Rocket man

KATE BUSH (Rocket man)

Kate Bush era aún adolescente cuando Elton John publicó Honky Château (1972), el álbum entre cuyas canciones aparecía 'Rocket man', con letra que había escrito Bernie Taupin inspirándose en El cohete, un cuento de Ray Bradbury.
El éxito comercial de 'Rocket man' fue extraordinario, igual que el entusiasmo que la canción provocó en Kate Bush. Se establecía una conexión entre ellos que subiría de grado cuando años después Elton  dijo que una canción le había salvado la vida.
Y se lo agradecía al mensaje de esperanza de 'Don’t give up' (No te rindas), que Kate Bush había grabado con Peter Gabriel en 1986. Estos lazos invisibles afloran nuevamente cuando ella participa en Two rooms (1989), álbum en homenaje a Elton y Bernie.
Su interpretación de 'Rocket man', aglutinando géneros y estilos y utilizando ritmo de reggae, logra una de las mejores versiones de todos los tiempos según algunos, que minimizan la aparente desatención al grito de soledad que la canción encierra.

(Ella preparó anoche mi equipaje antes del vuelo de las cero horas nueve minutos / A esa hora estaré tan alto como una cometa / Echo mucho a faltar la tierra, y echo en falta a mi mujer / Hay mucha soledad en este espacio exterior / En un vuelo sin la dimensión del tiempo / Creo que pasará bastante tiempo hasta que vuelva a tocar tierra / Y sepa que no soy la persona que ellos se figuran en casa / Oh, no, no, soy un hombre cohete)

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Fairy Tale Girl

JOHN PHILLIPS (Fairy Tale Girl)

John Phillips lideró The Mamas and The Papas como autor de canciones y arreglos vocales que entre 1966 y 1968 hicieron de este cuarteto el mensajero prominente del estilo de vida libertario y jubiloso que emanaba de la California hippie.
Aquellas dos parejas de hombres y mujeres artistas encontraron en el potente calor de sus vidas la inspiración que, sin embargo, terminaría quemándolos. John Phillips debutaría en solitario con la  serena elegancia de The Wolf-King of L.A. (1969).
Siendo de la aristocracia del rock, aún enderezaría su declive en los años setenta con luminosos destellos. Los hay en Pay Pack & Follow, el álbum que, producido por Mick Jagger y Keith Richards, apareció tardíamente en 2001.
Intentos por recomponer la fórmula de su famoso primer grupo resultaron en la formación que contaría con su hija MacKenzie. No les fue muy bien, pero John Phillips aún podía cautivar con canciones como 'Fairy Tale Girl'.

(Una vez conocí a una chica de cuento de hadas / Iba volando en su avión por todo el mundo / Todo le fue bien / Hasta que no pudo encontrar un lugar donde aterrizar / Cuando dejaba el suelo / Nunca pensaba que tendría que volver a él / Y por eso nunca hacía planes… / Pero ayer, entrada la noche, recibí un mensaje de socorro / La chica de cuento de hadas estaba en gran peligro / Me dijo: ‘No sé dónde estoy’ / Pero debe de ser cerca de Japón’)

Hope is a dangerous thing for a woman

LANA DEL REY (Hope is a dangerous thing for a woman)

Lana del Rey ha seguido una continua progresión artística desde Born to die (2012). La ahora diva del pop es dueña de una musicalidad de coloración oscura que se sustenta y enriquece en lánguidos paisajes orquestales de inspiración clásica.
La artista neoyorquina había cumplido varios empeños grabando y tocando en locales de la ciudad, y luego trasladándose a Inglaterra, antes de que, sorpresivamente, un par de vídeos colgados en la red en 2011 le abrieran las puertas de la industria.
En ellos ya puede verse la tensión que habita el imaginario de Lana del Rey, en donde las apariencias glamourosas del sueño americano que hablan de riqueza, amor y fama se descubren en un fondo de frustración, engaño y abusos.
Tal es el juego que llena las canciones de los cuatro discos siguientes, pero al ampliar la gama de tonos melancólicos y al ahondar en el clasicismo musical, Lana del Rey ha logrado que Norman Fucking Rockwell (2019) destaque por encima de todos ellos.

(Estaba leyendo a Slim Aarons y me dio por pensar / Que quizá tendría menos estrés si no me pusieran a prueba / Como a todas estas debutantes / Que vestidas de rosa y con tacones altos no paran de sonreír en sus yates blancos / Pero yo no soy eso, yo no / Yo no paro de dar vueltas en mi jodido batín... / No me preguntes si soy feliz, sabes que no / Pero al menos puedo decir que no estoy triste / Porque tener esperanzas es peligroso para una mujer como yo)

Moonlight on Vermont

CAPTAIN BEEFHEART (Moonlight on Vermont)

Captain Beefheart (nacido Don Van Vliet) se reveló un niño prodigio en la faceta de escultor, señalándose ya como el genio que, de manera autodidacta, se volcaría en la música y la pintura, dedicándose a esta última en exclusiva a partir de 1982.
Captain Beefheart prestó un mundo visionario a canciones torrenciales que desbaratan cualquier intento de lógica en la composición o las letras. Se estrenó con “Safe as milk” (1967), un disco clásico, en donde el blues del Delta viene cargado de anfetaminas. 
Pero todos reconocen en “Trout Mask Replica” (1969) la obra cumbre de Captain Beefheart, quien parece trasladar la energía blanca del desierto de Mojave en donde vivía a la sonoridad febrilmente atonal y polirrítmica característica de este disco doble.
La complejidad planteada fue afrontada por la Magic Band, cinco músicos que permanecieron ensayando en semi reclusión durante seis meses. El resultado es una obra atemporal, atractiva y perturbadora por igual, como pueda serlo “El grito”, de Edvard Munch.

(La luz lunar de Vermont afectó a todo el mundo / A la señora Wooten y al Pequeño Nitty / Al salvavidas que flota / Y con su pequeña pistola va él / Y cargada lleva la pistola / Eso para que veas lo que puede hacer la luna / Se acabó el puente de martes a viernes / Toditos se han pasado a la alta sociedad / La esperanza le ha hecho perder la cabeza y pirrarse por los caimanes /Algunos van dejando cacahuetes en los bordillos… / Luz de luna en Vermont)

It's all over now baby blue

MARIANNE FAITHFULL (It’s all over now, baby blue)

La canción 'It’s all over now baby blue' fue escrita por Bob Dylan para Bringing it all back home (1965), apuesta por el rock eléctrico y despedida de la etapa folk que lo había unido durante tres años a ilustres como Joan Baez, Phil Ochs o Tom Paxton.
Abrazando también la poesía surrealista, el álbum no ocultaba, sin embargo, la idea dylaniana de que el adiós es una necesidad para renovarse y seguir creciendo, incluso si el precio es la incertidumbre o el despojarse de los falsos tesoros acumulados.
Marianne Faithfull fue pronto receptiva al imaginario poético y de contenido existencial de Bob Dylan, pero su versión de 'It’s all over now baby blue' la realizó en 1984, cuando ella ya podía contar una vida de turbulencias y constante trasiego.
La canción figura de nuevo en su último trabajo, titulado Negative capability (2019). Impresiona observar que la nueva versión es extremadamente sobria, casi luctuosa, como si el adiós de ahora fuera una mirada en el espejo de la inexorable finitud.

(Ahora tienes que partir, toma lo que necesites, lo que creas que durará / Pero coge cuanto antes lo que quieras guardar / Allí  está el huérfano con una pistola / Llorando condenadamente bajo el sol / Cuidado, los santos se están abriendo paso / Todo se ha acabado ya, niña triste / La carretera es para tahúres, pertréchate de sensatez / Llévate lo que has reunido sin querer… / El cielo se te está cayendo encima también / Ahora todo se ha acabado, niña triste)

I shall not care

PEARLS BEFORE SWINE (I shall not care)

Instrumentos exóticos y una oscura erudición poética, al servicio de una amalgama de folk y psicodelia que resplandecía con imaginación surrealista, permitieron al grupo Pearls Before Swine explorar caminos inéditos en el rock de finales de los sesenta.
Tom Rapp, su líder, era de la cuerda de Bob Dylan y Joan Baez, pero también de The Fugs, la  agrupación musical más irreverente del underground neoyorquino. Estas dos influencias se entrecruzaban en Pearls Before Swine para dar obras difíciles de catalogar.
En el debut, One Nation Underground (1967) invita a un recorrido musical expresionista, en donde hay reencarnación (“¿has vuelto para morir otra vez”?), inconformismo (“lárgate conmigo y vive la vida”) y amor loco (“mi cuerpo te quiere”).
Pero la canción titulada 'I shall not care' destaca especialmente, porque, además de reflejar el alma dividida de Pearls Before Swine, mezcla de lirismo y desasosiego, se engrandece inspirándose en un poema de la exquisita poeta romántica Sara Teasdale.

(Cuando muerta y sobre mí el luminoso abril / Sacuda su pelo empapado de lluvia / Aunque tú inclinado estés ante mi corazón roto / No me afligiré/Tendré paz, la paz de los árboles frondosos / Cuando la lluvia dobla sus ramajes / Y tendré más silencio y el corazón más frío / Que tú ahora / Palabras que no fueron pronunciadas / Canciones que no fueron cantadas / Lágrimas que no fueron derramadas / Hazañas que no fueron realizadas)

Piece of my heart

ERMA FRANKLIN (Piece of my heart)

Como su hermana Aretha, también Erma Franklin (nacida en 1938) se inició a la música en los coros y cantos de la iglesia baptista que su padre presidía en Detroit. Pero a Erma le tocaría contentarse con jugar una importancia musical mucho más modesta. 
Aunque pronto se le ofreció una oportunidad con el álbum Her name is Erma (1962), publicado por Epic, filial de Columbia, el gran potencial de su voz brilló sólo esporádicamente en medio de una material alejado  del soul y el gospel, su gran especialidad.
Después ejerció de corista en actuaciones y grabaciones de su hermana menor, antes de grabar Super soul sister (1969), donde, entre orquesta y ritmo funky, hay apasionadas interpretaciones de clásicos, como 'Light my fire' (The Doors).
Sin embargo, este álbum no superó el éxito que ella había cosechado en 1967 con 'Piece of my heart', una canción de Bert Berns y Jerry Ragovoy. Su resonancia alcanzó a Janis Joplin, quien un año más tarde casi se la apropió en una versión inolvidable.

(¿No te hice sentir que tú eras el único hombre? / ¿No te di todo lo que a una mujer le es posible dar? / Si todo el amor que te di nunca es suficiente / Te voy a mostrar lo obstinada que una mujer puede ser / Sí, adelante, adelante, adelante / Toma ahora otro trozo de mi corazón, querido / ¡Rómpelo! Rompe otro trozo de mi corazón ahora… / Ya sabes que es tuyo si ello te hace sentir bien)

If music could talk

THE CLASH (If music could talk)

Los Sex Pistols y los Clash fueron las dos bandas de mayor relevancia en el heterogéneo movimiento punk inglés de finales de los setenta. Los primeros revolucionaron el mundo del rock con la crudeza de su música, la fiereza escénica y sus mensajes nihilistas.
Los Clash caminaron igualmente por un territorio muy visceral que, sin embargo, fue derivando a proponer la política como remedio a los males sociales que denunciaban, algo todavía ausente en el aire de protesta y agitación con que debutaron en 1977.
También el siguiente Give them enough rope (1978) deja claro el liderazgo de los compositores y guitarristas Mick Jones y Joe Strummer. El enorme London calling (1979) irradia la energía vigorosa que ya abraza géneros diversos, incluyendo el pop.
Los Clash continuaron explorando con el triple álbum Sandinista (1980), fascinante collage de canciones, que alguien ha comparado al álbum blanco de los Beatles o incluso, en el campo literario, a la aventura narrativa del ‘Ulises’ de James Joyce.

(¡Que no se te pase! / Hay que refugiarse en el búnker esta noche / Esperar a la linterna inspiradora de Bo Diddley / Si la música pudiera hablar / Me siento bien / Me voy agenciar una guitarra Fender Stratosphere / Esta noche puedo hacer cualquier cosa / Lo  dicen las luces de neón y los derechos globales / ¿Dónde está Frank? Al teléfono / No hay ninguna chica alemana afuera / Pero ¿a quién le importa si se está caliente adentro? / Y con música)

Moon river

AUDREY HEPBURN (Moon river)

Henri Mancini compuso 'Moon river' con la mente puesta en los ojos esplendorosos de una actriz elegante como pocas: Audrey Hepburn. La canción pertenece a Desayuno con diamantes, estrenada en 1961 bajo la dirección de Blake Edwards.
Fue una canción con un punto de polémica, pues el famoso compositor estuvo a punto de retirar su participación en la película al enterarse de que la Paramount, cuestionando a Audrey Hepburn como cantante, estaba pensando en sustituir su voz.
Cierto que Audrey Hepburn, aun siendo una grandiosa actriz y también excelente bailarina, carecía de dotes para cantar o tocar un instrumento, pero lo paradójico es que ninguna cantante profesional hubiera transmitido 'Moon river' con tanta dulzura y veracidad.
Audrey Hepburn hizo de 'Moon river', cuya letra fue escrita por Johnny Mercer recordando su infancia, una canción imperecedera, a la que las estupendas versiones de Andy Williams, Frank Sinatra o Louis Armstrong sólo pueden rendir tributo.

(Río de luna, más anchuroso que una milla / Te atravesaré un día con gran donaire / Oh, hacedor de sueños, rompedor de corazones / Adondequiera que vayas, yo te seguiré / Somos dos errantes, en marcha para ver el mundo / ¡Hay tanto que ver en el mundo! / Perseguimos el mismo final del arco iris, esperando con inquietud / Mi amigo fiel, el río de luna y yo)

Music is love

 David Crosby - "Music is love"

Durante sus cuatro años (1964-1968) en The Byrds, David Crosby enriqueció con afán de experimentación el pop/rock del grupo con acordes del jazz y texturas de la psicodelia, y al mismo tiempo quedó señalado como un letrista de alto voltaje confesional.
David Crosby alcanzó la apoteosis de la fama al integrarse en el súper grupo Crosby, Stills & Nash. En su debut de 1969, celebrado bajo el ideario de la filosofía hippie, canciones como “Guinnevere” y “Long time gone”, dejan dulzura y armonías incomparables.
El talento de David Crosby todavía escaló otra cumbre en "If I could only remember my name" (1971), que grabó en San Francisco con buena parte de los músicos de Jefferson Airplane y Grateful Dead para enfrentar un momento vital comprometido.
El disco, por el que fluye un aire de ensoñación, contiene nueve canciones que brotan de un estado de hipersensibilidad emocional. En "Music is love” afirma el poder de la música con la insistencia de un mantra. Luego diría algo más: la vida es música.

("Todos dicen que la música es amor/Sí, todos dicen que la música es amor/Sí, sí, todos van diciendo que la música es amor/Vístete de colores y ven a verlo/Todos dicen que la música es gratis/Quítate la ropa y túmbate al sol/Todos dicen que la música es para divertirse")

Love came here

Lhasa de Sela - “Love came here”

Nacida en Big Indian (Nueva York) en 1972, la vida de Lhasa de Sela discurrió por senderos poco convencionales. Le dieron el nombre de la capital del Tíbet un padre, profesor y escritor mejicano, y una madre, actriz y fotógrafa, amantes de la vida nómada.
Lhasa pasó años de niña en viajes de la caravana familiar, pero no le faltaron ni lecturas ni momentos de baile y canto antes de terminar el día. Creció escuchando a Billie Holiday, Chavela Vargas y Violeta Parra. A los diecinueve años se instaló en Montreal.
Allí sus tres hermanas estudiaban en una escuela de circo. Con el joven músico Yves Desrosiers y el bajista Mario Legaré actuó en bares e hizo giras durante varios años. Debutó con “La Llorona” (1998), un álbum romántico, fronterizo y de sabor latino.
Unirse a un circo en el sur de Francia no le impidió grabar “The living road” (2003). Había recibido premios al publicar “Lhasa” (2008), álbum sobrio pero intenso, como refleja “Love came here”. Su muerte temprana truncó el camino de un ser original.  

(“No hay final a esta historia/Ni tragedia o gloria definitivas/El amor llegó aquí y nunca se fue/Ahora que mi corazón se ha abierto/No podrá cerrarse ni romperse/El amor llegó aquí y nunca se fue/Ahora tendré que amarte siempre/Aunque nuestros días de vivir una vida juntos han acabado/Nada hay aquí que haya de tirarse/Yo llegué a ti a la luz del día/Y el amor llegó para nunca irse”)

Don't want to know

John Martyn - "Don't want to know"

John Martyn (Londres, 1948) creció en Glasgow, en donde a los diecisiete años, bajo la influencia de Skip James y Robert Johnson, músicos de blues americanos, y de Davey Graham, un guitarrista folk de increíble técnica, inició su carrera artística. 
Sus primeros álbumes de finales de los sesenta, algunos con su entonces mujer Beverly, entran en la tradición del folk británico, pero luego vinieron una voz y un sonido inclinados a experimentar con préstamos tomados del blues y del jazz.
John Martyn empezó a sonar fuerte con "Bless the weather” (1971), un álbum en el que, acompañado de Danny Thompson al doble bajo, utiliza el efecto de sonido retardado que proporciona el Echoplex para conseguir un sonido de guitarra acústica envolvente.
Sobreponiéndose a problemas recurrentes de alcoholismo, John Martyn logró ser venerado con álbumes como "Solid Air” (1973), en donde además de "May you never”, popularizada por Eric Clapton, podía escucharse la desconsolada "Don't want to know".

("No quiero saber nada del mal/Sólo quiero conocer el amor/A veces es difícil escuchar/Difícil ponerme a mirarA mi alrededor reluce el oro/Y me da la dimensión de lo que soy/Estoy esperando la ruina de las llanuras/La caída de los pueblos/El desmoronamiento de las ciudades/Esperando a que el mar suba sus aguas/Sí, se hace difícil escuchar/Difícil ver/Porque por todos lados brilla el oro/Y nos mantiene hipnotizados")

Fa-fa-fa-fa-fa-fa

Eddie Hinton - "Fa-fa-fa-fa-fa-fa”

Muscle Shoals es una pequeña ciudad de Alabama, famosa en la historia del rock por haber dado nombre a la sección rítmica que, entre 1967 y 1975, contribuyó a que artistas como Aretha Franklin, Dusty Springfield o Duane Allman lograran grandes éxitos.
Barry Beckett (teclista), Roger Hawkins (batería), David Hood (bajista) y Jimmy Johnson (guitarrista) se pusieron primero al servicio de Rick Hall, pionero de la producción de soul sureño, y luego al del también productor Jerry Wexler.
Eddie Hinton se unió a los estudios de Muscle Shoals en 1967, a los veintidós años, destacando no sólo a la guitarra, sino también como compositor y cantante. Fue autor o coautor de decenas de canciones, alguna incluso interpretada por los Rolling Stones.
A Eddie Hinton soló le faltó ambición para llegar lejos. De la época de “Very extremely dangerous” (1978), su primer disco en solitario, es la grabación de "Fa-fa-fa-fa", en donde este músico blanco de alma negra reavivó el espíritu de Otis Redding.

("Fa-fa-fa-fa-fa-fa/Sigo cantando canciones tristes, escuchad/Canciones tristes es todo lo que sé/Esta noche lleva una dulce melodía/Cualquiera,y en cualquier momento, puede entonarla/Lo que en tu corazón te anima/Y cuando te pongas a cantar esta canción/Te hará mover el cuerpo/Va así: Fa-fa-fa-fa-fa-fa/Ahora te toca a ti/Y ahora a nosotros:Fa-fa-fa-fa-fa-fa/Toda la vida he estado cantando canciones tristes/Intentando que te llegara mi mensaje”)

The tale

Meredith Monk - “The tale"

Hay una voz que articula palabras para comunicar pensamientos, pero hay otra voz que no las necesita porque busca simplemente transmitir emociones primarias, sepultadas bajo normas de refinamiento cultural acumulado durante siglos.
Meredith Monk (Lima, 1942) se adscribió a movimientos de vanguardia para explorar esas regiones oscuras de donde surgen sonidos elementales, ordenándolos para hacer de ellos formas de canto y ayuda a la representación escénica.
Meredith Monk realizó estudios de música, voz, composición y piano en Nueva York. En 1968 formó The House, un primer grupo de carácter interdisciplinar cuyo hábitat lo dominaba la experimentación del Movimiento Fluxus y las ideas de John Cage.
Su discografía comienza con “Key” (1973), un álbum que, punteado con insistencia minimalista por el piano, muestra un ejercicio vocal de disonancias y atonalidad impresionantes, y traslada la importancia del sonido revelador.

(“Yo tengo aún mis manos/Yo conservo aún el pensamiento/Yo guardo aún mi dinero/Yo todavía tengo mi teléfono… ¡hola! ¡holaaaa! ¡holaaaaa!... /Yo aún conservo la memoria/Yo aún guardo el anillo de oro… una hermosura, ¡me encanta! ¡me encanta!/Yo todavía tengo mis alergias/Yo aún tengo mi filosofía”)

Johnny B. Goode

PETER TOSH (Johnny B. Goode)

Al hablar del reggae, tres artistas jamaicanos vienen a la memoria: Bob Marley, porque es la llama viva que alentó y popularizó aquel sonido; Jimmy Cliff, que representa la línea exquisita de confluencia del reggae con el pop y el rythm & blues.
Peter Tosh completa el trio de ases. Políticamente combativo, eligió ser el rayo que no cesa, dijo que la paz reina sólo en los cementerios, sobrevivió a una brutal paliza policial, pero no así a una vendetta mortal originada en la marginalidad.
Dos discos de 1973 recogen el trabajo conjunto con Bob Marley, a quien le unieron diez años. Debutó en solitario con Legalize it (1976), un álbum de contagioso ritmo melódico, con brindis a la marihuana, hierba sagrada de los rastafaris.
Una canción a duo con Mick Jagger en 1978 le aupó aún más a la fama. En el álbum Mama Africa (1983), cuarto álbum de estudio, Peter Tosh insistió en música caribeña, sección de viento incluida, de movimiento desbordante y mensajes incisivos.

(En lo profundo de Jamaica, junto a Mandeville / Al costado del bosque y sobre una colina / Había una vieja cabaña hecha de tierra y madera / En donde vivía un chico de campo llamado Johnny B. Goode / Nunca aprendió a escribir o leer / Tan bien como tocar la guitarra, que hacía sonar como el tañido de una campana / ¡Animo, Johnny, esta noche es tuya! / Llevaba la guitarra en un saco de arpillera / Y se sentaba bajo uno de árboles que bordeaba la vía del tren)

Bang Bang Boom Boom

Beth Hart - "Bang Bang Boom Boom"

Beth Hart es todo un espectáculo en directo, cuando sus dedos teclean resolutivamente el piano, mientras el timbre negroide de su voz agita con furia algún tema adscrito al soul o al rock, recordando la autenticidad intimidante de Janis Joplin interpretando el blues.
Beth Hart es una cantante asentada en Los Ángeles. Fue en sus calles donde David Wolff, en su función de mánager musical, la descubrió para el sello Atlantic, rescatándola así de una vida de inseguridades y drogadicción que obscurecían sus dotes artísticas.
Tenía veinticuatro años al publicar "Immortal" (1996), pero fue a partir de "Screamin' for my supper" (1999) y "Leave the light on" (2003) cuando se ganaría un rango equiparable al de Etta James y Amy Winehouse.
Beth Hart ha compartido química con el maestro Joe Bonamassa entre 2011 y 2018 en cuatro álbumes conjuntos. Con participación del guitarrista Jeff Beck, aún pudo volver al universo propio en "Bang bang booom boom "(2012) y exhibir impulsos primordiales.

("La carretera es ancha, el cielo oscuro/La serpiente de cascabel serpentea en tu espalda/En el desierto aúlla la luna de los enamorados/Bang bang boom boom boom/Quiero tu amor, quiero tu amor/Quiero el veneno tuyo en mi copa/El sol de la mañana pronto se levantará/Bang bang boom boom boom/Bang bang en un anillo de fuego/Bang bang, mi dulce deseo/Bang bang, mi amor es verdadero/Bang bang, me muero por ti/Bang bang boom boom boom")

All is one

ERIC BURDON  (All is one)

El año 1968 recoge una cosecha abundante y preciosa de álbumes de rock. Fue cuando aparecieron Astral weeks (Van Morrison), Electric Ladyland (Jimi Hendrix), Music from the Big Pink (The Band) y Beggars Banquet (Rolling Stones), por citar sólo algunos.
Cómo se ordenaron las estrellas para determinar un año musicalmente tan extraordinario, es cuestión abierta. A aquella fiesta especial se unió The Twain shall meet, un álbum con el que Eric Burdon & The Animals volvían a rendir tributo a la contracultura.
Eric Burdon y su grupo habían pasado de ser briosos intérpretes del rythm n' blues británico, bajo cuyo sello crearon enormes versiones de 'The house of the rising sun' o 'Don´t let me be misunderstood', a destacados representantes de la cultura hippie.
Era la distancia entre Newcastle Upon Tyne, en el noreste de Inglaterra, y San Francisco, en la costa oeste californiana, o el tiempo transcurrido desde 1962. Pero, juzgado por la distancia, el mensaje de 'All is one' parecía proceder de otro planeta.

(Somos uno, somos uno / Yo soy parte de ti, tú eres parte de mi / Vosotros sois uno / Nosotros somos uno / El vecino es tu hermano / El sol es hijo tuyo/Somos uno, somos uno, todo es uno / El viento, la lluvia, el sol: todo esto es uno / Nunca morirás / I gual que las aves vuelan/Yo soy completamente de ti / Tú eres completamente de mi / Todos somos uno / Uno, sí, sí, sí... ¿no puedes verlo? ¿no puedes entenderlo?)

A Stone's throw away

Valerie Carter - "A stone's throw away"

Son muchos los que afirman que Valerie Carter poseía una de las grandes voces femeninas de los setenta, lo que ella hizo notar en colaboraciones con numerosos artistas del momento, entre los que se incluían Jackson Browne y James Taylor.
También que carecía de pretensiones de estrella, lo cual no impidió, sin embargo, que su puesta de largo actuando en la sala Troubadour de Los Ángeles en 1974, con el grupo de folk-rock Howdy Moon, propiciara su futura carrera en solitario.
Valerie Carter, en efecto, terminó grabando dos discos para Columbia muy apreciados. "Just a Stone's Throw away" (1977) se desarrolla en un clima próximo al sonido funky que hacía Little Feat, cinco de cuyos miembros aparecen en los créditos.
"Wild child" (1978) busca captar mayor audiencia desde un rock blando que participa de elementos de jazz y de la música disco. Tras un largo silencio discográfico, Valerie Carter publicó "The way it is" (1996) para Japón, un país que ella adoraba.

("Mis amigos de la calle se han ido a casa. El tiempo que cuelga de la pared no es el mío. Me quedé prendida de un ciego que juró que podía ver. Él ahora está caído en el arcén, pero va por delante de mí. Estoy a un tiro de piedra de parientes de sangre. Voy clamando misericordia por las farolas. "Libradme, libradme, por favor". Pero no puedo bajarme en la estación. Oh, Georgia nunca pareció tan bonita como desde Tennessee")

Ladies pay

LOU REED (Ladies pay)

Lou Reed moría en 2013 mirando los árboles de su casa y moviendo las manos como haciendo sus habituales ejercicios de Tai Chi; sin embargo, había labrado su fama personificando la atrayente decadencia de la cultura urbana de la droga y el exceso.
Lideró la Velvet Underground, que ya llevaba algo de extraño en su nombre: submundo de terciopelo. Combinaban un raro sonido de aspereza y ternura casi infantil. Pero Lou, fiel a su verdadero estilo, se inició en solitario con tremendas cargas de profundidad.
En efecto, el travestismo sexual de 'Walk on the wild side' (Transformer, 1972), el  sadomasoquismo de 'Caroline says' (Berlin, 1973) o la adicción a la heroína de 'Heroin' (Rock n' roll animal, 1974) son temas altamente transgresores.
Dibujan escenarios lúgubres, de los que iría apartándose hasta, aceptando la tentación, reencontrarse  con la luz del amor y los buenos tiempos que inunda Rock and roll heart (1976), un álbum cargado de "música de buen rollo".

(Todos los marineros están en casa de permiso / Y todos saben que los intentarán engañar / Los tenderos han puesto sus cortinas de encaje al descubierto / Y todas las mujeres y chicas jóvenes están allí esperando / Oh, pero ¿cómo pagan las damas? / Sí, ¿cómo pagan cuando los hombres se ha marchado? / Nadie espera junto a la puerta / Y nadie da de comer a los pobres / El lastimoso soldado enfermo se acuesta al lado de su chica / Pensando en un lugar del otro lado del mundo)

Across the universe

FIONA APPLE (Across the universe)

Los Beatles publicaron Let it be en 1970, un álbum que deja ver el deseo creciente de John Lennon y de Paul McCartney por expresarse con voz diferenciada, y, en consecuencia, la dificultad de seguir hablando un lenguaje común entre ellos.
No obstante, Let it be es una obra maestra si se mira el conjunto de las canciones que lo forman, entre las que pueden escucharse la que le da título y 'The long and winding road', compuestas las dos por el romanticismo elegíaco de Paul McCartney.
Y John Lennon es autor en particular de Across the universe, una canción a la que siempre se refirió diciendo que estaba entre lo mejor que había escrito con los Beatles y que, sin melodía, podía leerse como un poema. Phil Spector le añadió su peculiar brillo.
La neoyorkina Fiona Apple, una artista reacia al oropel del negocio musical, cuyo último trabajo data de 2012, versionó en 1998 'Across the universe' para la película Pleasantville, acertando al enfatizar en tono gris el aire resignado implícito en el estribillo.

(Las palabras fluyen como lluvia interminable en una taza de papel/Van deslizándose al pasar/Se desvanecen en el universo/Charcos de dolor, olas de alegría, flotan en mi mente despierta/Se apoderan de mí y me acarician/Jai Guru deva Om/Nada va a cambiar mi mundo.../Con luz rota, imágenes que danzan ante mí como un millón de ojos/Y no cesan de llamarme a través del universo)

Sad Eyed Lady of the Lowlands

BOB DYLAN (Sad Eyed Lady of the Lowlands)

La serie sucesiva de álbumes que entre 1965 y 1966 Bob Dylan entregó al mercado discográfico representan la revolución definitiva con la que su obra, que había comenzado tres años antes, conmocionó para siempre los fundamentos de la música popular.
El primero de ellos es Bringing all back home (marzo, 1965), con once canciones grabadas en setenta y dos horas, algunas en una sola toma. El segundo es Highway 61 revisited (agosto, 1965), un disco eléctrico que dejó perplejo al mismo Jimi Hendrix.
La serie termina con Blonde on blonde (julio, 1966), el primer álbum doble de la historia del rock, en el que Bob Dylan contó con ases de la música de estudio de Nashville (Charlie McCoy, Kenneth Buttrey...) para crear catorce canciones imperecederas.
Ahí podían escucharse 'I want you' y 'Just like a woman', pero sobre todo 'Sad Eyed Lady of the lowlands', once minutos largos sin apenas tiempo para respirar y preguntarse de dónde provenía una inspiración tan luminosamente imaginativa y surrealista.

(Con tu boca mercurial en tiempos misionarios / Y tus ojos como el humo y tus plegarias como canción / Y tu cruz de plata y tu voz resonante / Oh, ¿crees que alguien de ellos podría enterrarte?.. / Mujer de ojos tristes de las tierras bajas / Donde el profeta de mirada triste dice que ningún hombre vendrá / Mis ojos caleidoscópicos, mis tambores arábigos / ¿Debería dejarlos a tu puerta? / Oh, mujer de ojos tristes, ¿debería esperar?)

Texas

Pamela Polland - "Texas"

Pamela Polland (Los Ángeles, 1940) nació en una familia donde padre y madre estaban vinculados profesionalmente a la música. Y escribió canciones desde edad temprana, algo que reavivó luego al escuchar el disco de estreno de Bob Dylan.
Con Ry Cooder estuvo asociada dos años interpretando temas del blues. Pero el primer salto artístico importante lo dio en 1966 al formar con el cantante Rick Stanley el grupo de folk psicodélico The Gentle Soul, representante de un atractivo candor hippie.
El grupo se disolvió en 1969 y Pamela Polland vivió un impasse que acabó cuando Leon Russell la invitó a la gira de Joe Cocker por América en 1970. Ya composiciones suyas, como "I'd like to know" y "Tulsa County", habían sido grabadas por músicos de fama.
Columbia le publicaría "Pamela Polland" (1972), un álbum cálido y reflexivo en el que ella toca el piano y la guitarra, y participan Taj Mahal y Nicky Hopkins, entre otros. Aunque de escaso impacto comercial, a ella le ganó la consideración de artista de culto.

("Texas, casi apenas he podido verte/Sólo en vuelos por medio del país/Y en espectáculos itinerantes de rock & roll/Texas, te he visto en algunos lugares extraños y fascinantes.../Una vez, cuando pensaba que venías a llevarme contigo/Mantuve la cabeza alta, para que todos lo pudieran ver/Volando en las alas de mis propias expectativas/No caí en la cuenta de cuáles eran tus planes... /Ahora te has ido, pero el amor perdura.")

The North wind blew South

Philamore Lincoln - "The North wind blew south"

Philamore Lincoln hubiera quedado sepultado en el tiempo de no haber sido autor de una obra maestra de pop psicodélico tardío, cuyas canciones, entre la ensoñación y la utopía, surgen en medio de producción y arreglos de gran viveza.
Philamore Lincoln era el seudónimo de Robert Cromwell Sanson, nacido en Sherwood (Nottingham) en 1940, con el que quería recordar a sus ídolos a la batería, un instrumento que aprendió de muy joven y con el que se hizo un hueco en la escena musical.
A la percusión tocó primero en conjuntos de jazz y luego, llegado a Londres en 1960, con músicos de la categoría de Brian Auger o John Lee Hooker. Del sencillo "A little bit hurt" en 1967, y del siguiente "Running by the river", obtuvo especial reconocimiento.
Acreditando sólidas credenciales, Epic Records se ofreció para que Philamore Lincoln grabara "The North wind blew South" (1970), en donde Jimmy Page y músicos de los Yardbirds, entre otros, contribuyen a volcar la fe soñadora de una época.

("Mi vida iba sin rumbo/Muy lejos de casa y sin una luz que me guiara/Mi mente volaba sobre un camino de elevación mística/Pero el viento del norte sopló sur/Y las imágenes del cielo formaban ante mí una manera de existir/Y contaban una historia /Y lo decían de una manera que nos besamos/Porque el viento del norte sopló sur/En un limonero gigante, solos mi amiga y yo/Nos bajamos y llegamos al mar pasando por la arena")

Don't cry for me Argentina

JULIE COVINGTON (Don't  cry for me Argentina)

Mujer combativa, Eva Perón se había elevado por encima de sus orígenes humildes hasta presidir en los años cuarenta lo alto de la política argentina, desde donde desplegó su carisma para cautivar a la población con promesas de redención.
Su muerte temprana contribuyó a hacer de ella una figura de leyenda. Así lo entendió Andrew Lloyd Weber, compositor y empresario inglés, quien elaboró el álbum conceptual Evita en 1976, para convertirlo dos años después en obra teatral.
De los aspectos líricos de esta representación sobresalía especialmente el tema 'Don't cry for me Argentina', una confesión llena de amor que la cantante Julie Covington, ayudada de una exuberante orquestación, supo transmitir con tensión dramática sostenida.
Fue el principio de un fulgor al que se rindieron artistas tan dispares como Karen Carpenter y Sinead O'Connor, pero sobre todo la cantante y actriz Madonna, quien en 1996 protagonizó el papel de Evita en la película del mismo título dirigida por Alan Parker.

(No será fácil, pensaréis que es extraño / Cuando intento explicar cómo me siento / Todavía necesito vuestro amor después de todo lo que he hecho... / Seguiréis viendo a la chica que un día conocisteis / Y, aunque va vestida de punto en blanco, se atolondra cuando os ve... / Yo tenía que cambiar / No podía continuar toda mi vida desaliñada / Mirando por la ventana y apartándome del sol... / Os amo, y confío en que me améis / No llores por mí, Argentina)

The Institute of Mental Health was burning

Peter Hammill - "The Institute of mental health was burning"

Peter Hammill estuvo en el origen del grupo experimental Van der Graf Generator, nombre que, tomándolo prestado de una máquina generadora de electricidad estática, presagiaba el rock progresivo oscuro y fantasioso que iba a desarrollar.
Pero tras cuatro álbumes en los que se oye el aliento combinado de Procol Harum y King Crimson, Peter Hamill empezó un proyecto propio con "Fool's mate" (1971), dando rienda suelta a influencias que había recibido de la religión, la filosofía o la ciencia ficción.
Desde el pincipio es intenso a la voz, el piano o la guitarra, y huye de la simplificación y el conformismo temático. Pero, "Nadir's Big Chance" (1975) se diferencia de todo lo anterior en "tono, tema y ejecución", tanto que hasta fue del agrado de los Sex Pistols.
Sin abandonar preocupaciones existencialistas, este álbum presenta ahora un sonido proto-punk inédito, empujado por Guy Evans (batería), David Jaxon (saxo, flauta), Hugh Banton (teclados) y la agresividad de Nadir, el álter ego de Peter Hammill.

("Era el primer día de julio/Ningún viento soplaba en el cielo/Cuando alguien que llevaba traje a rayas/Vio cómo se quemaba el Instituto de Salud Mental/Se quedó de pie en la esquina/Donde el sol daba más calor/Mirando, con la calle de por medio/Se cambió los grilletes de los pies/Mientras el Instituto ardía/Las llamas crepitaban.../El humo se vertía derecho al cielo/Las ventanas estallaban, las puertas góticas y dinteles se desplomaban")

Windy

Ruthann Friedman - "Windy"

Ruthann Friedman se crió en el Bronx neoyorkino, pero su familia la llevó a California con diez años, en 1954. Empezó pronto a escribir canciones y aprender guitarra inspirándose en las celebridades folk del momento, entre ellos Woody Guthrie y Pete Seger.
En bares de Denver actuó frente al público por primera vez. Era 1963, un tiempo en el que San Francisco acogía la movida hippie. Allí conoció a miembros de bandas musicales de renombre, como Jefferson Airplane y Country Joe & The Fish.
La vida circundante propiciaba la creación artística: Ruthann Friedman estaba en casa de David Crosby, cerca de Los Ángeles, cuando la presencia del alguien le motivó a escribir "Windy", una canción que ha quedado grabada con letras de oro.
Fue gracias a la versión que en 1967 hizo The Association, el brillante grupo californiano de pop psicodélico. La autora publicaría luego "Constant Companion" (1970), un álbum acústico que aúna con simplicidad la libertad del lenguaje y de la imaginación.

("Quién se asoma por debajo de la escalera/Llamando a alguien que es más ligero que el aire/Quién se agacha para darme un arco iris/Todo el mundo sabe que es Windy/Quién recorre las calles de la ciudad/Y sonríe a todo el que ve/De quién es el empeño por capturar el momento/Todos saben que es Windy/Y Windy tiene ojos de tormenta/Que se desprende al sonido de las mentiras/Y tiene alas para volar sobre las nubes")

I can see clearly now

Johnny Nash - "I can see clearly now"

Johnny Nash nació en 1940 en Houston (Tejas), en donde de niño empezó cantando para el coro infantil de la iglesia baptista. Nada que ver con las románticas melodías que a los veinte años ya interpretaba sobre cuitas del corazón.
Los primeros discos de Johnny Nash, centrados en estos temas, pertenecían a un género dominado entonces por Harry Belafonte y Johnny Matthis, por lo que le fue fácil inclinarse al reggae, que descubrió en un viaje a Jamaica en 1968. 
Johnny Nash estableció allí una relación artística con The Wailers, el grupo comandado por Bob Marley, a los que sirvió como productor de canciones de escasa repercusión.
Fueron los Wailers quienes lo ayudaron en 1972 a conseguir el extraordinario "I can see clearly now", un álbum que contenía la canción del mismo título, y por la que Johnny Nash será recordado siempre con gratitud.

("Ahora que la lluvia ha cesado, puedo ver con claridad/Puedo ver todos los obstáculos en mi camino/Se han disipado los nubarrones que me cegaban/Será un día brillante y soleado/Ahora lo puedo conseguir, el dolor ha cesado/Y los malos sentimientos han desaparecido/Este es el arco iris por el que tanto he estado rogando")

The kiss

Judee Sill - "The kiss"

La obra musical de Judee Sill, intensa pero pronto truncada, refleja su propia vida, un relato que en sus primeros años habla de turbulencias familiares en el ambiente adinerado de Hollywood, y de una juventud viajera envuelta en drogodependencia.
A pesar de ello, Judee Sill preservó el instinto artístico que le permitió redimir sus tumultuosas experiencias en la unidad del simbolismo religioso, algo redundante en sus canciones primeras, entre ellas "Jesus was a cross maker", una de las más conocidas.
Judee Sill se estrenó en 1971 con un álbum epónimo en el que presentaba nueve canciones de excelente folk-rock para dar cuenta de un viaje espiritual que sería de tono más ligero y reconciliado en "Heart food" (1973), su siguiente y último álbum.
De este ánimo surge The "Kiss", el beso como momento único de comunión entre dos polaridades complementarias. Su prometedor camino lo desbarató un desencuentro con la discográfica. Y volvió a la sombra y, luego de un accidente de tráfico, a la oscuridad.

("Amor, levantándose de la neblina.../Aliento sagrado que me toca como una canción soplada por el viento/Dulce comunión de un beso/El sol se cuela entre la grisura/Entra y me toca con un rayo/Que, silencioso, se precipita enseñándome/Cómo entregar mi corazón/Un coro cristalino se me apareció mientras dormía/Me llamó, y al acercarse más diciendo 'la muerte ha terminado'/ Fue entonada una nueva canción")

The end of the innocence

DON HENLEY (The End of the innocence)

Don Henley, a la batería, y Glen Frey, a la guitarra, fueron cofundadores en 1972 de los Eagles, la banda californiana que puso en su coctelera el dinamismo del country-rock para alcanzar un sonido vigoroso y dulce, rítmico y melódico.
Don Henley comenzó en 1982 una carrera en solitario que hasta el final de la década produjo tres álbumes consistentes. En el segundo, el titulado Building the perfect beast, combinó letras, sintetizador y arreglos para llegar a un público masivo.
Aires de nostalgia pareceían obsesionar a Don Henley, como si el hotel California de vino y rosas se hubiera transformado ahora en lugar inhóspito por los vientos de modernidad líquida que campeaban en la cambiante escena musical de los ochenta.
Este espíritu de añoranza, incómodo ante la pérdida de un mundo confiado y seguro, lo recogía The end of the innoncence (1989), particularmente en la canción homónima, escrita y producida juntamente con el pianista Bruce Hornsby.

(Recuerda cuando los días eran largos / Y discurrían bajo la profundidad de un cielo azul / No nos preocupábamos por las cosas del mundo / Teniendo a mamá y a papá a la espera / Cuando falla la sempiterna felicidad venidera / Y nos han envenenado con cuentos de hadas... / Pero yo sé de un lugar adonde ir / Preservado de la mano del hombre / Nos sentaremos a mirar pasar las nubes / Y a la hierba crecida ondulándose en el viento)

A change would do you good

Sheryl Crow - "A change would do you good"

Sheryl Crow creció entre un padre trompetista de orquesta y una madre que, además de cantante, ejercía como profesora de piano. Unas raíces propicias que determinaron su vocación de artista y la ayudaron a resistir en momentos profesionales difíciles.
Sus tímidos comienzos juveniles en la escena musical de St Louis (Missouri) cambiaron cuando se instaló en Los Ángeles y, tras una audición, fue contratada para una gira de dos años como cantante corista de Michael Jackson a finales de los ochenta.
No le fue fácil romper la categorización de vocalista de sesión que se había ganado. Tenía treinta años cuando debutaba con "Tuesday Night Music Club" (1993), el nombre del colectivo informal de músicos y amigos angelinos participantes en el álbum.
El intenso y largo aprendizaje iba a explosionar en "Sheryl" (1996), que, con letras desinhibidas e irónicas, aires de pop bailable y algo garajero, se convierte en un disco esencial de los noventa y celebra el nacimiento de una súper estrella.

("Diez años viviendo en una saca de papel/Este chico reactivo es un tipo alocado/Un canario de platino que bebe cerveza Falstaff/Va en Mercedes y alquila aviones privados/Irresponsable, insincero/Profeta, un altavoz de baja calidad/Véndete la casa y vuelve a la escuela/Apáñate una novia joven, la joya de papá/Un cambio te haría bien/Creo que te haría bien")

Corrina, Corrina

Boz Scaggs - "Corrina, Corrina"

La canción "Corrina, Corrina" pertenece al género tradicional del blues. Fue grabada por primera vez en 1928 por Bo Carter, un músico negro del Mississippi cuyo padre había conocido la esclavitud. La canción desde entonces ha sido recreada constantemente.
A la variedad de artistas, le ha correspondido también variedad de estilos. El poderoso Big Joe Turner, por ejemplo, la interpretó en 1948 a ritmo de booggie. Y Muddy Waters hizo su versión en 1967 con animada presencia de órgano y sección de viento.
"Corrina, Corrina" expresa el dominio del sentimiento. Bob Dylan, que la registró con sincera emotividad en su segundo disco, transformó la letra, y sobre la frustración del anhelo insatisfecho impuso una veladura de recuerdo y ausencia.
Boz Scaggs redobla esta lectura añadiendo algún verso propio ('A nadie sino a ti quiero en este mundo') en el álbum "Memphis" (2013), grabado en el mismo estudio en el que Al Green y el productor Willie Mitchell lograron conjuntamente clásicos del soul. 

("Corrina, Corrina, muchacha, ¿dónde has estado tanto tiempo?/Muchacha, ¿dónde has estado tanto tiempo?/He estado muy preocupado por ti, niña/Niña, ven a casa, por favor/Tengo un pájaro que trina/Tengo un pájaro que canta.../Pero no tengo a Corrina y la vida no significa nada/Corrina, Corrina, muchacha, no dejas de estar en mi cabeza.../Estaba pensando en ti/Y no he podido contener el llanto")

High Sierra

Dolly Parton-Emmylou Harris-Linda Rondstadt - "High Sierra"

Linda Rondstadt, Emmylou Harris y Dolly Parton han sido estrellas rutilantes en el firmamento del country-rock durante varias décadas. La dmiración que se profesan las ha llevado a intercambiarse colaboraciones, especialmente en álbumes de los setenta.
El publicar un trabajo conjunto se concretó finalmente con "Trio" (1987), en donde once canciones, dos originales de Dolly Parton, son recreadas con maravillosas armonías y el contrapunto instrumental de figuras de primera fila, como Ry Cooder o David Lindley.
El álbum, todo un éxito artístico y comercial, fue favorecido particularmente con la versión que hicieron de "To Know him is to love him", de Phil Spector. Hubo que esperar más de una década hasta verlas de nuevo juntas en el trabajo que titularon "Trio II" (1999).
Y volvieron a deleitar con armonías que rozan la perfección. La canción "After the gold rush", de Neil Young, es quizá la más conocida, pero "High Sierra", del músico de bluegrass Harley Allen, liderada por la voz de Linda Rondstadt, da el tono más excelso.

("Yo he estado más arriba que la alta sierra/Y más abajo de lo que debe de estar el valle de la muerte/He tenido razón, pero más me he equivocado/Equivocado contigo, acertado conmigo/Lo que siento no puedo explicarlo/Tanta pasión convertida en dolor/.../¿Sabías que el sol brilla cuando llueve?.../Volveré, el tiempo ha de verlo/Si me he equivocado contigo, si no me equivoco sobre mí")

No woman, no cry

Bob Marley - "No woman, no cry"

Bob Marley publicó en 1973 dos discos de un sonido caribeño que parecía surgir de la alquimia entre la pasión y la desgana, catalizadas por el activismo político, que, en la Jamaica de los setenta, venía a ser luchar por derechos y libertades básicos.
Bob Marley también depositaba en sus canciones la fe del movimiento rastafari en torno al consumo de marihuana y la divinidad de emperador de Etiopía. Chris Blackwell lo fichó para su sello Island, contribuyendo así a universalizar el sonido rasta.
Eric Clapton también ayudó al versionar "I shot the sheriff", un tema incluído en "Burning" (1973), al que seguió "Natty Dread" (1974), considerado el álbum de reggae más acabado, y donde aparece la famosa canción "No woman, no cry".
Ya no estaba Peter Tosh, otro nombre esencial del reggae, pero la sección rítmica de los Wailers y un trío vocal femenino de intensidad soul acompañaron a Bob Marley en "Live" (1975), un documento de comunión excepcional entre el artista y su público.

("Mujer, no; no llores/Me acuerdo de cuando nos sentábamos por la barriada social de Trenchtown/Y mirábamos a los hipócritas, sí/Que se mezclaban con la buena gente que conocemos, sí/Tenemos buenos amigos/Buenos amigos que hemos perdido en el camino, sí/No podemos olvidar el pasado en este grandioso futuro/Así que, sécate las lágrimas, te lo pido.../Mi querida pequeña, no viertas más lágrimas")

Rotterdam

Lilly Hiatt - "Rotterdam"

Lilly Hiatt ha crecido musicalmente en Nashville, bajo el influjo artístico de su padre John, una leyenda viva del rock americano. Pero ella es distinta, su terreno musical está entre el indie y el country rock, y en él se mueve rotunda y sincera.
Decidió consagrarse a la música popular mientras estudiaba  en la Universidad de Denver. Tenía veintiocho años cuando arrancó su discografía con "Let down" (2012), un disco intenso, de cálidas guitarras, que ella singulariza con voz de fuerza magnética.
Lilly Hiatt debe mucho de su aprendizaje al entorno tradicional de Nashville, pero su sensibilidad es rabiosamente moderna, reflejo idiosincrásico de tribulaciones y gozos personales. Admira a Neil Young, también al John Lennon que se desnuda emocionalmente.
Es lo que ella hace en el álbum más reciente, tercero de su discografía, el titulado "Trinity lane" (2017), en donde doce canciones, una dedicada a David Bowie, forman un conjunto de sonido vigoroso, cuyos temas les anima la honestidad sin concesiones.

("De Rotterdam a Richmond queriendo quitarme de encima esta mierda/Cuatro mil millas y sin poder lograrlo/Sólo queda el cielo si llevas puesta esa corona/¿Quién estará allí cuando la prendas fuego?/Yo quiero quedarme aquí/Mantener la cabeza fría/Eso es lo que tú harías/La cabeza me da vueltas con los grandes proyectos/Me gustaría dejarlo correr/Ella está de subidón, elevada como un ángel/Nosotros, aquí, buscamos claridad")

Krishna Blue

David Sylvian - "Krishna Blue"

David Sylvian comenzó una carrera propia en 1982 tras ocho años liderando Japan, la banda londinense que, caracterizada entre los New Romantics, siempre quiso ser expresión estético-musical de una búsqueda reflexiva y melancólica de la belleza.
Si en David Bowie apostar por la moda era mercadotecnia, en David Sylvian era la manera de negar la mediocridad y la grisura que seguramente conoció en el entorno familiar y social donde creció."Brilliant Trees" (1984) fue su primer y gran ensayo en solitario.
Las contribuciones de Ryuichi Sakamoto, John Hassell y Holger Czucay le prestan un tejido de sintetizadores, electrónica y música de jazz y ambiental, que David Sylvian convierte en pop nostálgico, muchas veces afín a una espiritualidad con raíces orientales.
Es una rica trayectoria que está salpicada de álbumes en donde el recuerdo y el deseo adoptan formas brumosas. En "Dead bees on a cake" (1999), la canción "Krishna Blue" está envuelta de la religiosidad india, otro de los grandes intereses de David Sylvian.

("Aquí está ella, la nieve cayendo/En medio de la noche/De maneras seductora.../Ella es todo lo que necesito/Todo lo que soy/La voz de compasión dentro del hombre/Si abres las puertas comienza la locura.../Hay todo en su manera de andar/Gracia y luz que me atraviesa.../Me desanuda la cuerda de las manos/A la que anudaba temores y esperanzas/La verdad se abre/Nado el río de color hacia ti/Krishna Blue")

As I went out one morning

Mira Billotte - "As I went out one morning"

Bob Dylan habita un dominio de elevación artística exclusiva. Ha llegado a él transformando influencias y desgranando visiones para dar cuenta de realidades que, como los sueños, están iluminadas de múltiples significados y reflejos..
Al Bob Dylan evasivo y multifacético es difícil encontrarle su verdadero rostro, oculto detrás de las máscaras que lo esconden. Muy al principio descubrió que sus canciones son verdaderas cuando participan de la esencia poética y cambiante del alma humana.
Algo de esto debió de empujar al director Tom Haynes a realizar el biopic 'I'm not there", una película presentada en 2007 para reflejar el fluir de la obra dilanyana a través de seis personificaciones, de las que destaca la realizada por la actriz Cate Blanchett.
La banda sonora amplía el espectro de una luz que agiganta pero no desvela la identidad de Robert Zimmerman. Así, la cantante Mira Billotte versiona con encanto la canción "As I went out one morning", pero deja intacta la densa niebla que la envuelve.

("Cuando salí una mañana/A tomar el aire cerca de la casa de Tom Paine/Me topé con la más linda damisela/Que jamás haya podido verse andando encadenada/Le ofrecí la mano/Ella me cogió del brazo/Y en ese momento supe que quería hacerme daño/'Márchate de aquí ahora mismo', la conminé a viva voz/'Pero no es lo que quiero', me dijo.../'Se lo ruego, señor', me suplicó anhelante")

The River

Brian Eno/John Cale - "The River"

John Cale conoció en 1963 la música minimalista y repetitiva de la mano de John Cage y LaMonte Young, respectivamente. De ello hay eco en los dos primeros discos de la Velvet Underground, que abandonó en 1968 por disputas de liderazgo con Lou Reed.
Pronto inicia una carrera en solitario hacia el rock experimental, cuyos aspectos más vanguardistas se concretan ya en "Church of Anthrax" (1971), un trabajo compartido con Terry Riley. La pulsión por la innovación le acercaría también a Brian Eno.
Este mago del sintentizador era figura de Roxy Music en 1971, pero tras dos álbumes afloraron desavenencias con Brian Ferry. No eran dos almas gemelas, sin embargo, las que empezaron a prestarse esporádica colaboración a partir de 1974.
Aún así, Brian Eno y John Cale compartirían plena camaradería en la eufórica experimentación musical que es "Wrong way up" (1990). El simbolismo de renovación que desprende "The River" transluce la caída del muro de Berlín y venturas personales.

("En el agua profunda/En un dormir oscuro como la noche/Parece que todo fue un sueño más/Que pronto se disolvió a la luz/Estábamos en la línea de flotación/Vaga era la canción de la noche/Inocente para todos los dioses campesinos, contigo/Y bebimos para ser renovados/En el largo y hondo río/Donde las gallinetas cacarean/Cuando el sol primero destella en el cielo/Ella vino río abajo")