioso de Oh, how we danced (1972), contando con los músicos de estudio de Muscle Shoals (Alabama).
A los treinta y un años, en su excelente segundo álbum Whale meat again (1974), los temas de amor, rebeldía, política y ecología (¡parad la caza de las ballenas!) son agitados con suave ritmo funky, apreciable ya en ‘It’s all right’, la canción que abre el disco.
En la cumbre de su personalidad artística, Short cut draw blood (1975) es un álbum emblemático de los setenta. Capaldi sabía integrar diversos estilos de forma calurosa, y un par de canciones de este disco subieron a las listas de éxito inglesas.

(Cuando dije que te necesitaba / ¿Pensaste que era una manera de acercarme a ti porque me me sentía perdido? / Dijiste algo que no pude comprender / Pero algo sentí cuando me cogiste de la mano / Todo está bien, todo está bien / La pena es mi amiga cada día al despertar  / Y dondequiera que miro veo fingimiento en la gente / Si quieres mi amor, muy bien / Si quieres mi amor, esta noche puedes tenerlo / Y todo es perfecto)

Born Again

EMILY BINDIGER (Born again)

Emily Bindiger nació en el barrio de Brooklyn en 1955. El ambiente familiar le fue propicio para que a edad temprana despertara su interés por la música. De hecho,  a los catorce años consiguió ser extra en la película ‘Taking off’, de Milos Formans.
A partir de aquí, a Emily no le faltaron papeles de cantante y actriz secundaria,  importante el de un programa infantil para la televisión que duró varios años. Tenía dieciséis cuando, estando en Francia, la compañía Pathé se ofreció a grabarle un álbum.
Ya tenía escritas las canciones de Emily (1972), que brotan de la inocencia y la pasión juveniles, también de la búsqueda espiritual, y en las que el vibrato trémulo de Emily discurre entre musicalidad barroca ligeramente psicodélica y folk progresivo.
La acompañaron los cinco músicos de Dynastie Crisis, banda de Michel Ponareff. Y lo que nació como rareza se convertiría con el tiempo en apreciado disco de culto. A continuación, Leonard Cohen la llamó a participar en el álbum y en su gira europea de 1974.

(Saltando por los campos de trigo / Llorando, el amor en ascuas / Tira con fuerza de mis brazos / El soplo de paz que busco / Cada día y cada semana / Las palmas extendidas, anhelantes / Oh dulce aire consolador, ¿qué le ha pasado a tu frescura y tu rocío? / Mira y ve lo que hizo de ti la imagen de Dios / Llevo esperando mucho tiempo / Hacer algo, restaurar / El amor que tuviste por mí / Si alguna vez puedo / Contemplarte otra vez / Sentiré paz en mí y seré libre)

Araby

KEVIN COYNE (Araby)

Kevin Coyne, salido de familia de clase trabajadora de Derby en 1944, fue creador de canciones entre el blues y el folk urbanos, resaltadas frecuentemente en tono excéntrico o tormentoso, pues a ellas trasladaba experiencias y talante propios.
Kevin estudió en la escuela de arte de la ciudad, donde se asoció con Nick Cudworth, para editar dos álbumes de Chicago-blues, en los que su voz parecía transportarse de la energía de Little Richard y Elmore James juntos, según cuenta su antiguo socio.
Padre de dos hijos en edad juvenil, trabajó como terapeuta social. Del trato con la alienación surgió Case History (1971), triunfal disco en solitario, mayormente acústico, en donde canciones como ‘Araby' tienen ya ese punto de briosa desazón característica.
La Virgin de Richard Branson vio en él un talento incontestable. Le publicaron el aclamado Marjory Razorblade (1973) y luego casi una decena de discos más hasta 1980. Pero tampoco después se traicionaría como artista heterodoxo por buscar la vía del éxito.  

(Quiero hacer un viaje a Arabia / Quiero ver cómo el sol desciende por las rodillas de una damisela / Quiero ir montado en una mariposa grande de bronce / Quiero ver cómo el sol desciende en el gran cielo azul de Arabia / Quiero ir adonde nunca van los hombres blancos / Quiero ver a los nativos bailando toda la noche su 'ho-di-do’ / Quiero hacer mi viaje a Arabia / A-ra-ra-ra-bi-bi-a)

Thirteen

BIG STAR (Thirteen)

Alex Chilton, conocido de su etapa en los Box Tops y en particular por la canción ‘The letter’, formó en Memphis el grupo Big Star con tres músicos más el año 1970. Por sus gustos y potencial musical podrían haber revivido el espíritu pop de los Beatles.
Los otros eran Jody Stephens (batería), Andy Hummel (bajista) y el guitarrista Chris Bell, que inclinado a la melodía, la conjunción armónica y el perfeccionamiento en el estudio era el complemento perfecto al estilo más desfogado y espontáneo de Alex Chilton.
John Fry, ingeniero y propietario de los estudios Ardent, jugó también un papel importante como técnico de grabación. En el debut con #1 Record (1972) destaca la canción ‘Thirteen’ y el esmero de Bell para redondear canciones que debían llevarles al éxito.
No fue así y se marchó frustrado. Bajo la dirección de Chilton, Radio City (1974) correría el mismo destino comercial, pese a tener ‘September Gurls’ y el elogio de Rolling Stone y Billboard. Bajaron el telón en 1975, pero su música seguiría sonando.

(¿No me dejarás que te acompañe de la escuela a casa? /¿No podríamos vernos en la piscina? / Quizá el viernes pueda comprar entradas para el baile / Y te pueda llevar / Ooh, Ooh / ¿No podrías decir a tu padre que deje de ser pesado? / Y recordarle lo que dijimos sobre ‘Píntalo de negro’? / El rocanrol ha llegado para quedarse / Ven a mí, bien, de acuerdo / Yo te menearé el cuerpo / Ooh, Ooh)

Coat of many colors

DOLLY PARTON (Coat of many colors)

Dolly Parton fue cuarta entre doce hermanos. La portada del álbum My Tennessee Mountain Home (1973) muestra la cabaña que fue su casa, bendecida por la dulce fragancia de la madreselva en verano. De niña le encantaba inventarse y cantar canciones.
Su talento le permitió hacerse hueco tempranamente en espectáculos de música regionales. En 1964, con dieciocho años, abandonó el hogar familiar para probar fortuna en Nashville. A su llegada se encaminó a Music Row, el distrito musical de la ciudad.
Pasó tres años difíciles hasta recibir la invitación de Porter Wagoner y formar pareja artística con él en su popular programa televisivo de música country. Grabaron conjuntamente varios discos, siendo el mismo Porter productor de sus primeros álbumes.  
El tercero, el titulado Coat of many colors (1971), la consagró como escritora de canciones y una forma de cantar y tocar la guitarra muy al estilo de la legendaria Maybelle Carter. Por la canción que le da título corre una anécdota candorosa de su infancia pobre.    

(Espigando entre los años / Espigando los años de mi juventud / Me vienen otra vez los recuerdos  / Me acuerdo de una bolsa de telas de paño que alguien nos dio / Y el uso que mi madre hizo de ellas / Las había de muchos colores / Todas eran pequeñas / Y yo no tenía abrigo  / El otoño estaba bien entrado / Mi madre cosió las telas juntas / Cosiendo cada una con amor / Y me hizo un abrigo de muchos colores)

Road to Cairo

DAVID ACKLES (Road to Cairo)

David Ackles se cuenta entre la minoría de cantautores americanos de finales de los sesenta (Mickey Newbury, Scott Walker… ) por cuya obra corre una gloriosa anomalía literario-musical que con frecuencia se condensa en historias intrigantes u oscuras.
Los años de formación de David Ackles, nacido en Rock Island (Illinois) en 1937, estuvieron envueltos en el fervor religioso y la afición musical de su propia familia, y discurrieron entre estudios de literatura inglesa, cinematografía y teatro.
Empleado en Elektra, la discográfica de Jack Holzman, escribía canciones para otros, pero tan peculiares que se decidió a llevarlas él mismo a las mesas de grabación. Publicaría hasta 1973 cuatro discos de folk-rock, considerados hoy piezas de culto.
Debutó con David Ackles (1968), anunciando ya la excentricidad de su estilo y de sus temas. Sobresalía la épica 'Road to Cairo', un gran éxito para Brian Auger y Julie Driscoll, señalada con una progresión de acordes que enmarcan ansiedades al volver a casa.

(Alguien me dijo que esta misma carretera va a Cairo / Tengo que conseguir que me lleven allí / Tengo que volver a ver, volver a ver a mis niños / Tengo que ver a mi joven esposa / He estado viajando / Y he estado ausente mucho tiempo / No sé qué me voy a encontrar / Me asusta lo que pueda encontrar / Pero tengo que volver a verlos)

Don't play that song

ARETHA FRANKLIN (Don’t play that song)

En 1970 Aretha Franklin cumplía veintiocho años. Atrás quedaban sus comienzos de niña como cantante y al piano en la iglesia baptista de su padre. También media docena de álbumes para el sello Atlantic que la habían coronado como reina del soul.
Aretha publicaba aquel año This girl’s in love with you, en donde recogía de los Beatles ‘Eleanor Rigby’ y ‘Let it be’, transformando ésta en un elevado y esperanzado himno religioso. En su lectura de ‘Dark end of the street', el amor era redimido de todo pecado.
Con celeridad y abundancia increíbles, grabado entre Nueva York y Miami, ese mismo año salía Spirit in the dark, octavo álbum para Atlantic, cuya cuidada producción incluía participación de la sección rítmica Muscle Shoals y de las coristas Dixie Flyers.
Era la vuelta de Aretha a la negritud del blues cantado en iglesia. El título del disco respondía a una composición propia, acogida con éxito en las listas de rythm & blues, y se abría con la arrolladora 'Don’t play that song’, escrita por Ben E. King en 1962.

(No toque esa canción para mí / Porque me transporta recuerdos / De días que conocí / De los días que pasé contigo / Oh, no, que no toquen la canción / Me llena el corazón de dolor / Que pare ahora mismo / Porque recuerdo lo que él me dijo / ‘Querida…’ (Querida, te amo) / Y sé que mentía… / Eh, señor, deje de tocar la canción… / Recuerdo la primera cita / Me besó y se fue / Yo solo tenía diecisiete años)

This is the day

THE THE (This is the day)

Matt Johnson fue el fundador de The The, el nombre con el que publicó tres álbumes en los ochenta que, dominados por la electrónica, siguen en línea individual el inconformismo generacional y la denuncia social del movimiento punk precedente.
La vocación musical de Matt Johnson se despertó oyendo a las celebridades que actuaban en el pub londinense Two Puddings, propiedad de su padre. En 1979, con Keith Laws al sintetizador, The The empezó formalmente su andadura.
Matt reflejó el agobio social e ideológico del thatcherismo en discos en donde asisten notables invitados: Tools Holland, fundador de Squeeze (Soul Mining,1983); la cantante Neneh Cherry (Infected,1986); Johnny Marr, ex-Smiths (Mind Bomb, 1989).
Sólo tenía veintidós años, pero con Soul Mining contribuía a definir una época exhibiendo un estilo personal de pop electrónico marcado de vivas pulsaciones que repetidamente dejaban escapar fogonazos para alumbrar un baile en la oscuridad.

(Esta mañana no te despertaste, porque no te fuiste a dormir / Observaste cómo enrojecía el cristalino de tus ojos / El calendario de la pared mostraba el paso de los días / Has estado leyendo cartas antiguas / Sonríes y piensas en lo mucho que has cambiado / Todo el dinero del mundo no podría devolverte el tiempo transcurrido)

Ooh Child

VALERIE CARTER (Ooh Child)

Valerie Carter legó al rock californiano de los setenta dos apreciados álbumes de acento soul y ritmo melódico. Se la encuentra además asociada desde 1975 a James Taylor, con el que colaboró como vocalista en sus giras y álbumes de los noventa.
Valerie llegó de adolescente al Village de Nueva York, en donde ejerció de camarera e hizo sus primeros pinitos como cantante. De su paso por una comuna en Lagunitas surgió el trio Howdy Moon, con el que actúo en el Troubador de Los Ángeles.
Pero fue Lowell George, líder de Little Feat, quien impulsó su carrera. Con él y muchos otros artistas de renombre (Jackson Browne, Linda Ronstadt…) publicó Just A Stone’s Throw away (1977), el álbum que abría con 'Ohh Child' y consagró una voz carismática.
Rodeada también de grandes músicos (Jeff Porcaro, batería; Steve Lukather, guitarra…), Wild child (1978) refleja una producción pulida y arreglos que favorecen los medios tiempos por donde se cuelan aires de sensualidad y música disco.

(Uh, Uh, muchacho / Las cosas se pondrán más fáciles / Uh, Uh, todo será más brillantes un día, algún día, sí / Nos pondremos a ello y lo lograremos / Un día, con tu cabeza más ligera / Un día caminaremos bajo los rayos de un sol precioso / Un día, en un mundo que brille  / Uh, Uh, muchacho, las cosas van a ponerse más fáciles / Un día las cosas brillarán más / Las pondremos en su sitio y lo conseguiremos)

All Along the Watchtower

JIMI HENDRIX (All along the watchtower)

Jimi Hendrix, el guitarrista por excelencia del rock de los sesenta, singularizó un periodo en el que su poder de conectar la guitarra al circuito lisérgico encerrado en su cerebro se traducía en notas musicales salidas en feedback, distorsión o fuego eléctrico. 
Descubierto por Chass Chandler, bajista de los Animals, en Nueva York, la carrera de Hendrix se consumó en cuatro años, no sin dejar un legado único de canciones psicodélicas, repartido en tres álbumes de estudio y numerosas grabaciones en vivo.
El nacimiento del rock clásico lo fecha 1967 con el debut discográfico de los Doors, el Sgt. Peppers de los Beatles y, por supuesto,  el Are you experienced?, que Jimi Hendrix grabó en Londres con Noel Redding (bajo) y Mitch Michell (batería).
Al también extraordinario Axis bold as love (1967) siguió el doble Electric Ladyland (1968), un viaje de sonoridad visionaria, en el que Hendrix, desplegando la quintaesencia de sí mismo, hacía una versión apabullante de la dylaniana 'All along the watchtower'.

('Debe de haber una manera de salir de aquí’, le dijo el bufón al ladrón / ‘Hay demasiada confusión. No consigo tranquilizarme / La gente de negocios se bebe mi vino, los labradores aran mi tierra / Nadie de por aquí sabe lo que vale todo esto.’ / ‘No hay razón para alterarse’, habló amablemente el ladrón / ‘Muchos de entre nosotros se toman la vida a broma / Pero tú y yo ya hemos pasado por eso, y ahí no queda nuestro destino')

Starman

DAVID BOWIE (Starman)

El David Bowie amuchachado que en 1967 debutaba con canciones censadas entre el pop barroco y el afán literario guardaba un vanguardismo cameleónico que en menos de un lustro lo convirtió en estrella y referente de la cultura pop.  
La primera embestida del vendaval Bowie llegó con The Man who sold the world (1970), que, con Mick Ronson a la guitarra, ofrecía hard-rock psicodélico a la altura del esplendoroso folk eléctrico contagiado de aires de cabaret de Hunky Dory (1971).
Todo ello en medio del culto a la propia imagen, maximizada, y luego elevada a espectáculo, en la portada aerográfica del ilustrador Terry Pastor para el álbum The rise and fall of Ziggy Stardust (1972), que lo presenta como mensajero de un alienígena.
Allí se encontraba la canción de éxito ‘Starman’, prosiguiendo la saga iniciada antes en 'Life on Mars?’ y ‘Space oddity’, en donde Bowie había fantaseado, igual que Elton John hiciera en 'Rocket Man’, sobre vida y viajes interplanetarios.

(No sabía la hora que era y había poca luz  / Me recosté con la radio al lado / Un tipo enrollado estaba poniendo rock & roll con mucho soul / Después el sonido disminuyó / Y llegaba como voz retardada en la fase de una onda / No venía de un pinchadiscos, era una brumosa jerga cósmica / Hay un extraterrestre esperando en el cielo / Le gustaría venir y ponerse en contacto con nosotros / Pero cree que ello nos volvería locos)

Let the Mystery Be

IRIS DEMENT (Let the Mystery Be)

Iris Dement nació en una población rural de Arkansas, en una familia de catorce hermanos. La fe pentecostalista de sus padres y los cantos de iglesia determinaron su adhesión al gospel y en creer en un Espíritu que detrás nos mueve y sustenta.
Contaba tres años cuando se mudaron a Los Ángeles en 1964, facilitando que, influenciada por Johnny Cash o Loretta Lynn, Iris se abriera a otros sentimientos en su adolescencia y finalmente empezara a escribir canciones propias a los veinticinco años.
En Kansas City fogueó su voz y guitarra ante micrófonos de locales y restaurantes. Armada de valor, se trasladó en 1988 a Nashville, en donde la industria reparó en ella. De la mano del productor Jim Rooney, debutaría con Infamous Angel (1993).
El álbum, repleto de cantos de inocencia y básicamente acústico, tiene a su madre de invitada en ‘Higher ground’ y la participación de  Emmylou Harris en ‘Mama’s Opry’. También una nota de John Prine: 'Escucha esta música. Es de Iris Dement. Te hará bien’.

(Todo el mundo se pregunta qué somos y de dónde venimos / Todos se preguntan adónde irán cuando todo acabe / Pero nadie lo sabe, así que a mí me da igual / Pienso en dejar el misterio tal cual / Los hay que dicen que una vez ido te has ido para siempre / Y otros dicen que volverás… / Algunos dicen que se va a un lugar llamado Gloria / Pero yo no diría que eso esté probado… / Bueno, yo creo en el amor / Y a ello me atengo en la vida)

Late November

PAVLOV’S DOG (Late November)

La banda americana que en 1972 se formó en St. Louis con el nombre de Pavlov’s Dog es recordada por dos álbumes que combinan de manera rara y atractiva música progresiva, elementos de hard rock y la voz operística de David Surkam.
Este imprimía el arrebato y romanticismo que singulariza desde los primeros surcos Pampered menial (1974), álbum que resulta del trabajo colectivo de seis músicos más, entre ellos Steve Scorfina (guitarra), Michael Safron (batería) y David Hamilton (teclados).
Si raro es el grabado para la carátula de este disco, friki es la composición fotográfica para el más maduro At the sound of the bell (1975), en el que Pavlov’s Dog busca restar aristas a su sonido con invitados como el saxofonista Andy Mackay, de Roxy Music.
Pero el débil compromiso de sus integrantes con el proyecto y la falta de letristas para redondear las canciones precipitaron el final de Pavlov’s Dog, una banda que sin Surkamp no hubiera envuelto de magnificencia ‘Julia' o 'Late November’, de su primer disco.

(Oh,  ella quiere, lo quiere desesperadamente / Y yo, yo no puedo creer todo lo que dijo / Porque ella es cautivadora, sí cautivadora / Es como un relámpago / Llevarla a casa, darle abrigo finalizando noviembre / No sé por qué ella es ahora tan extraña / ¿Por qué siempre creí todo lo que dijo? / Ella descendió, me abrazó / Descendió de cielos nocturnales … / Ella va a mostrarte que nunca supiste / Lo que hay en tu corazón / Lo que hay en tu alma)

A day in the life

THE BEATLES (A day in the life)

Los Beatles publicaron en 1967 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, quizá la más alta cumbre de la música popular, integrando originales arreglos y melodías en un trabajo de producción de estudio tan sofisticado que no tenía precedentes.
El Sgt. Pepper’s se grabó entre noviembre de 1996 y abril de 1967. Paul McCartney quería una obra a la altura y la significación alcanzadas por iconos culturales del siglo, de los que había una amplia representación en la revolucionaria portada del disco.
Finalmente Sgt. Pepper's apareció en mayo con trece canciones, quedando fuera ‘Strawberry fields forever’ y ‘Penny Lane’, excluidas por haber sido previamente difundidas como singles, un hecho que George Martin consideró un error lamentable.
Daba igual, los Beatles habían conseguido, con rebosante imaginación y atrevidas técnicas musicales –incluyendo música india y sitar a cargo de George Harrison–, sintetizar la complejidad y el gozoso espíritu de la época en una creación de vanguardia única.

(Hoy he leído la noticia, vaya / De un afortunado al que las cosas le iban bien / Y aunque la noticia era más bien triste / No pude por menos que reír / Miré la foto / Se había destrozado la cabeza en un coche / No había reparado en que las luces habían cambiado / Había mucha gente al lado y miraban / Le habían visto la cara antes / No estaban seguros de que perteneciera a la Cámara de los Lores… / Me gustaría que entendieras)

Renaissance

GENTLE SOUL (Renaissance)

El duo formado por Pamela Polland y Rick Stanley se dio a conocer en 1968 con el disco Gentle Soul, que puede clasificarse dentro del folk-rock de onda suave y orientación hippie. En él la pareja contó con un plantel de músicos de futuro renombre.
Además de las guitarras de Ry Cooder y Mike Deasy, Terry Melcher, primer productor de los Byrds, supervisaba el disco epónimo de Gentle Soul, en el que la orquestación (arpa, flauta, cello) sirve de telón de fondo a las gráciles armonías de Rick y Pamela.
Esta última puede considerarse el alma de la formación, fundada en 1966 y disuelta tres años después. Ella escribe la mayoría de las canciones envuelta en el influjo ensoñador de Laurel Canyon, donde residían sus amigos Jackson Browne y Joni Mitchell.
Gentle Soul es un disco que desprende vibraciones de lejana inocencia, quizá porque Rick y Pamela llegaron a él plasmando su interés por la meditación y la espiritualidad, pero motivo de recelo de la CBS y de que recibiera escasa promoción. 

(Habría sido infeliz si no te hubieras cruzado en mi camino / Habría sido una ave nocturna si no hubiera visto el día / Soñé una vez que todo esto sería realidad / Todo estaba esperando a que yo llegara hasta ti / Y por donde quiera que mire veo la dorada pincelada del amor / Vagué por montañas pensado que era donde tú estabas / Navegué en el océano y miré a las estrellas / Soñé con el tiempo en que tú vendrías / La locura de tu presencia pone alas a mi libertad)

Take Yo' Praise

CAMILLE YARBROUGH (Take Yo’ Praise)

Camille Yarbrough nació en 1938 al sur de Chicago y creció en una una comunidad de color muy dada a la música, pues parece ser que hasta los vendedores del barrio se animaban a despachar frutas y verduras canturreando con entonaciones del blues.
Este ambiente le estalló a los quince años, cuando de un parque le atrajo el rítmico sonido de tambores. El destino la llamaba porque dos años después comenzaba su aprendizaje de danza primitiva, que luego extendió al mambo, el chachachá y el calipso.
Antes de formar parte de la reputada compañía de Katherine Dunham e ir a Nueva York en 1961, siguió aprendiendo bailes entroncados en la cultura afro-americana, de la que iba a ser ferviente defensora, llegada la fama.
La adquirió tras numerosas representaciones de teatro y de cine desde principios de los sesenta. Su faceta de cantante surgió como una necesidad espiritual de escribir poemas y canciones, que tuvieron plasmación musical en el álbum The Iron pot cooker (1975).  
 
(Hemos hecho un largo, largo camino juntos / En medio de malos y buenos tiempos / Quiero celebrarte, quiero elogiarte como corresponde / Tú eres tan especial, tan magnífico / Estoy contenta de que seas mío / Tú  haces sentirme contenta de ser mujer / Porque tú eres una persona con sentimientos, reflexiva / Y siempre que yo sepa de tus necesidades / Las satisfaré de la manera que pueda / Tú eres tan especial)

Andalucia

JOHN CALE (Andalucía)

John Cale, el hijo de minero galés, mostró pronto habilidades especiales para la música. Con diez años ya escribía partitura clásica y a los veinte, en 1963, iba becado a estudiar en Nueva York, en donde le ganó el minimalismo de John Cage y de La Monte Young.
Poco después Lou Reed lo captaría para el vanguardismo de la Velvet Underground, inicialmente potenciada con el ánimo transgresor de Andy Warhol y el halo espectral de Nico. Se marchó en 1968, tras haber contribuido a dos álbumes esenciales.
Como productor trasladó enseguida su ‘arte indisciplinado’ al brío garajero del primer disco de los Stooges y al nocturnal Marble Index de Nico, publicados los dos en 1969. Más sosegado fue su propio debut con Vintage violence (1970).
Sin renunciar al clasicismo, Cale ha sido siempre un artista de frontera. Y por ello contrasta Paris 1919 (1973), su cuarto álbum de estudio, el más melódico y accesible de su repertorio, en donde ‘Andalucia’ se acompaña de dulzura pastoral.

(Andalucía, ¿cuándo podré verte? / Cuando vuelve la nieve / El granjero John te necesita / Más ruidosa y callada, más cercana y querida / Otra vez / Necesitándote, tomándote, cuidándote, dejándote / En un año y un día para estar seguro / De que tu rostro no cambia / En tus palabras nunca existe la duda - Te amo ... / Esperando que la noche desaparezca / Andalucía, castillos y cristianos / Andalucía, ven a quedarte)

Here comes the flood

ROBERT FRIPP/PETER GABRIEL (Here comes the flood)

Tras liderar el excéntrico e imaginativo sonido de Genesis, Peter Gabriel abandonó el grupo en 1975 para seguir caminos propios. Y lo mismo Robert Fripp, quien había dado por terminado en 1974 el rock progresivo y psicodélico de King Crimson.  
Los dos eran músicos inclinados a lo nuevo. Fripp había creado la sonoridad retardada conocida como ‘frippertronics’, utilizada por Brian Eno con gran éxito en No pussyfooting (1973). Y, por supuesto, Gabriel se estrenó en solitario con aires mayestáticos.
En Peter Gabriel (1977), ‘Here comes the flood’ (Ved que llega la inundación), nace de una inquietud dominada por el temor a que las ondas de radio puedan alterar la psique humana. La producción de Bob Ezrin ampliaba la obsesión con decibelios e intensidad.
Fripp recogió el tema con más serenidad en su álbum Exposure (1979) y, bajo enseñanzas próximas a un discípulo de Gurdjieff, lo transformó, con voz de Gabriel, en una visión apocalíptica sobre las nefastas consecuencias del cambio climático.

(Cuando la noche muestra / Que aumentan las señales de radio / Hay muchas cosas extrañas / Que vienen y van como avisos tempranos / Estrellas de mar desorientadas sin lugar donde esconderse / Aún esperando la gigantesca ola de Oriente / Da igual adonde ir / No hay siquiera una opción que elegir / Yo opté por el camino antiguo / Batido por el mar, a través de las aguas / En los altos acantilados / Hijos e hijas iban envejeciendo  / Un inframundo encallecido se enseñoreaba)

Something on your mind

KAREN DALTON (Something on your mind) 

Por Karen Dalton corría sangre Cherokee, y de ahí seguramente su carácter reservado y que no tuviera un gramo de pose. Creciendo en Oklahoma en los cincuenta, su madre la aficionó al violín, antes de aprender y tocar la guitarra ‘a lo Jimmy Reed’.
Lo dijo Bob Dylan, admirado al conocerla en el Greenwich Village en 1961, cuando ella, con veintitrés años, ya llevaba largos meses malviviendo de cantante por locales del circuito folk, venciendo su desgana por la notoriedad y los escenarios.
En aquellos años se escapaba con su hija a las montañas de Colorado, pero volvía a Nueva York, donde Fred Neil fue uno de sus amigos y autor de dos de las canciones de It’s so hard to tell who’s going to love you the best (1969), su álbum de estreno.
Aunque su timbre de voz la asemejaba a Billie Holiday, tampoco In my own time (1971), en el que 'Something on your mind' era de Dino Valente, fue más allá del elogio de la crítica. Decepcionada, Karen inició un lento descenso de autodestrucción.

(En un ayer todo lo que hacías estaba bien / Y así hiciste noche de tus días / ¿No sabías que nada se consigue sin intentarlo? / Y algo ronda en tu cabeza ¿no es verdad? / Estos tiempos te están mostrando la invalidez de tus certezas / Y ven tus sueños quedarse muy atrás / ¿Es que no sabías que nada se consigue sin intentarlo? / Quizá otro día querrás sentirte diferente, no paras de llorar / No tienes nada que decir y sientes ganas de huir)

 

If you see her say hello

BOB DYLAN (If you see her say hello)

Bob Dylan pasó a mediados de los setenta por una etapa de turbulencias afectivas que terminaron disolviendo en 1977 su matrimonio con Sara Lownds. Pero de ello se desprendió un álbum que cuenta con lírica excelsa  de principio a fin.
Las canciones de Blood on the tracks (1975) son transfiguraciones poéticas del desasosiego amoroso, sea como recuerdo (‘If you see her say hello’), alegoría (‘Idiot wind’), símbolo (’Lily, Rosemary and the Jack of hearts’) o metáfora (‘You’re a big girl now’).
El álbum respondía a la necesidad de expresarse de manera directa y simple. De ahí que en su primera versión, lista en diciembre de 1974, cinco de los diez temas tuvieran la sola presencia del bajista Tony Brown y de Dylan a la guitarra acústica.
El genial artista asistía a una renovación crucial,  por la que desfiguraba su ser doméstico (en la portada del disco aparece de lado y desenfocado) para recomponerse en el desaliñado trovador, ávido de aires de carretera, que aparece en Desire (1976).

(Si la ves, dile hola; quizá pudiera estar en Tánger / Se fue de aquí al empezar la primavera y vive allí, me dicen / Dile de mi parte que estoy bien, aunque todo sigue casi igual / Quizá piense que la he olvidado, pero dile que no es así / Tuvimos un desencuentro, algo frecuente entre dos amantes / Y aún me recorre un temblor al recordar la manera en que se fue aquella noche / Y aunque nuestra separación me partió el corazón / Ella vive en mí, nunca nos hemos separado)

If I can't have you

YVONNE ELLIMAN  (If I can’t have you)

Yvonne Elliman llegó a Londres en 1969 con dieciocho años. Había dejado Hawai por la promesa de triunfar en Inglaterra como cantante. En el club Phesantry exhibía un año después su voz cálida y pura  cuando acertó a pasar por allí Andrew Lloyd Weber.
Éste, y el letrista Tim Rice, habían ideado la opera rock Jesucristo Superstar. Le dieron el papel de María Magdalena y la ocasión de darse a conocer mundialmente mediante su afortunada interpretación de la canción ‘I don’t know how to love him’.
Aquel disco continuaría en el musical estrenado en Broadway en 1971 y en la película de 1974. Ya se había producido su debut discográfico cuando Eric Clapton la invitó, entre 1974 y 1977, a colaborar con él. Todavía una película aumentaría su fama.
Presentada en 1977, Fiebre de sábado noche sirvió para consagrar la música de baile y de discoteca. Gran parte de la creación musical fue realizada por los Bee Gees, asignándole a Yvonne la canción ‘If I can’t have you’, quizá el mayor éxito de su carrera.

(No sé cómo sobrevivo a cada uno de mis días solitarios / Si ya no me quedaran más oportunidades / Mi vida terminaría / Y da igual lo que llore / Mis lágrimas hasta ahora no valen para nada /  Si me doy la vuelta para irme / ¿Soy lo bastante fuerte para verlo todo? / Terminaré volviéndome loca / Si no puedo tenerte / No quiero a nadie, chico / Si no puedo tenerte a ti / Aunque lo intento, no puedo ser indiferente)

California

TOM PETTY (California)

Tom Petty llevaba más de media docena de álbumes cuando en 1988 participaba con Jeff Lynne, Roy Orbison, George Harrison y Bob Dylan en The Traveling Wilburys, una agrupación que dejó dos discos de pop/rock primoroso, el segundo sin Orbison.
Aquella experiencia y la ayuda de Lynne en la producción revitalizaron su obra inmediatamente posterior, pues Full moon fever (1989) ya venía repleto de canciones pulidas y vibrantes ('Free fallin', 'I won't back down' ...), orladas de clasicismo rock.
Pero un lustro después Wildflowers (1994) recoge cambios en su propia vida, y aunque le acompaña su grupo de siempre, los Heartbreakers, prevalece un aire sereno, acentuado por la tendencia a la sobriedad de su nuevo productor, Rick Rubin.
Entonces se publicó una pequeña parte de las grabaciones, dominadas por la acústica y una escritura reflexiva, reveladoras de la vertiente introspectiva del talento musical de Petty. ‘California’ aparece en una reciente edición ampliada del álbum.

(California se ha portado bien conmigo / Espero que no se hunda en el mar / Uno a veces ha de confiar en sí mismo /  Ningún sitio se le parece / Hay un tiempo, cuando se está acabado, de ponerse en movimiento / Llega un tiempo en que mejor es darse a la carretera / El trabajo vendrá después… / Crepúsculos, cielos escarlata / Nadie por aquí / Crepúsculo, ojos azules / Me gusta esta ciudad marchosa / California me ha tratado bien)

John Barleycorn must die

TRAFFIC (John Barleycorn must die)

El álbum John Barleycorn must die (1970) fue la consagración de Traffic, la formación que Steve Winwood, al dejar Spencer Davis Group en 1967, lideró rodeándose de Jim Capaldi (batería), Chris Wood (flauta, saxo) y Dave Mason (guitarra).
Le precedía Mr. Fantasy (1967), un retablo unificado de canciones impresionistas, en donde había sorpresivas aportaciones individuales (el sitar aparece en el tema ‘Utterly simple’, pueden oírse aires flamencos en ‘Dealer’...).
Anterior también fue Traffic (1968), que contenía la canción ‘Feelin’ alright?’, tremendo éxito en la versión de Joe Cocker. En ambos despunta, junto a la complejidad compositiva, ribeteada por el jazz y la psicodelia, el afán de exploración musical.
Ausente Mason, en John Barleycorn must die las composiciones dan al teclado y la voz de Winwood mayor protagonismo. Y sus atmósferas más sosegadas propician largas fantasías, una de las cuales recrea este tema del folclor inglés del s. XVII.

(Tres hombres vinieron del oeste buscando fortuna / Y los tres hicieron un juramento solemne: John Barleycorn debe morir / Lo araron, le echaron semilla, lo destriparon / Le echaron terrones en la  cabeza / Y los tres hombres quedaron satisfechos: John Barleycorn estaba muerto / Lo dejaron yaciendo mucho tiempo / Lluvias cayeron del cielo / Y el pequeño sir John levantó la cabeza...)