SARAH JAROSZ (Ring them bells)
Sarah Jarosz (Austin, 1991) empezó a formarse musicalmente a los doce años a partir del bluegrass, acompañando a artistas como Ricky Scaggs o David Grisman, pero su evolución la ha llevado a incorporar con estilo propio otros géneros tradicionales.
Sarah recibió a los nueve años una mandolina como regalo de Navidad. Un momento comparable a cuando, tras actuar en un festival veraniego en Colorado, le ofrecieron en 2007 ir a grabar a Nashville y después firmar con Sugar Hill Records.
El álbum Song up in her head (2009) es su primera contribución a la música norteamericana de raíces desde una textura dulce y moderna. Su tercer álbum, que la certifica a la cabeza del bluegrass contemporáneo, se titula Build me up from bones (2013).
Pero antes Sarah Jarosz había publicado Follow me down (2011), en donde hay una versión de 'Ring them bells', la canción en la que Bob Dylan dibuja, con música pastoral y tono admonitorio, una serie de estampas de fondo alegóricamente religioso.
(Tocan las campanas, oh infieles / Desde la ciudad que sueña / Tocan las campanas desde los santuarios / Por valles y riachuelos / Pues ellos son profundos y anchurosos... / Tocan las campanas de San Pedro / En donde soplan los cuatro vientos / Tocan las campanas con mano de hierro / Así la gente sabrá / Que es hora de apresurarse / A la rueda y el arado / Y el sol va declinando/Sobre la vaca sagrada)
lunes, 28 de marzo de 2016
Ring them bells
viernes, 18 de marzo de 2016
Silent passage
BOB CARPENTER (Silent passage)
El único álbum del canadiense Bob Carpenter, una joya musical de mediados de los setenta urdida con oscuridades de esplendorosos reflejos, ha sido distinguido entre las diez mejores reediciones del año pasado por la revista Rolling Stone.
Bob Carpenter nació en una reserva india próxima a Ontario, y creció entre orfanatos y padres adoptivos de los que escapó enrolándose en la Marina. Tras licenciarse, sus vagabundeos lo llevaron hasta la escena folk de Toronto.
Encerrado en una cabaña durante un duro invierno, escribió las canciones que encantaron al productor Brian Ahern, quien reunió a extraordinarios músicos en el estudio de grabación (Lowell George, de Little Feat, o Emmylou Harris, entre ellos).
Grabado en 1974, Silent passage iba a ser la piedra fundacional de su carrera, pero disputas contractuales lo impidieron y, cuando el álbum apareció finalmente en 1984, Bob Carpenter ya estaba más interesado en el budismo zen que en la vida artística.
(Antes de la guerra, yo no tenía necesidad de viajar / La verdad es que no sé por qué era tan importante marcharse / Y después de todo este tiempo me doy cuenta de que huyo de mí / Ni más ni menos que por miedo de lo que tengo que ganar al descubierto / A pesar de que sólo volver a casa me acerca a ti)
El único álbum del canadiense Bob Carpenter, una joya musical de mediados de los setenta urdida con oscuridades de esplendorosos reflejos, ha sido distinguido entre las diez mejores reediciones del año pasado por la revista Rolling Stone.
Bob Carpenter nació en una reserva india próxima a Ontario, y creció entre orfanatos y padres adoptivos de los que escapó enrolándose en la Marina. Tras licenciarse, sus vagabundeos lo llevaron hasta la escena folk de Toronto.
Encerrado en una cabaña durante un duro invierno, escribió las canciones que encantaron al productor Brian Ahern, quien reunió a extraordinarios músicos en el estudio de grabación (Lowell George, de Little Feat, o Emmylou Harris, entre ellos).
Grabado en 1974, Silent passage iba a ser la piedra fundacional de su carrera, pero disputas contractuales lo impidieron y, cuando el álbum apareció finalmente en 1984, Bob Carpenter ya estaba más interesado en el budismo zen que en la vida artística.
(Antes de la guerra, yo no tenía necesidad de viajar / La verdad es que no sé por qué era tan importante marcharse / Y después de todo este tiempo me doy cuenta de que huyo de mí / Ni más ni menos que por miedo de lo que tengo que ganar al descubierto / A pesar de que sólo volver a casa me acerca a ti)
viernes, 11 de marzo de 2016
All my tears
EMMYLOU HARRIS (All my tears)
La personalidad de Emmylou Harris y su inconfundible voz cristalina llevan varias décadas surcando el inagotable río del tiempo, embelleciéndolo de un reguero de luna en el que se refleja su inquieto espíritu creador, sensible y comprometido con la excelencia.
Tras conocer en 1971 a Gram Parsons, Emmylou Harris (Alabama, 1947) se convirtió en heredera de la música cósmica de raíces country. Majestuoso fue su debut discográfico Elite hotel (1975), igual que su participación en el Desire (1976) de Bob Dylan.
Instrumental en el éxito de los primeros diez álbumes, el productor Brian Ahern se despediría con White shoes (1983). The ballad of Sally Rose (1985) fue una suerte de autobiografía, anterior a Trio (1986), que compartió con Linda Rondstad y Dolly Parton.
De la mano de Daniel Lanois, la artista se sacudió la atmósfera country tradicional con Wrecking Ball (1995) y exploró nuevos territorios en la voz y el sonido. La canción 'All my tears', escrita por Julie Miller, se sitúa en la frontera de lo invisible.
(Cuando ya no esté, no lloréis por mí / Estaré en los brazos de mis padres / Las heridas que este mundo haya dejado en mi alma / Se curarán y volveré a ser como antes... / Da igual donde me enterréis / Yo ya estaré en casa y seré libre / No importa donde descanse / Se me habrán borrado todas las lágrimas)
La personalidad de Emmylou Harris y su inconfundible voz cristalina llevan varias décadas surcando el inagotable río del tiempo, embelleciéndolo de un reguero de luna en el que se refleja su inquieto espíritu creador, sensible y comprometido con la excelencia.
Tras conocer en 1971 a Gram Parsons, Emmylou Harris (Alabama, 1947) se convirtió en heredera de la música cósmica de raíces country. Majestuoso fue su debut discográfico Elite hotel (1975), igual que su participación en el Desire (1976) de Bob Dylan.
Instrumental en el éxito de los primeros diez álbumes, el productor Brian Ahern se despediría con White shoes (1983). The ballad of Sally Rose (1985) fue una suerte de autobiografía, anterior a Trio (1986), que compartió con Linda Rondstad y Dolly Parton.
De la mano de Daniel Lanois, la artista se sacudió la atmósfera country tradicional con Wrecking Ball (1995) y exploró nuevos territorios en la voz y el sonido. La canción 'All my tears', escrita por Julie Miller, se sitúa en la frontera de lo invisible.
(Cuando ya no esté, no lloréis por mí / Estaré en los brazos de mis padres / Las heridas que este mundo haya dejado en mi alma / Se curarán y volveré a ser como antes... / Da igual donde me enterréis / Yo ya estaré en casa y seré libre / No importa donde descanse / Se me habrán borrado todas las lágrimas)
viernes, 4 de marzo de 2016
Pride of man
QUICKSILVER MESSENGER SERVICE (Pride of man)
Quicksilver Messenger Service se consagró como banda puntera del Sonido de San Francisco cuando apareció su Happy Trail (1969), un disco cargado de pura energía y una carátula en la mítica del Viejo Oeste diseñada por Globe Propaganda.
Aunque Dino Valente fuera el impulsor de QSM, sus problemas con la policía y las drogas dejaron los comienzos discográficos del grupo a Gary Duncan (guitarra), David Freiberg (bajo), Greg Elmore (batería) y John Cipollina (guitarra solista).
Precisamente, John Cipollina, que eligió un plano discreto, pese a ser uno de los guitarristas más formidables de su generación, caracterizó el sonido vibrante y encendido de QSM, que en sus mejores momentos irradiaba como manantial de luz.
Quicksilver Messenger Service se estrenaron en 1968 con un álbum de melodioso sonido lisérgico de garaje para el que el cartelista Rick Griffin diseñó la portada. Cargada de tono apocalíptico, contenía una versión arrebatada de 'Pride of man'.
(Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / ¿Acaso no ves aquel fulgor de fuego que brilla diez veces más que la luz del día? / Contempla la imponente ciudad convertida nuevamente en polvo / ¡Dios mío! El orgullo del hombre no es más que polvo otra vez / Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / Babilonia se está descomponiendo, Egipto se hunde en la vergüenza)
Quicksilver Messenger Service se consagró como banda puntera del Sonido de San Francisco cuando apareció su Happy Trail (1969), un disco cargado de pura energía y una carátula en la mítica del Viejo Oeste diseñada por Globe Propaganda.
Aunque Dino Valente fuera el impulsor de QSM, sus problemas con la policía y las drogas dejaron los comienzos discográficos del grupo a Gary Duncan (guitarra), David Freiberg (bajo), Greg Elmore (batería) y John Cipollina (guitarra solista).
Precisamente, John Cipollina, que eligió un plano discreto, pese a ser uno de los guitarristas más formidables de su generación, caracterizó el sonido vibrante y encendido de QSM, que en sus mejores momentos irradiaba como manantial de luz.
Quicksilver Messenger Service se estrenaron en 1968 con un álbum de melodioso sonido lisérgico de garaje para el que el cartelista Rick Griffin diseñó la portada. Cargada de tono apocalíptico, contenía una versión arrebatada de 'Pride of man'.
(Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / ¿Acaso no ves aquel fulgor de fuego que brilla diez veces más que la luz del día? / Contempla la imponente ciudad convertida nuevamente en polvo / ¡Dios mío! El orgullo del hombre no es más que polvo otra vez / Da la vuelta, retrocede, vuelve sobre tus pasos / Babilonia se está descomponiendo, Egipto se hunde en la vergüenza)
viernes, 26 de febrero de 2016
A lamb on the stone
NATHANIEL RATELIFF (A lamb on the stone)
Nacido en 1979 en una pequeña localidad de Missouri entre padres fervorosamente cristianos, Nathaniel Rateliff vivió con ellos la devoción religiosa, pero también su dedicación a la música, la que tocaban para la iglesia protestante local.
Su madre le enseñó los primeros acordes a la guitarra a los trece años. El padre moría por entonces dejándole discos entre los que descubrió a John Lennon y Led Zeppelin, sin que haya que relacionar esto con su pérdida de fe cinco años después.
Pero encontró otra más fuerte en la banda de blues y rock garajero que formó en Denver con su amigo Joseph Pope III. Debutó con Desire and disolving men (2007), un álbum de composiciones sobrias para un tiempo de trabajos modestos y una vida nada fácil.
En Chicago grabó las canciones de In memory of loss (2012), entre las que se incluída 'A lamb on the stone': en la mejor tradición del folk-rock templado que, con su música, busca llegar al oyente y despertar en él emociones honestas.
(¿Te crees un hombre al que hablar? / ¿Piensas que me importa?... / ¿Quieres ser el martillo de esos cuellos rotos que no se doblan? / Me has puesto ganchos para estirarme de la piel / Igual que en las antiguas danzas indias / Pero espera... / Creo haber encontrado la manera de poder abordarme... / Hay gran confusión en la frontera de ninguna parte)
Nacido en 1979 en una pequeña localidad de Missouri entre padres fervorosamente cristianos, Nathaniel Rateliff vivió con ellos la devoción religiosa, pero también su dedicación a la música, la que tocaban para la iglesia protestante local.
Su madre le enseñó los primeros acordes a la guitarra a los trece años. El padre moría por entonces dejándole discos entre los que descubrió a John Lennon y Led Zeppelin, sin que haya que relacionar esto con su pérdida de fe cinco años después.
Pero encontró otra más fuerte en la banda de blues y rock garajero que formó en Denver con su amigo Joseph Pope III. Debutó con Desire and disolving men (2007), un álbum de composiciones sobrias para un tiempo de trabajos modestos y una vida nada fácil.
En Chicago grabó las canciones de In memory of loss (2012), entre las que se incluída 'A lamb on the stone': en la mejor tradición del folk-rock templado que, con su música, busca llegar al oyente y despertar en él emociones honestas.
(¿Te crees un hombre al que hablar? / ¿Piensas que me importa?... / ¿Quieres ser el martillo de esos cuellos rotos que no se doblan? / Me has puesto ganchos para estirarme de la piel / Igual que en las antiguas danzas indias / Pero espera... / Creo haber encontrado la manera de poder abordarme... / Hay gran confusión en la frontera de ninguna parte)
miércoles, 17 de febrero de 2016
Hallelujah
BRANDI CARLILE (Hallelujah)
Brandi Carlile (Ravensdale, WA, 1981) debutó dentro del rock alternativo en 2005. Asistida por los gemelos Tim Hanseroth (guitarra) y Phil (bajista), habituales desde entonces, las canciones aportaban una atractiva frescura.
El álbum The Story (2007), producido por T- Bone Burnett, la llevó por primera vez a las listas de éxitos. Live at Benaroya (2011) es, por su parte, un disco grabado en la sala Benaroya de Seattle, con la orquesta sinfónica y arreglos del gran Paul J. Buckmaster.
En el álbum interpreta algunas canciones ajenas como muestra de la dmiración que desde muy joven ha sentido por luminarias del rock, entre ellas Elton John, su mayor influencia, o Leonard Cohen, del que escogió una canción de oscuras resonancias bíblicas.
Leonard Cohen escribió 'Hallelujah' para su álbum Various Positions (1984). Enraizada ya en la cultura popular, la canción incide en la fuerza misteriosa del amor, desprendiendo un hechizo al que Brandi Carlile no ha sido indiferente.
(He oído que hubo un acorde secreto / Que David tocó y fue del agrado del Señor / Pero ¿verdad que a ti no te interesa la música? / Era algo así: la cuarta, la quinta, la menor cae, la mayor sube / Confuso, el rey compuso el Aleluya... / Tu fe era grande, pero necesitabas una prueba / La viste bañándose en la azotea / Te pudieron su belleza y la luz de la luna / Ella te echó del trono y te cortó el cabello / Y de tus labios arrancó el Aleluya)
Brandi Carlile (Ravensdale, WA, 1981) debutó dentro del rock alternativo en 2005. Asistida por los gemelos Tim Hanseroth (guitarra) y Phil (bajista), habituales desde entonces, las canciones aportaban una atractiva frescura.
El álbum The Story (2007), producido por T- Bone Burnett, la llevó por primera vez a las listas de éxitos. Live at Benaroya (2011) es, por su parte, un disco grabado en la sala Benaroya de Seattle, con la orquesta sinfónica y arreglos del gran Paul J. Buckmaster.
En el álbum interpreta algunas canciones ajenas como muestra de la dmiración que desde muy joven ha sentido por luminarias del rock, entre ellas Elton John, su mayor influencia, o Leonard Cohen, del que escogió una canción de oscuras resonancias bíblicas.
Leonard Cohen escribió 'Hallelujah' para su álbum Various Positions (1984). Enraizada ya en la cultura popular, la canción incide en la fuerza misteriosa del amor, desprendiendo un hechizo al que Brandi Carlile no ha sido indiferente.
(He oído que hubo un acorde secreto / Que David tocó y fue del agrado del Señor / Pero ¿verdad que a ti no te interesa la música? / Era algo así: la cuarta, la quinta, la menor cae, la mayor sube / Confuso, el rey compuso el Aleluya... / Tu fe era grande, pero necesitabas una prueba / La viste bañándose en la azotea / Te pudieron su belleza y la luz de la luna / Ella te echó del trono y te cortó el cabello / Y de tus labios arrancó el Aleluya)
martes, 9 de febrero de 2016
Ripple
GRATEFUL DEAD (Ripple)
Grateful Dead, la banda surgida de la contracultura de San Francisco que Jerry García lideró durante casi tres décadas, partió de un sonido laberíntico de sutiles texturas eléctricas que combinaba el vigor del rock y el extrañamiento de los viajes mentales.
Grateful Dead debutó en el verano de 1967 con músicos acompañantes de Jerry García en proyectos de folk y bluegrass, entre ellos Bob Weir (guitarra), Phil Lesh (bajo), Bill Kreutzmann (batería) y Ron 'Pigpen' McKernan (teclista).
En su primera época, Grateful Dead vivió como familia los ideales en boga de paz, amor y vida en común, y se sirvieron de drogas psicoactivas para desarrollar canciones de estructura compleja, con fuerte acento experimental y onírico.
Pero al estrenarse los setenta los Grateful Dead giraron espectacularmente a un country-rock de delicadas armonías vocales que regaló dos fabulosos álbumes: Workingman's dead y American beauty, ambos de 1970. Del último es la canción 'Ripple'.
(Si mis palabras refulgieran como el color áureo del sol / Y si mis melodías se tocaran con un arpa sin cuerdas / ¿Oirías mi voz a través de la música? / ¿La tendrías cerca como si fuera tuya?... / Onda de aguas tranquilas / Donde no se ha arrojado piedra alguna ni viento sopla / Extiende la mano si tienes la copa vacía / Y si llena, déjala llenar otra vez)
Grateful Dead, la banda surgida de la contracultura de San Francisco que Jerry García lideró durante casi tres décadas, partió de un sonido laberíntico de sutiles texturas eléctricas que combinaba el vigor del rock y el extrañamiento de los viajes mentales.
Grateful Dead debutó en el verano de 1967 con músicos acompañantes de Jerry García en proyectos de folk y bluegrass, entre ellos Bob Weir (guitarra), Phil Lesh (bajo), Bill Kreutzmann (batería) y Ron 'Pigpen' McKernan (teclista).
En su primera época, Grateful Dead vivió como familia los ideales en boga de paz, amor y vida en común, y se sirvieron de drogas psicoactivas para desarrollar canciones de estructura compleja, con fuerte acento experimental y onírico.
Pero al estrenarse los setenta los Grateful Dead giraron espectacularmente a un country-rock de delicadas armonías vocales que regaló dos fabulosos álbumes: Workingman's dead y American beauty, ambos de 1970. Del último es la canción 'Ripple'.
(Si mis palabras refulgieran como el color áureo del sol / Y si mis melodías se tocaran con un arpa sin cuerdas / ¿Oirías mi voz a través de la música? / ¿La tendrías cerca como si fuera tuya?... / Onda de aguas tranquilas / Donde no se ha arrojado piedra alguna ni viento sopla / Extiende la mano si tienes la copa vacía / Y si llena, déjala llenar otra vez)
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