Little drummer boy/Peace on earth

DAVID BOWIE/BING CROSBY (Little Drummer Boy/Peace on Earth)

La historia de 'El pequeño tamborilero' está asociada a una profesora de piano estadounidense, de nombre Katharine Davis, que en 1941, inspirándose en fuentes de la tradición folclórica francesa e inglesa, compuso al piano ‘El villancico del tambor’.
Que el tamborilero de la canción no posea nada más valioso que no sea regalar al Niño el repiquetear del sonido de su propio tambor significa el triunfo del desposeimiento y la pureza de corazón simbolizados en la Navidad cristiana.
El atractivo de la canción pesó decisivamente cuando Bing Crosby la eligió para interpretarla a duo, en un especial televisivo para la Navidad de 1977, con David Bowie. Pero este llegó al estudio londinense diciendo que odiaba el villancico.
Los supervisores musicales tuvieron que componer a toda prisa ‘Peace on Earth’, para que Bowie lo utilizara de contrapunto a ‘El pequeño tamborilero’, que canta Bing Crosby. Editado en 1982, el sencillo resultante de esta colaboración, fue un rotundo éxito.

(Paz en la tierra, ¿podría ser? / Venid, me dijeron pa-rum-pum-pum-pum / En años venideros, quizá veamos / A ver al rey recién nacido pa-rum-pum-pum-pum / Veamos el día de gloria / Traemos nuestro mejor regalo pa-rum-pum-pum-pum / Veamos el día en que los hombres de buena voluntad / Para dejarlo ante el rey pa-rum-pum-pum-pum / Vivan en paz, en paz otra vez / Rum-pum-pum-pum, Rum-pum-pum-pum / Paz en la tierra)

Rikki don't lose that number

STEELY DAN (Rikki don’t lose that number)

Steely Dan fue el proyecto musical que Walter Becker (bajo) y Donald Fagen (voz y teclados) estrenaron en 1972 publicando Can’t Buy a Thrill, en el que participaron tres músicos más y con el que consiguieron el sonoro éxito de la canción ‘Do it again’.
Se habían conocido en 1967 en el Bard College de Nueva York, tras lo cual participaron juntos en grupos de rock progresivo y de jazz. Pero todavía consideraban que su oficio era más el de escritores de canciones que el de músicos profesionales.
Su talento fue advertido por el productor Gary Katz, quien les contrató en 1971 para ABC/Dunhill, animándoles pronto a formar su propia banda. Y fue así como la sonoridad jazz-rock de Steely Dan, repartida en siete álbumes, se popularizaría en los setenta.  
El duo se despidió de esa década con los aires seductores de Gaucho (1980), que tampoco faltan en Pretzel Logic (1974), otro gran álbum, en donde 'Rikki don´t lose that number' muestra las letras cáusticas y la sabiduría musical que los distinguía.

(Nos hemos enterado de que te vas, está bien / Pensaba que los días de marcha loca solo habían comenzado / Me parece que te has asustado de ti misma, y das la vuelta, echándote a correr / Pero si cambias de ánimo / Rikki, no pierdas ese número / No tienes que llamar a nadie más / Envíatelo en una carta a ti misma / Rikki, no pierdas el número / Es el único que tienes / Y podrías utilizarlo cuando te sientas mejor / Cuando llegues a casa)

Loan me a dime

BOZ SCAGGS (Loan me a dime)

La cara amable del destino se había presentado a Boz Scaggs en 1966 ofreciéndole una carrera musical que primeramente pasaba por la Steve Miller Band, a la que hizo una aportación notable en los dos primeros discos, especialmente en Sailor (1968).
Solo que su futuro estaba en otra parte, porque Boz no apreciaba el sonido lisérgico de las bandas de San Francisco, llamáranse Grateful Dead, Jefferson Airplane o Quicksilver Messenger Service, ni las veleidades psicodélicas de la Steve Miller Band.
Su escuela se correspondía más con la música afroamericana del blues y del jazz, que él personalizó en el R&B blanco, un estilo con el que brilló en Boz Scaggs (1969), su disco de estreno, el que produjo Jann Wenner, fundador de la revista Rolling Stone.
En ese disco se acompañaba de la guitarra estelar de Duane Allman y de la sección rítmica de Muscle Shoals, que en ‘Loan me a Dime’ componen un telón de fondo para enmarcar una canción en donde Boz se deja oír en una tremenda balada de blues.
    
(Que alguien me preste un centavo / Necesito llamar a los viejos tiempos / Mi pequeña se fue hace tiempo / Y, sabes, me preocupa / No deja de preocuparme / Yo sé que es una buena chica / Pero entonces no supe entenderlo... /  Que alguien me preste un centavo / Sabes, necesito… necesito que alguien me eche una mano / Oh… ella es una buena chica... /  Que alguien, por favor, me preste un centavo / Para aliviar la preocupación que llevo dentro)

Lilywhite

CAT STEVENS (Lilywhite)

Las indagaciones existenciales en que estaba envuelto no impidieron a Cat Stevens hacer de 1970 el año de su consagración. Será cuando se le reconozcan como absolutamente suyos un estilo, una voz, una sensibilidad romántica, incluso espiritual.
Sus cualidades de cantautor se correspondían con la de otros que triunfaban en América y llevaban los nombres de Carole King, James Taylor o Joni Mitchell, como comprobó por el interés que despertó su primera gira americana en noviembre de aquel año.
En la primavera había publicado el álbum Mona Bone Jakon. Paul Samwell-Smith, antiguo bajista de The Yarbirds, entendió como productor que arreglos sobrios y ligera orquestación permitirían a Cat mostrar nítidamente su grandeza y profundidad artísticas.
En las canciones hay tonos de lamento, pero se combinan con otros de ansias de pureza y de libertad. La luz cálida ilumina el alba de ‘Katmandu’. El asombro rodea ‘Lilywhite’, que el propio Cat describe como "regalo angélico procedente del cielo".

(En lo alto de carretera reparada / Me detengo / Tomándome un tiempo para comprobar el dial / Y a la Lilywhite / Nunca conocí su nombre / Pero ella volverá a pasar por mi camino de nuevo algún día / Levanto la mano y toco la rueda / De los cambios / Tomándome tiempo para comprobar el dial / Y dar las gracias a Lilywhite / Nunca conocí su nombre / Pero ella volverá a pasar por mi camino de nuevo algún día)

Rhiannon

FLEETWOOD MAC (Rhiannon) 

Mick Feetwood llegaba en 1974 a Los Ángeles buscando un estudio de grabación para el disco que, tras nueve álbumes cercanos al blues-rock, debía revertir la languidez comercial de Fleetwood Mac, motivo por el que cundía cierto desánimo dentro del grupo.
La circunstancia azarosa del encuentro de Mick con Keith Olsen, de los estudios Sound City, propició que aquel terminara contactando con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham. Estos iban a dejar atrás Fritz, el proyecto de folk-rock que aún lideraban.
Los dos unieron su grandioso potencial al exitoso curriculum de Mick, del bajista John McVie y de la cantante y teclista Christine McVie, alumbrando finalmente la triunfal segunda vida de Fleetwood Mac bajo la forma del pop-rock elástico y luminoso.
Destacaba Stevie, quien, por grandioso que fuera el virtuosismo de Lindsey a la guitarra o Christine capaz de darle al grupo una sucesión de hits, poseía una voz inigualable, de timbre cálido y melodioso, que ya enseñoreaba 'Rhiannon' en el disco de estreno.

(Rhiannon resuena como una campana en la noche / ¿Y no te encantaría amarla? / Se va al cielo como una ave en vuelo / ¿Y quién será su amante? / Nada de tu vida será igual / Mujer a la que lleva el viento / ¿Te quedarías si te prometiera el cielo? / ¿Serías por fin ganador? / Ella es como una gata en la oscuridad / Y proclive a la oscuridad / Gobierna su vida como preciosa alondra / También en el cielo sin estrellas)

Stuck in the middle with you

STEALERS WHEEL (Stuck in the middle with you)

Gerry Rafferty logró uno de las cumbres del pop-rock de los setenta con la publicación de City to city (1978), el álbum que incluye ‘Baker Street’, una canción de ritmo galopante y recuerdos nostálgicos que se abre con un imponente solo de saxo.
La canción fue número en listas de éxito, pero había otras gemas en el disco, entre ellas la espléndida balada 'Right down the line’. El álbum siguiente, Night Owl (1979), en clave de blando y sentimental romanticismo, continuó la misma línea triunfal.
Gerry alcanzó así una celebridad que ya se anunciaba en 1972 cuando, dentro del grupo Steelers Wheel, y con el teclista Joe Egan, parodió a Bob Dylan en el clásico ’Stuck in the middle with you’, que conocería nueva vida en Resevoir Dogs, de Quentin Tarantino.
Nacido en Paisley (Escocia) en 1947, Gerry dejó probado estar entre los grandes, pero con su declive artístico también aumentó fatalmente su alcoholismo, como si un karma familiar heredado de su padre se le impusiera. 

(No sé por qué he vuelto aquí esta noche / Tengo la sensación de que algo no va bien / Y miedo de caerme de la silla / Porque no sé cómo bajaré los escalones / Hay payasos a mi izquierda / Bromistas a la derecha / Y aquí estoy yo, en el medio, atrapado contigo / Me pregunto qué voy a hacer / Me cuesta mantener la sonrisa de la cara / Perdiendo el control, estoy por todas partes / Payasos a mi izquierda / Bromistas a la derecha / Y yo, en el medio, atrapado contigo)

These days

NICO (These Days)

Nico grabó ‘These days’ en  Chelsea girl (1967), su álbum de estreno en solitario, en donde, del total de sus diez canciones, ella escogió interpretar, entre otras, una de Bob Dylan, una de Lou Reed y ¡tres de Jackson Browne!
Jackson había trasladado experiencias y estados de ánimo en canciones veladamente confesionales, especialmente a sus cuatro famosos álbumes de los setenta. Coronadas de poesía, podían nacer de amores, frustraciones o privados anhelos.
Eran canciones que invitaban a sentirlas con el valor de las cosas que están dotadas de vida y emoción. Y llamaba la atención que hubiera escrito ‘These days’ con solo diceséis años, pues desvelaba pensamientos de rápida madurez personal.
La canción recogía sentimientos de fragilidades fácilmente reconocibles a espíritus sensibles. Y Nico, con la que tuvo una breve relación sentimental en 1966, cuando él había ido a hacerse un nombre en la escena folk de Nueva York, lo era especialmente.

(He estado yendo por ahí  / Y no estoy por hablar mucho / En estos días, en estos días / Estos días es como si me hubiera dado por pensar demasiado / En las cosas que he olvidado de hacer para ti / Y en las veces que tuve la oportunidad / Y tuve un amante / Y estos días es duro arriesgarse a otro  / Y si parece que tuviera miedo / De vivir la vida de mi canción / Será que soy una perdedora desde hace mucho tiempo / Continuaré de un sitio para otro / Las cosas habrán de mejorar un día de estos)

Eve of destruction

BARRY MCGUIRE (Eve of destruction)

Barry McGuire (Oklahoma,1935), siguiendo la creencia de que solo la verdad nos hace libres, debe su fama sobre todo a estar entre los cantautores de los años sesenta que se enfrentaron a la guerra de Vietnam con canciones-protesta de gran resonancia.
Barry comenzó su carrera en 1962 formando parte de la banda de folk The New Christy Minstrels, y gracias a su contribución dejaron para el recuerdo canciones como 'Green, green’ (la libertad del viajero errante), que fue muy radiada en 1963.
En 1965, alentado por Lou Adler que entonces producía a Mamas & The Papas, inició su propia carrera. Y el resultado fue que en ese año publicó dos grandes álbumes;  This precious time, el segundo, registraba la primera grabación de ‘California dreamin’.
El primero, Eve of destruction, contenía la archiconocida canción del mismo nombre salida de la pluma del músico y letrista P. F. Sloan, que es un anuncio de apocalipsis nuclear al que ponen ritmo integrantes de la competente agrupación The Wrecking Crew.

(Oriente está que explota / La violencia está desatada, las balas en la recámara / Eres lo suficiente mayor para matar, pero no para votar / No crees en las guerras, pero ¿y esa arma que llevas? / Incluso el río Jordán transporta cadáveres / Pero tú, amigo mío, dices e insistes / ¡Ah, tú no crees que estamos en vísperas de la catástrofe! / ¿No entiendes lo que quiero decir? / ¿No puedes sentir mis temores de ahora? / Si aprietan el botón no hay escapatoria / Nadie se salvará si el mundo es una tumba / Mira a tu alrededor, te vas a asustar)

Here in California

KATE WOLF (Here in California)

Kate Wolf (San Francisco, 1942) había entrado en la veintena teniendo la formación de piano y guitarra que le hubiera permitido aventurarse a una carrera musical, pero primero la timidez y luego su condición de joven madre se alzaron como obstáculos.
Aún así, el influjo persistente de artistas como The Weavers, Hank Williams o Bob Dylan se condensaría finalmente para llevarla a formar en 1972 su primera banda, The Wildwood Flower, y comenzar actuaciones en comunidades del condado de Sonoma.
Grabado en su propia casa, su primer disco, que tituló Back Roads (1976), reflejaba a la cantautora honesta que transmite mensajes limpios desde arreglos simples. Poco a poco fue ganándose el nombre que le garantizaba constantes giras por EE. UU. y Canadá.
Kate daba a conocer sentimientos de fuerza reverberante. En Close to you (1981), además de 'Here in California', firmaba el clásico ‘Across the Great Divide’, versionado con acierto por Nanci Griffith. Cada vez más reconocida, moriría de leucemia en 1986.

(Cuando era joven mi madre me decía / Que no me apresurara / Y no me enamorara demasiado pronto / Y antes sentara la cabeza / Cogiéndome por los hombros / Con voz tierna y amable / Decía que el amor puede hacer feliz / Y volverte ciega / Aquí, en California, la fruta cuelga abundante de las vides / Y mejor avisarte de que no hay oro / Y las colinas se resecan en verano / Yo aprenderé a amarte / Pero cuándo, no lo sé)

Cello song

NICK DRAKE (Cello song)

Nick Drake perteneció a la élite del folk británico de principios de los setenta, a pesar de tener la personalidad introvertida que lo fue alienando del mundo, al que, sin embargo, regaló una obra de poesía y verdad antes de irse trágicamente a los veintiséis años.
Gracias a su pasión por la música, Nick Drake salvó sus años escolares en Cambridge, en donde aprendió a tocar piano, clarinete y saxofón. En el verano de 1967 continuaba su formación colegial en Aix-en-Provence y ejercía de músico callejero.
En 1968 conoció al productor Joe Boyd y con él grabó Five Leaves Left (1969), en el que participan ilustres invitados, entre ellos Richard Thompson, de Fairport Convention, y Danny Thompson, de Pentangle. Nick invitaba a un mundo de reflexiva serenidad.
Bryter Layter (1970) y Pink Moon (1972) son obras transidas de sensibilidad poética, pero tampoco funcionaron comercialmente. Y Nick Drake se recluyó más en sí mismo, y quizá miraba al cielo del que habla ‘Cello song', de su primer disco.

(Un rostro extraño forman tus ojos / Claros y sinceros / Saben en el fondo que no tienes nada que temer / Pues los sueños que tuviste de muy joven / Te contaban una vida de donde brota la primavera / Parecías muy frágil en el frío de la noche / Cuando los ejércitos de la emoción salen a combatir / Pero mientras la Tierra se hunde en su tumba / Tú te diriges al cielo sobre la cresta de una ola)

American Pie

DON MCLEAN (American Pie)

No muchas canciones que cuentan historias hacen ellas mismas historia y entran al instante en los anales del rock. Pertenece a esta categoría ‘American Pie’, que Don McLean escribió en 1971, a modo de crónica de una cultura pop caída en el desencanto.
Había debutado con Tapestry (1970) ante la indiferencia del circuito folk de Nueva York, no obstante presentar canciones como ‘I love you so’, que Perry Como versionaría con éxito en 1973. Todo cambiaría con su épica sobre música, política y vida americana.
En la construcción definitiva de 'American Pie', que inusualmente se estructura en espacios de interpretación a velocidades diferentes, destacó la aportación del productor Ed Freeman. Idea suya fue arrancar con el piano en vez de la guitarra acústica.
En su contenido, ‘American Pie’ traslada la pérdida del optimismo que  la sociedad norteamericana experimentó a la muerte de Buddy Holly, luego acentuada por la desconfianza en la política tras los asesinatos de los Kennedy.

(Aún puedo recordar mucho tiempo atrás / Cuando la música me hacía sonreír / Y sabía que si la ocasión se presentaba / Podía hacer bailar a la gente / Y seguramente serían felices durante un rato / Pero el mes de febrero me conmocionó / Con las lecturas de los periódicos / Llegaban malas noticias al umbral de la puerta / No podía dar ni un paso / No recuerdo si lloré / Al saber que su esposa había enviudado / Pero algo me tocó muy adentro / El día en que murió la música)

Sheep

PINK FLOYD (Sheep)

Pink Floyd debutaron con una obra maestra, mezcla de alucinadas abstracciones y paisajes de pesadilla, participando del clima psicodélico de la segunda mitad de los sesenta. Esta primera orientación la había personificado su guitarrista y líder Syd Barrett.
A la mente infantilmente errática de Syd se debió The Piper at the Gate of Dawn (1967), insuperable muestra del psicodelismo surgido de viajar entre los pliegues de una conciencia despierta. Tanta claridad seguramente deslumbró a Syd, que perdió el juicio.
Pero en el barco de Pink Floyd había extraordinarios músicos (David Gilmour, guitarra; Nick Mason, batería; Rick Wright, teclados; Roger Waters, bajo). Este último fue haciéndose cargo del timón hasta dirigir el estratosférico The Dark Side of the Moon (1973).
Con su liderazgo, el grupo fue derivando a la denuncia del pensamiento atrofiado que se enquista en el funcionamiento social y político. Y esta preocupación dio pie al álbum Animals (1977), granja animal servida sinfónicamente por Roger Waters.  

(Dejando pasar el tiempo, desesperanzado entre pastizales / Siendo apenas consciente de cierta inquietud en el aire / Te conviene estar atento / Pudiera haber perros alrededor / He contemplado el río Jordán / Y he visto cosas que no parecen lo que son / ¿Qué obtienes de pretender que el peligro no es real? / Dócil y obediente sigues al líder / Por pasillos trillados hacia el valle de acero / ¡Qué sorpresa! / Ante tus ojos la visión de la descarga terminal / Ahora las cosas son realmente lo que parecen)

I know a heartache when I see one

JENNIFER WARNES (I know a heartache when I see one)

Jennifer Warnes guarda un halo de misterio personal que no han disipado ni una decena de discos propios ni el brillo de haber participado en varias bandas sonoras y haber colaborado como corista y voz señalada en varios discos de Leonard Cohen.
El primer atisbo de popularidad le llegó en 1968, cuando en el musical Hair interpretó el himno hippie 'Let the sunshine in'. Ese mismo año publicó el álbum I can remember everything, dándose a conocer como versátil cantante de pop.
Jennifer conoció en 1971 a Leonard Cohen, con quien estableció una permanente amistad, siendo ya su corista en la gira europea de 1972. El influjo del músico canadiense envuelve uno de sus álbumes más valorados: The famous blue raincoat (1987).
La película Oficial y caballero la asoció a Joe Cocker en 1982 cantando el éxito 'Up where we belong’. En 1979 había publicado Shot through the heart, que traía 'I know a heartache when I see one’, la lamentación de ver un corazón instisfecho.

(Mira lo que el viento lleva por el camino / Brillando como una Estrella del Norte / Y actúa como si fuera la respuesta a mis plegarias / Pero, chico, yo sé quién eres de verdad / No llames a mi puerta, no me verás más en casa / Puedes encontrarme andando bajo el sol / Oh, tú sabes ocultarlo bien, no es fácil de explicar / Pero yo sé ver donde hay un corazón herido)

Summer's End

JOHN PRINE (Summer’s End)

Criado en Kentucky, John Prine aprendió de su hermano a tocar la guitarra. Cumplidos los veinte, ejerció de cartero y de mecánico en el ejército antes de aventurarse en los locales folk de Chicago. Kris Kristofferson avisó de este músico de talento a Atlantic.
A lo largo de casi cincuenta años iba a publicar una veintena de discos, pero John Prine reveló ya en su álbum epónimo de 1971 una notable condición humana y artística, mostrándose también como escritor sagaz, de humor y empatía.
Su estilo sobrio acentúa el tono existencialista de las canciones de debut, entre las que destacan ‘Hello in there’ y ‘Angel from Montgomery’ (la favorita de Bonnie Raitt). Poco después supo que la fama, el dinero o las prisas no era lo que más quería.
En 1997 le diagnosticaron del cáncer que lo acosó hasta fallecer en 2020. Perdió una octava de voz, pero siguió siendo admirado y respetado. Y en The tree of forgiveness (2018), el álbum de despedida, parecía un hombre sin miedo a la mortalidad.

(El final del verano está a la vuelta de la esquina / Los trajes de baño están alineados secándose / Quedaremos allí para mantener una charla / Espero que no te fastidiara las vacaciones / Nunca se sabe lo lejos que uno puede sentirse de casa / Hasta ver las sombras que surcan el cielo / No sé, pero puedo ver caer la nieve / Y las ventanas de tu coche abiertas del todo / Vuelve a casa / Vuelve a casa / No tienes por qué estar sola)

Mules' Skinner Blues

BILL MONROE (Mule’s skinner blues)

Bill Monroe falleció en 1996 a los ochenta y cuatro años convertido en una leyenda americana gracias a su exclusiva aportación a la tradición musical que él redefinió como blue grass, un estilo originario de los Apalaches que se toca con instrumentos de cuerda.
Bill pertenecía a una familia de Kentucky en la que menudeaban los músicos. A los dieciocho años se fue buscando trabajo a Chicago, en donde se dio a conocer con dos de sus hermanos haciendo música festiva en reuniones de bailes de granero.
En 1938 Bill formó los Blue Grass Boys, con los que debutó el año siguiente en el Grand Ole Opry de Nashville con ‘Mule’s Skinner Blues’, confirmándose allí como una escuela por donde pasarían gigantes del género, entre ellos Lester Flatt y Earl Scruggs.
Su fama alcanzó a Elvis Presley, quien hizo una adaptación rockera de 'Blue Moon of Kentucky’ en 1959. Y, a finales de los ochenta, Bob Dylan decía que las canciones de Bill Monroe le descifraban la esencia de su país como ninguna otra música.

(Buenos días, capitán / Buenos días, hijo / ¿Necesitas otro mulero para cubrir tu nueva línea de carretera? / Me gusta trabajar, pero no paro de ir de un lado a otro / Puedo grabar mis iniciales en el trasero de una mula / Voy de camino a la ciudad / ¿Cuándo quieres que te devuelva aquí? / Trae un animal de arreo y una vara / Y un sombrero John B. Stetson / Eh, pequeño aguador / Ve pasando con el agua del cubo / Pero si no te gusta este trabajo / Deja el cubo en el suelo)
 

Moonbeam Monkey

TANYA DONELLY (Moonbeam Monkey)

Tanya Donelly recuerda vivir de niña el nomadismo y la música (la de Neil Young especialmente) de sus padres. A los siete años, un asunto de familias la llevó a ser hermanastra de Kristin Hersh, con quien formaría Throwing Muses a mediados de los ochenta.
La señas de identidad de aquel grupo respondía al pop alternativo creado con ánimo y guitarras post punk, del que Blondie había sido pionera. Después de nueve años y cinco álbumes, grandioso el primero, Tanya decidió ir por su cuenta.
Y se asoció con Kim Deal, bajista de los Pixies, para crear The Breeders. Este pop indie experimental iba a darle ventas millonarias en el grupo Belly, que ella lideró a continuación. Fue gracias al disco Star (1993), catapultado al público por la cadena MTV.
Aun así, su herencia nómada la empujó a dar otro paso adelante y decidir en 1997 ir como artista en solitario. Titulado Beautysleep (2002), el segundo álbum estaba presidido por la dulzura extravagante de su voz, excelsa en la canción 'Moonbeam Monkey’.

(Soy un ángel oscuro, más oscuro que el fango / Vengo a encauzar a tu fugitivo a casa / Soy el mono que prueba suerte buscando el rayo de luna / Vengo a devolverte a tu extraño muchacho / Nadie lo vio acobardarse ante los desafíos / Y nadie, salvo yo, sabe lo que cuesta corregirlo / Volveré a ponerlo en su sitio / Yo te devolveré a tu extraño muchacho / Vio algo, vio algo en el hielo / Aún lo ve cuando cierra los ojos / No habla de ello, lo lleva por dentro / Yo traeré su historia a casa)

Candle in the Wind

ELTON JOHN (Candle in the Wind)

La década de los setenta asistió al esplendor artístico de Elton John, quien con su disco epónimo de 1970 inauguraba una serie de álbumes ya clásicos del pop/rock, pues los constituye una genial sensibilidad melódica, siempre vigorosa e impulsora de novedades.
El talento para la composición de Elton se compenetró con el de Bernie Taupin, autor de las letras de las canciones. Una de ellas, y favorita de Bernie, surgió de la fascinación que este sentía por Marilyn Monroe, de quien coleccionaba toda clase de recuerdos.
En efecto, la canción ‘Candle in the wind’ apareció en Goodbye Yellow Brick Road (1973), reconocido como una proeza musical por el tino y la variedad de sus propuestas, negando la aparente unidad conceptual que desprenderían las ilustraciones retro del disco.
'Candle in the wind’ no suele figurar en las ediciones de sus grandes éxitos, pero Elton la eligió en la despedida a la princesa Diana en la abadía de Westminster, el 6 de septiembre de 1997, para lo cual transformó a Norma Jean en la llorada 'rosa de Inglaterra’.

(Adiós, Norma Jean / Aunque nunca llegara a conocerte / Tenías la gracia de saber estar en tu sitio / Mientros ellos se arrastraban a tu alrededor / Salían como gusanos de la madera / Y cuchicheaban en tu cerebro / Te sujetaron a la rueda / Y te hicieron cambiar de nombre / Me parece que viviste la vida como vela al viento / Sin saber a quién recurrir / Cuando arreciaba la lluvia  / Me hubiera gustado conocerte / Pero yo solo era un niño / Tu vela se consumió antes de convertirte en leyenda)

A Hard Rain's A-Gonna Fall

LAURA MARLING (A Hard Rain’s A-Gonna Fall) 

En 1962, año de su estreno discográfico, Bob Dylan dejaba ver un imaginario de canciones sobre trenes, carreteras, vagabundos y juveniles amores, interpretadas en línea con la tradición folk representada por su idolatrado Woody Guthrie.
Saltando a preocupaciones sociales, un año después publicaba The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), que se cuenta entre los álbumes más influyentes de la música popular. Intuir las mil caras del horror lo llevó a refugiarse en la ensoñación poética.
Y de ahí surgieron potentes aldabonazos dirigidos a la conciencia universal, porque tanto ‘Blowin’ in the wind’ como ‘A hard rain’s gonna fall’ pertenecen a cuestionamientos que pueden hacerse en todo tiempo y lugar. Dylan contaba solo veintidós años.
Laura Marling, la cantante inglesa de folk pastoral, versionó en 2017 la segunda canción para la serie Piky Blinders, interpelada por la fuerte resonancia que produce una mirada inocente vertida sobre el nihilismo amenazador de un mundo en descomposición.

(¿Dónde has estado, hijo mío de ojos azules? / ¿Dónde has estado, mi querido joven? / He tropezado en la ladera de doce montañas brumosas / He andado y me he arrastrado por retorcidas autopistas / Me he incursionado en el corazón de siete tristes bosques / He estado frente a una docena de océanos muertos / He estado diez mil millas dentro de un cementerio / Y es fuerte, es fuerte, fuerte / La lluvia que va a caer / ¿Y qué viste hijo mío de ojos azules? / ¿Qué viste, mi querido joven? / Vi a un recién nacido rodeado de lobos salvajes / Y una carretera de diamantes en donde no había nadie / Vi una rama oscura que goteaba sangre)

Busload of faith

LOU REED (Busload of faith)

Lou Reed parecía haberse extraviado a mediados de los ochenta bajo el influjo de la música electrónica, cediendo en Mistrial (1986) parte de su fuerza creadora a la musicalidad insulsa de las máquinas, como prueba que cambiara la batería por la caja de ritmos.
Pero Lou respondió a aquel fracaso comercial cargando de adrenalina New York (1989), su elogiado siguiente álbum. Ya no pretendía ser el artista escandalosamente transgresor de los setenta, pero sí recuperar la vertiente de su inconformismo radical.
Y lo hacía con una banda (Fred Maher, batería; Rob Wasserman, bajo; y Mike Rathe, guitarra) que mantiene inalterable el pulso rítmico del rocanrol intenso, mientras él mismo extrae notas ásperas de su guitarra, haciéndose eco de los temas del disco.
Nueva York era el epicentro de su vida personal y artística, la fuente de su tormentosa inspiración, que esta vez conforma un diario de amargas anotaciones sobre el SIDA, la destrucción ambiental, los asesinatos policiales, la desigualdad racial o el desengaño.

(No puedes depender de tu familia / No puedes depender de tus amigos / Ni depender de un comienzo / Ni depender de un final / No puedes basarte en la inteligencia / Ni depender de Dios / Solo puedes depender de una cosa / De que necesitas un montón de fe para tirar adelante… / Dependes de que siempre pasa lo peor / Dependes de la motivación asesina / Que no se detendrá ante un niño / Y puedes estar seguro de que si aborta / Los pro-vida la atacarán con saña)

White bird

IT’S A BEAUTIFUL DAY (White bird)

It's A Beautiful Day nació en San Francisco en 1967 al abrigo de la eclosión contracultural que animaba la costa Oeste, dándose a conocer al principio en actuaciones en el Matrix, el Fillmore y el Avalon, salas estandartes del sonido en vivo de la ciudad.
It's A Beautiful Day se constituyó bajo el liderazgo de David Laflamme, cuyo violín eléctrico dominaba las composiciones, dotándolas de reminiscencias exóticas. Pero también la teclista Linda Laflamme contribuyó notablemente a su primer y legendario álbum.
It's a Beautiful Day (1969), además de distinguirle una portada de singular encanto, debe su fama a la emblemática ‘White bird’, que cobra evocación y añoranza en los arreglos de David, y realce a través de las armonías de la cantante Pattie Santos.  
Fue su sonido más psicodélico, pues ya Marrying Maiden (1970) registra, junto a cambios de personal, tonalidades afines al country-rock, siguiendo una dirección musical que, al disolverse la banda en 1974, se había apartado del rock progresivo inicial.  

(Blanco pájaro en su jaula dorada, un día lluvioso de invierno / El pájaro blanco en jaula dorada, solo / En la larga y negra carretera, las hojas se agitan contra el cielo oscuro, furiosas / Pero el pájaro blanco permanece en la jaula, desconocido / El pájaro blanco debe volar o, si no, morirá / El pájaro blanco sueña con los álamos / Con sus hojas amarillentas cambiando al dorado / Pero el pájaro blanco se posa en la jaula / Y va haciéndose viejo)

Auntie Aviator

BEVERLEY & JOHN MARTYN (Auntie Aviator)

En 2018 se publicó un notable disco con grabaciones realizadas por Beverley Martyn en 1966 que no llegaron a ver la luz. Tenía entonces dieciocho años y estuvo acompañada de estrellas como Jimmy Page (Led Zeppelin) o John Renbourn (Pentangle).
Dejando atrás una primera inclinación por el teatro, Beverley ya había alcanzado un estatus relevante dentro del folk británico. Su relación posterior con Paul Simon la llevó a California y facilitó su breve aparición en el Festival de Monterrey de 1967.
En 1969 conoció a John Martyn, de sensibilidad y técnica de guitarra poco comunes, convirtiéndose en su mujer y pareja artística. Un primer trabajo conjunto fue Stormbringer (1970), que, grabado en Woodstock, se enriquece con influencias de The Band.
Al volver a Londres, el productor Joe Boyd alentó el sonido experimental que ambos perseguían en The road to ruin (1970 ). Lográndolo particularmente en ‘Auntie Aviador’, una canción provista de aire fantasmal y derivaciones de jazz lisérgico.

(Tía aviadora, más pronto que tarde llegaremos / Volando por encima de las nubes / Ponte a mirar y yo estaré en todas partes / Corre, corre, corre, corre / Jamás te decepcionaré / Corre, corre, corre, corre / Nunca tocaremos tierra / Y si no queremos / No descenderemos / Dijeron que yo era una soñadora / Que todo lo que hacía era sentarme a mirar / Llévame a donde no haya nadie... / Corre, corre, corre, corre)

The light under the door

DHANI HARRISON (The light under the door)

Como tantos hijos de personajes famosos, Dhani Harrison quiso hacerse a sí mismo al margen de la sombra de su padre y para ello estudió Bellas Artes y diseño industrial. Pero George Harrison murió en 2001, cuando Dhani tenía veintiún años.
La circunstancia lo convirtió en custodio de un preciado legado, y también lo empujó a hacer de la música un halagüeño proyecto vital. Primero colaboró con Jeff Lynne para completar la producción de Brainwashed (2002), el adiós póstumo de George.
Luego participó junto a Eric Clapton y muchos otros grandes en el homenaje a George Harrison, celebrado en el Albert Hall a finales de 2002. Lo más reciente es su producción ejecutiva en las ediciones del cincuenta aniversario de All things must pass (1970).
Pero Dhani ha mantenido proyectos propios como músico desde 2006, destacando entre ellos IN///PARALLEL (2017), un álbum experimental en el que se notan influencias electrónicas de Massive Attack o Radiohead y la herencia melódica que ha recibido.

(Dejando un tiempo para ver si podrías alcanzar la paz / Pues estas son las cosas que has de tener / Hollas en el suelo y tu mente se torna sentimental / Una vida solo se define por la luz / Siempre supe que podríamos alcanzar la hermosura / Las hojas la llevan al viento / Siempre escucho para oírte / Pues estas son las cosas que hemos de aprender / ¿Me llevarás hasta la puerta? / Aunque ha habido un tiempo anterior al tuyo y el mío / La luna ha llegado para dejarse ver)

You

BONNIE RAITT (You)

Bonnie Raitt ha publicado hasta la fecha más de veinte álbumes de variado y elegante sonido próximo al Rythm & Blues, que además de haberle dado numerosos galardones, permiten rastrear en su admirada doble vertiente artística y humana.
Bonnie Raitt tuvo en su padre a un cantante en musicales de Broadway y una primera guitarra a los doce años. Aún por cumplir los veinte se puso a actuar en el circuito blues-folk de Boston, desinteresándose de sus estudios sobre África y relaciones sociales.
Aprendió cerca de grandes estrellas del blues durante dos años, y en 1971 inició una carrera que en los setenta regaló siete álbumes, semillero del género musical llamado Americana. A destacar entre ellos Give it up (1972) y Takin' my time (1973).
Bonnie alcanzó su primer éxito con Nick of time (1989), que contó con el notable productor y músico Don Was, el mismo de Longing in their hearts (1994), con el que regresaba revitalizada tras una época personal difícil, que parece evocar en 'You'.

(Nadie más podías hacerme feliz / Ningún otro podía herirme como tú / Tú eras lo único importante / Pero te fuiste / El amor cambió de sitio / Y me quedé sola, pensando en ti / No hubo ningún otro / Tú y yo fuimos creados para ser verdad… / Tú y yo estábamos destinados a estar juntos / Y ser dos corazones verdaderos en un mundo donde el amor está muriendo)

Heart of gold

NEIL YOUNG (Heart of gold)

Neil Young era aún adolescente cuando tocaba en un primer grupo de rock instrumental. Pero fiel a su pasión musical no tardaría en dejar la Winnipeg de sus años formativos por Toronto, para seguir actuando en bares y cafés y propiciarse un destino de leyenda.
Nada más llegar a Los Ángeles, a principios de 1966, integró el supergrupo Buffalo Springfield, en el que también estaban Stephen Stills y Riche Furay. En el Whisky A Go-Go compartieron cartel con los Byrds y los Doors, y dejaron tres grandiosos discos.
Pero al iniciar su carrera en solitario en 1968, contando veintitrés años, él aspiraba a las alturas de Bob Dylan y los Beatles. Su primera obra maestra fue After the gold Rush (1969), anterior a la triunfal travesía de Crosby, Stills, Nash & Young (1970).
Con músicos de Nashville, Neil comenzó en febrero de 1971 la grabación de Harvest (1972), un álbum de country-rock sutil e intenso, de enorme éxito comercial. Destaca el lirismo de 'Heart of gold', con voces de James Taylor y Linda Ronstadt a los coros. 

(Quiero vivir / Quiero dar / He sido minero buscando un corazón de oro / Son estas cosas que nunca digo / Las que me mantienen buscando un corazón de oro / Y me estoy haciendo viejo / Mientras busco un corazón de oro / He estado en Hollywood y en Redwood / He cruzado el océano buscando un corazón de oro / En mi mente un hilo fino me hace buscar un corazón de oro)

Only loved at night

THE RAINCOATS (Only loved at night)

El movimiento punk registra en sus inicios dos interesantes grupos femeninos. Las Slits fueron teloneras de los Clash un año después de su nacimiento en 1976. Su álbum Cut (1979) es un testimonio de musicalidad graciosamente espontánea y primitiva.
Por su parte, las estudiantes de arte Gina Birch (bajo) y Ane de Silva (guitarra eléctrica), atraídas por la idea de que ‘cualquiera puede hacer música', formaban The Raincoats en 1977, dejando hasta 1984 cuatro álbumes de frescura y simplicidad.
Al estrenarse con The Raincoats (1979), parecían conjuntar el espíritu de la Velvet y de los Kinks en un salón abierto a la luz de media tarde, produciendo sensaciones en las que Kurt Cobain, el atribulado líder de Nirvana, dijo haber encontrado paz interior.
El punk con rostro femenino, alabado por el mismo John Lydon, de los Sex Pistols, aparece de nuevo en Odyshape (1981), en donde las Raincoats incluyen instrumentos africanos, para ahondar en su intención de crear arte desde lo rudimentario y simple.

(Una belleza amada de noche / Mostrando un rostro lleno de marcas a la luz del día / Toda la noche sus ojos han estado llameando / El sol no le dará nueva luz otra vez / Solo amada en la noche, la dama en la oscuridad / Conoció el tamaño de los grandes edificios / Lo querido que puede ser un beso / Esos edificios que vieron aviones / Que besaron el aire en vana fantasía / Solo amada de noche / ¿No se refleja en sus ojos?)

The Four Horsemen

APHRODITE’S CHILD (The Four Horsemen)

Entre el rock progresivo y la psicodelia, Aphrodite's Child, nombre artístico para tres excepcionales músicos griegos, escribió su propia leyenda a finales de los sesenta con tres discos de coloración calurosamente mediterránea y motivaciones románticas.
Menos conocido su batería Loukas Sideras, Vangelis, el teclista, se haría inmensamente popular. Y Demis Roussos se consagraría con voz de vibrato única en canciones de amor primaveral, como 'Rain & Tears' y 'We shall dance'.
Habla de la altura de Aphrodite’s Child el que, arropados de baladas pop y efectos psicodélicos, el álbum End of the world (1968) los diera a conocer en línea Moody Blues y que el teclado de Vangelis los acerque a Procol Harum en It's five o'clock (1970).
Hicieron historia con 666 (1971), un álbum inspirado en el Apocalipsis de San Juan, pero no sin polémica por el simbolismo de su título con el número de la Bestia y la irreverencia quizá blasfema del tema ‘Infinity’. Pero por encima brilla 'The Four horsemen’.

(Y cuando el cordero abrió el primer sello / Vi, vi el primer caballo / El jinete sostenía un arco / Y cuando el cordero abrió el segundo sello / Vi, vi el segundo caballo / El jinete blandía una espada / El primer caballo es blanco / El segundo caballo es rojo / El tercero es negro / Y el último es verde / Y cuando el cordero abrió el tercer sello / Vi el tercer caballo / El jinete sustentaba una balanza)

Beautiful love

JULIAN COPE (Beautiful love)

El talentoso y excéntrico Julian Cope lideró desde 1978, y durante cinco años, The Teardrop Explodes, un grupo británico que amalgamó el sonido de la New Wave, con rock de garaje y pop de cámara en su apreciado Kilimanjaro (1980).
Pero en 1983 Julian Cope emprendió una peculiar singladura en solitario, añadiendo a la expresión electro-pop de su música interesantes parcelas como escritor (novelas, memorias, guías musicales) y estudioso de la herencia neolítica de Gran Bretaña.
La compañía Island Records, creyendo ver en Cope un diamante inusual, lo incluyó en su catálogo al publicar Saint Julien (1986), disco cargado de la energía bailable de 'World shut your mouth' o 'Trampolene' e invitaciones a proyectar la vida al espacio exterior.
Sin embargo, Peggy Suicide (1991), álbum conceptual en torno a un planeta tierra desposeído de su antigua espiritualidad y vigor maternal, que discurre entre pop psicodélico e incusrsones al punk y al funk, está considerado lo mejor de su discografía.

(Pareces estar sola, oh Avalon / Siento intensamente esta evidencia / Amor precioso, amor precioso, ¿dónde te has ido? / Mi vida crece contigo  / Dime, hazme creer que no es una equivocación / Amor precioso, ¿dónde te has ido? / Dejaría de vivir si no fuera por ti / Y de creer en el amor si no fuera por ti / Amor precioso, ¿qué haces ahora? / Pareces sola, oh amor, adieu... / No importa que te vayas, yo sigo queriéndote / Da igual cuando te vayas / Tú eres mi amor precioso) 

Pancake

TORI AMOS (Pancake)

Tori Amos tenía veintinueve años en 1992, cuando publicó Little earthquakes, el debut confesional y resuelto de una artista por cuyas canciones suelen correr vivencias, recuerdos y secretos procedentes del movimiento caluroso y agitado de la vida.
Magistral al piano, sus teclas se le rinden en notas y texturas que se esfuerzan por reflejarla en sus particulares visiones, como las que le llevaron al álbum Scarlet’s Walk (2002), resultado de un viaje por la geografía estadounidense ansiando libertad.
En la portada del álbum se la ve sola, en un primer plano abierto al horizonte, con vestido veraniego discretamente elegante y zapatos rojos de tacón alto. En la canción del mismo título, el shérif tiene una pregunta: '¿Qué piensas hacer con toda tu libertad?’.
El séptimo álbum en la carrera de Tori refuerza su peso con Jon Evans (bajo) y Matt Chamberlain (percusión), pero ello no distrae de sus delicadas melodías y exuberantes arreglos, de la fluidez viva de su piano y el poder balsámico que acompaña a su voz.

(No sé quién juega con quién aquí / Mientras observo tu decaer / Los dos sabemos que podrías dejar escapar / Un séptimo huracán / Parece que tú y tu tribu / Hubierais decido reescribir la ley / Separar la mente / Del cuerpo, del alma / Dame el tuyo, yo te daré el mío / Porque puedo verte en los ojos a tu dios / Dame el tuyo, yo te daré el mío / Tú antes me veías en los ojos a mi dios / Yo creo en la defensa / De lo que hemos tenido por principios)

 

Good vibrations

THE BEACH BOYS (Good vibrations)

El álbum Surfin' Safari (1962) inauguró con pop soleado y primorosas armonías la carrera de éxitos de los Beach Boys, dominada hasta 1965 por canciones festivas, como si el deporte acuático, broncearse en la playa y el baile bastaran para tener un vida bella.
Los hermanos Wilson (Brian, Dennis y Carl), así como Mike Love y Al Jardine, rondaban la veintena al firmar en 1962 con Capitol Records e iniciar una marcha triunfal por las listas del pop sólo cuestionada con la llegada de los Beatles a América en 1964.
Muchos de sus éxitos reflejaban el extraordinario virtuosismo coral del grupo y las dotes magistrales de Brian Wilson para la composición y la producción. Sirvan de ejemplos 'Surfer girl', una canción, y The Beach Boys, today (1965), un disco.
Estas cualidades quedarían reflejadas especialmente en Pet sounds (1966), una obra cuidada con detalle y mimo artesanales. De las sesiones de este álbum, aunque no incluido en él, surgió la inmortal 'Good vibrations', verdadera 'sinfonía de bolsillo'.

(Me encantan los vestidos de colores que lleva / Y el modo en que la luz del sol juega con su pelo / Oigo el sonido grácil de una palabra / En el viento que lleva su perfume por el aire / Estoy captando buenas vibraciones… Cierro los ojos, y la veo más cerca / Por la suavidad de su sonrisa, sé que ha de ser amable / Cuando miro en sus ojos, ella me acompaña a un mundo floreciente / Estoy captando buenas vibraciones / Ella me da frenesí)

It's not the spotlight

LOUISE GOFFIN (It’s not the spotlight)

Louise Goffin publicaba el álbum de su debut a los dieciséis años, que se esperaba con interés porque era hija de Carole King y Gerry Goffin, una pareja que había escrito grandes canciones pop en los sesenta, precediendo su éxito a la fama posterior de ella.
Louise, que ya tocaba el piano con seis años y a los nueve componía, demostró en Kid blue (1979 ) ser  una artista genuina al firmar todas las canciones y tocar la guitarra y el teclado, pero el álbum se iba a quedar en una decente muestra de brioso pop-rock.
En Louise Goffin (1981), acentuó la vertiente bailable del rock blando de su música, así como el rango de su voz. Tras un largo hiato apareció el disco This is the place (1988), en el que Louise a veces recuerda al piano el apasionamiento de Laura Nyro.
Habría que esperar a Sometimes a circle (2002) para reencontrarla en un versión próxima al espíritu de Laurel Canyon, por su tono calurosamente melódico. Al mini-LP Apple on fire (2015) pertenece 'It’s not the spotlight', canción de la que su padre es coautor.

(Si sobre mí volviera a sentir nuevamente el brillo de la luz  / No hace falta que te diga lo bienvenida que sería / Sentí antes la luz, pero la dejé escapar / Sigo creyendo que un día volverá / No es estar bajo la luz de los focos ni frente a las cámaras / No es la luz de las farolas en una vieja calle de los sueños  / Ni la luz de la luna, tampoco la luz del sol / Pero he visto el brillo de tus ojos, y ya sabes lo que quiero decir)

Solsbury Hill

PETER GABRIEL (Solsbury Hill)

Si en el plano musical Peter Gabriel es un vanguardista, un buscador de atmósferas y sonoridades innovadoras que le han llevado a traspasar fronteras y fundar el sello discográfico Real World, las letras de sus canciones penetran en lo maravilloso o fantástico.
Gabriel unió a su maestría de compositor e instrumentista imaginativo, una voz singular y dotes de teatralidad en el escenario, aspectos que contribuyeron a dar altos vuelos al rock progresivo de Genesis, grupo que abandonó en 1976.
Se despidió de los setenta con dos álbumes excelentes, pero la cumbre de su talento se expresa en Peter Gabriel 3 (1980), en donde, galvanizadas por la música de sintetizador, alguna de su canciones son variaciones de sombrío romanticismo.
Con todo, la imaginación y curiosidad sin límites, trasladadas a la producción y los arreglos, como rasgos característicos de su obra posterior, se encuentran ya en Peter Gabriel 1 (1977). En 'Solsbury Hill' suenan aires de fanfarria para un relato de fantasía.

(Subiendo Solsbury Hill / Podía ver las luces de la ciudad / El viento soplaba, se detuvo el tiempo /Un águila voló en la noche / Fue algo digno de ver / 'Acércate', me dijo una voz / De pie, y aguzando los sentidos / No tenía otra opción que la de escuchar / Difícil creerme la información / Tuve que confiar en la imaginación / El corazón me hacía 'bum, bum' / Y  me habló: 'Hijo, toma tus cosas, he venido para llevarte a casa’)

Never met a dog

VINEGAR JOE (Never met a dog)

Vinegar Joe dejó tres notables álbumes al blues-rock británico entre 1971 y 1973. Contaban con el atractivo de la presencia de Elkie Brooks y Robert Palmer, dos vocalistas de clase que contagiaban la música del grupo con notas de soul y gramos de locura.
Pete Gage, como guitarrista, compositor y productor, detentaba la dirección de los seis músicos de Vinegar Joe, pero también cabe destacar la contribución del bajista Pete York y mencionar el peso ejecutivo de Chris Blackwell, dueño de Island.
Esta discográfica publicaría sus tres álbumes de estudio. Debutaron con Vinegar Joe (1972), quizá el mejor porque concentra canciones de rock explosivo, entre ellas 'See the world' y ‘Never met a dog’, escritas por Gage y Palmer, respectivamente.
Las diez de Rock ’n’ Roll Gypsies (1972) habían sido perfeccionadas en actuaciones en vivo. Y el excelente Six Star General (1973) fue grabado a su regreso de la gira por Estados Unidos, pero tanto Elkie como Palmer apuntaban ya a estrellas en solitario.

(Pedí prestados unos centavos para un puerro, sí / Y el basurero me puso los pelos de punta / Como un hippie con una joya en el cerebro / Cariño, las cosas pintaban sombrías / Apenas me atrevía a hablar / Mientras me agarraba a los bajos de un tren a toda velocidad / Así que murmuré algo con amargura / Cambié mi nombre a Sanguijuela / Y mis parásitos seguían volviéndome loco / Los lobos tumbaron la puerta con las garras / Agarré a uno por la mandíbula / Y le pregunté amablemente su nombre)

Dizzy Lizzy

MICKEY NEWBURY (Dizzy Lizzy)

Mickey Newbury fue autor de una obra idiosincrásica y muy temperamental que se ha ganado un buen número de entusiastas entre el público y ha contado con la admiración de grandes artistas, entre ellos Elvis Presley, Kris Kristofferson y Joan Baez.
Aunque firmes sus raíces en el country, Mickey se desenvolvió con igual soltura en el rock, el blues e incluso la psicodelia, si bien alguna de sus canciones renombradas, como la suite 'An American trilogy', llevan una inclasificable impronta personal.
Nacido en Houston en 1940, Mickey destacó pronto como escritor de canciones y fue vocalista en The Embers, antes de debutar con Harlequin Melodies (1968), que ya contenía 'I just dropped in', una canción extraña pero destinada al éxito. 
Grabado con músicos de estudio de Nashville, el álbum I came to hear the music (1974) presentaba abundante orquestación y diversos estilos. Incluía la frenética ‘Dizzy Lizzy', que en la mejor tradición del rock posee letra ambigua y ritmo vertiginoso. 

(Dizzy Lizzy, no sé si recuerdas / Cuando el corpulento Joe copó la noche / Y se apropió del espectáculo / Dicen que Clyde ha vuelto / Pero él no es un errabundo / ¡Santo cielo! ¿Dónde irá sin amor? / Bueno, a mí me parece bien / Si a ti te parece bien / Porque yo sólo soy un chaval de diecisiete años / El rocanrol no es más que blues con ritmo / Dizzy Lizzy, ¿te acuerdas de cómo Johnny nos prometió amor a ti y a mí? )

Heroes

NICO (Heroes)

Nico fue joven modelo en París y actriz de reparto en La Dolce Vita, de Fellini. Llegó a Nueva York en 1965, a tiempo de contagiar dos años después con inasible y fantasmal encanto el disco de debut de la Velvet Underground.
Nico desprendía entonces una imagen de belleza y elegancia góticas de la que se enamoraron Jackson Browne, Bob Dylan y Lou Reed, que le prestaron canciones para su propio estreno discográfico con Chelsea girl (1967).
La naturaleza perturbadora de la artista, sin embargo, no quedó reflejada hasta The Marble index (1969), un álbum con arreglos minimalistas de John Cale y sonido tan oscuro que escucharlo sin pausa supone pasar un exigente test psicológico.   
Marcados por la sobriedad, Nico cimentó después su figura icónica con dos discos más de estudio. Y rompería siete años de silencio con los aires post-punk de Drama of exile (1981), en donde ‘Heroes', de David Bowie, trepida entre secos martillazos.

(Yo seré reina / Y tú, tú serás rey / Aunque nada haya que los aleje / Nosotros podemos vencerlos por un día / Y tú, tú puedes ser mezquino / Y yo no pararé de beber / Porque somos amantes, y es lo que cuenta / Sí, somos amantes, y eso es así / Aunque nada nos mantendrá juntos / Podemos robarle tiempo al tiempo al menos por un día / Podemos ser héroes para siempre y por siempre / ¿Qué dices a esto? / Ojalá pudieras nadar  / Igual que los delfines, igual que nadan los delfines)

Uncle John's Band

GRATEFUL DEAD (Uncle John’s Band)

Grateful Dead, la banda más influyente del Sonido de San Francisco, modalidad que también acogía a Jefferson Airplane, Janis Joplin y otros, se distinguió en álbumes estelares por crear un rock psicodélico que invitaba a un viaje mental de asombro y gozo.
El núcleo de Grateful Dead se constituyó en 1964 en torno a Jerry García (guitarra, voz), Ron ‘Pigpen’ McKernan (teclista, voz) y tres componentes más, cuando aún su nombre era The Warlocks y orientaban su música al folk y el bluegrass principalmente.
Las drogas psicodélicas, la vida en comunidad y el Verano del amor de 1967 propiciaron cambios e ingredientes para que Anthem of the sun (1968) fuera ya una cumbre del rock ácido, con algún tema del que tira un hilo de inacabable energía psíquica.
Mantuvieron el esplendor de la experimentación en Aoxomoxoa (1969), y poco después rayarían la perfección en Workingman’s dead (1970), un álbum que tras el fin del sueño hippie los devolvió, para sorpresa de sus seguidores, a fuentes del country-rock.

(Los primeros días son los más duros, deja de preocuparte / Porque cuando la vida parece que fuera una calle despejada, el peligro ronda en tu puerta / Piensa en lo que digo.. / La opción es  bailar con manos y pies sueltos, amigo, hazme caso / Ya sabes las reglas y distinguir el fuego del hielo … / Quiero saberlo, ¿vendrás conmigo? / Maldita sea, ¿has visto algo igual? / Han construido muros con balas de cañón, su lema es ‘no me pises’ / Ven a escuchar a la Banda de Tío John tocando a la marea)

Lather

JEFFERSON AIRPLANE (Lather)

El espíritu de la contracultura animaba a Jefferson Airplane en 1965, cuando en sus comienzos actuaban en el Matrix de San Francisco, una sala de baile de la que era copropietario Marty Balyn, fundador de la banda junto a Paul Kantner.
Con material de estas actuaciones grabaron Jefferson Airplane takes off  (1965), que con densa y resuelta energía están animadas del talento compositivo de Balyn, resaltando dos canciones a las que su voz da fulgor: “It’s No Secret’ y ‘Come up the years’.
Dos años después aparecía el extraordinario Surrealistic Pillow (1967), con protagonismo ahora para Grace Slick, quien, habiendo sustituido como cantante a Signe Anderson, traía dos temas legendarios: ‘White rabbit’ y ’Somebody to love’.
El idealismo libertario y las turbulencias sociales agitaban Crown of creation (1968). Con humor, Grace aborda en 'Lather' el miedo a dejar de ser joven mediante una atmósfera de magia y surrealismo tan extraña como inolvidable.  

(Lather ha cumplido hoy los treinta / Le han quitado todos los juguetes / Su madre le ha enviado recorte de periódicos / Con viejos amigos que dejaron de ser muchachos / Harwitz E. Green acaba de hacer treinta y tres / Le espera una silla de cuero en el Banco / El sargento Dow Jones tiene veintisiete... / Pero a Lather todavía le parece bien / Tumbarse desnudo en la arena)