ARETHA FRANKLIN (Save me)
Con diez años Aretha Franklin ya tenía voz, estilo e intensidad al piano para entusiasmar a los reunidos en la iglesia baptista que presidía su padre en Detroit. Mediante el gospel avivaba la fe de la congregación y daba rienda suelta a su carácter reservado.
Su padre, el reverendo C. L. Franklin, sus hermanas Carolyn y Erma, y un entorno musical que acogía a Mahalia Jackson y Sam Cooke, entre otros, acompañaron su desarrollo musical. En 1960, a sus dieciocho años, fichó por Columbia.
Pero ni el jazz ni estándares de Broadway se ajustaban a su genio y ambiciones. Como una bendición, Atlantic y su vicepresidente y productor Jerry Wexler la devolvieron a la espontaneidad de sí misma que encarna I never loved a man the way I love you ((1967).
Dando un recital de poderío musical, este álbum legendario, que cuenta con la famosa sección rítmica de Muscle Shoals (Alabama), la encumbró a reina indiscutible del soul. La canción ‘Save me’ lo firman Aretha, Carolyn y el célebre saxofonista King Curtis.
(Ayuda, que alguien me ayude / Me prometí tras el primer romance / Que nunca te daría una segunda oportunidad / Dicen que si buscas seguro que encuentras / Pero cuanto más cerca estoy de ti / Más me haces perder la cabeza… / Ayuda, que alguien me ayude / Aquellos que aman son los que más dan / Y juntos lloramos de costa a costa / El amor nos deja fríos y heridos por dentro / No hay justificación para estas lágrimas nuestras / Te ruego que me ayudes)
miércoles, 12 de agosto de 2020
Save me
domingo, 2 de agosto de 2020
The battle of Evermore
LED ZEPPELIN (The battle of evermore)
Jimmy Page se unió en 1966 a The Yardbirds, un quinteto de rythm & blues en el que antes habían lucido las guitarras de Eric Clapton y Jeff Beck. Sintiendo haber perdido la magia, sólo él persistió, y de su búsqueda nació Led Zeppelin en octubre de 1968.
El año siguiente estrenaban el primero de una formidable sucesión de álbumes que, intercalando esencias pertenecientes al rock duro, la psicodelia o el folk, y agigantadas por la voz titánica de Robert Plant, mostraban canciones de arrebatadora grandiosidad.
Jimmy Page, que abriría una librería sobre temas esotéricos en Londres y se interesaba por el ocultismo de Aleister Crowley, ejerció el liderazgo de compositor, productor y escritor de las letras, tarea ésta que terminaría compartiendo con Robert Plant.
La especial conjunción de ambos alumbra en Led Zeppelin IV (1971) canciones como ‘Stairway to heaven’, la más aclamada del grupo, pero también ‘The battle of Evermore’, con referencias a ‘El Señor de los anillos’ y participación de Sandy Denny.
(La reina de la Luz tomó el arco / Y se dispuso a emprender la marcha / El Príncipe de la Paz abrazó la penumbra/ Y anduvo solo en la noche / Oh, baila en la oscuridad de la noche / Canta a la luz de la mañana / El Señor de lo oscuro llega como jinete brioso esta noche... / Deja a un lado el arado y la azada / Descansa para no poner cierre a tus casas / Esperamos juntos el poder / De lo más oscuro de todos ellos / Oigo el galopar de los caballos en el valle de abajo / Espero a los ángeles de Avalon)
Jimmy Page se unió en 1966 a The Yardbirds, un quinteto de rythm & blues en el que antes habían lucido las guitarras de Eric Clapton y Jeff Beck. Sintiendo haber perdido la magia, sólo él persistió, y de su búsqueda nació Led Zeppelin en octubre de 1968.
El año siguiente estrenaban el primero de una formidable sucesión de álbumes que, intercalando esencias pertenecientes al rock duro, la psicodelia o el folk, y agigantadas por la voz titánica de Robert Plant, mostraban canciones de arrebatadora grandiosidad.
Jimmy Page, que abriría una librería sobre temas esotéricos en Londres y se interesaba por el ocultismo de Aleister Crowley, ejerció el liderazgo de compositor, productor y escritor de las letras, tarea ésta que terminaría compartiendo con Robert Plant.
La especial conjunción de ambos alumbra en Led Zeppelin IV (1971) canciones como ‘Stairway to heaven’, la más aclamada del grupo, pero también ‘The battle of Evermore’, con referencias a ‘El Señor de los anillos’ y participación de Sandy Denny.
(La reina de la Luz tomó el arco / Y se dispuso a emprender la marcha / El Príncipe de la Paz abrazó la penumbra/ Y anduvo solo en la noche / Oh, baila en la oscuridad de la noche / Canta a la luz de la mañana / El Señor de lo oscuro llega como jinete brioso esta noche... / Deja a un lado el arado y la azada / Descansa para no poner cierre a tus casas / Esperamos juntos el poder / De lo más oscuro de todos ellos / Oigo el galopar de los caballos en el valle de abajo / Espero a los ángeles de Avalon)
sábado, 25 de julio de 2020
Isabel
BAXTER DURY (Isabel)
Baxter Dury era niño cuando su padre pregonaba en 1977 el lema punk de "sexo, drogas y rock & roll". Y rondaba la treintena cuando en 2001 se lanzaba a una carrera que con caja de ritmos y sintetizador lo ha ido acercando a ambientes de baile.
Antes había llevado vida nómada participando en películas y siendo empleado de relojería, pero se impuso su herencia musical, resultando primeramente Len Parrot's Memorial Lift (2002), al que contribuyó Geoff Barrow, fundador de Portishead, entre otros.
Aquel disco de oscuras atmósferas señalaba el aprecio del artista por la Velvet Undeground o Mercury Rev. Pero en el siguiente, Floor show (2005), ya daba cabida a aires festivos de pop británico, señalados con acento cockney e irónico humor inglés.
En Happy Soup (2011), tercer álbum, Baxter Dury realza su papel de vocalista, que dulcifica la aportación de la cantante Madeleine Hart, para contar historias realistas, envueltas en "psicodelia playera” y destellos de luz estroboscópica.
(Ella ha llegado pronto sin motivo y está bailando con segundas intenciones / Pero un tipo apuesto prueba suerte con otra chica / Podría estar guapísima bailando en su patio / Ella pasa de todo en otro deprimente tiempo de discoteca / Ah, ah, ah, Isabel está durmiendo, Isabel está durmiendo / Creo que mi compañero se acostó contigo cuando tú estabas en Portugal / Ha roto todas sus promesas y ha encontrado otro sitio donde dormir / Ah, ah, ah)
Baxter Dury era niño cuando su padre pregonaba en 1977 el lema punk de "sexo, drogas y rock & roll". Y rondaba la treintena cuando en 2001 se lanzaba a una carrera que con caja de ritmos y sintetizador lo ha ido acercando a ambientes de baile.
Antes había llevado vida nómada participando en películas y siendo empleado de relojería, pero se impuso su herencia musical, resultando primeramente Len Parrot's Memorial Lift (2002), al que contribuyó Geoff Barrow, fundador de Portishead, entre otros.
Aquel disco de oscuras atmósferas señalaba el aprecio del artista por la Velvet Undeground o Mercury Rev. Pero en el siguiente, Floor show (2005), ya daba cabida a aires festivos de pop británico, señalados con acento cockney e irónico humor inglés.
En Happy Soup (2011), tercer álbum, Baxter Dury realza su papel de vocalista, que dulcifica la aportación de la cantante Madeleine Hart, para contar historias realistas, envueltas en "psicodelia playera” y destellos de luz estroboscópica.
(Ella ha llegado pronto sin motivo y está bailando con segundas intenciones / Pero un tipo apuesto prueba suerte con otra chica / Podría estar guapísima bailando en su patio / Ella pasa de todo en otro deprimente tiempo de discoteca / Ah, ah, ah, Isabel está durmiendo, Isabel está durmiendo / Creo que mi compañero se acostó contigo cuando tú estabas en Portugal / Ha roto todas sus promesas y ha encontrado otro sitio donde dormir / Ah, ah, ah)
jueves, 16 de julio de 2020
Captain for dark mornings
LAURA NYRO (Captain for dark mornings)
Laura Nyro nació en el Bronx en 1947 entre padres que, él trompetista y ella dándole a conocer a Billie Holiday, la alentaron a la música. En casa ya había un piano de cola cuando, a los catorce años, se inscribió en la Escuela Superior de Arte de Manhattan.
Adolescente introvertida, podía cantar y escribir canciones explosivas, combinando el clasicismo pop con sello Brill Building y la libertad del free jazz que apreciaba en Miles Davis y John Coltrane. More than a New Discovery (1966) fue un debut espectacular.
Le reconocieron excepcional talento poético-musical y gran libertad expresiva, pero las variaciones melódico-ríttmicas de ’Wedding bell blues’ o ‘Eli’s coming’ eran novedades que los hippies del Festival de Monterrey de 1967 abuchearon impacientes.
Se resarciría de esta decepción dando a Columbia tres discos antológicos. El segundo, New York Tendaberry (1969), traía vivos claroscuros al enigma de su ser diferente, y la entregaba al piano para explorar misterios del amor y de la ciudad.
(Soy blanda y sencilla, y mi nombre es Lillianaloo / Y, señor, usted es finura en acción para mi contento / Mi mamá está ahorrando porque mi papá es un jugador empedernido ... / Ven aquí ahora y yo seré tu mujer, y tú serás mi capitán…/ Yo seré tu mujer y tú mi capitán sin miedo / ¡Morir! Me reclinaré y moriré por mi capitán…/ Los marineros me han vendido, los sastres me han usado, los soldados me hieren / Pero, tú, mi capitán, eres medicina para mi reputación)
Laura Nyro nació en el Bronx en 1947 entre padres que, él trompetista y ella dándole a conocer a Billie Holiday, la alentaron a la música. En casa ya había un piano de cola cuando, a los catorce años, se inscribió en la Escuela Superior de Arte de Manhattan.
Adolescente introvertida, podía cantar y escribir canciones explosivas, combinando el clasicismo pop con sello Brill Building y la libertad del free jazz que apreciaba en Miles Davis y John Coltrane. More than a New Discovery (1966) fue un debut espectacular.
Le reconocieron excepcional talento poético-musical y gran libertad expresiva, pero las variaciones melódico-ríttmicas de ’Wedding bell blues’ o ‘Eli’s coming’ eran novedades que los hippies del Festival de Monterrey de 1967 abuchearon impacientes.
Se resarciría de esta decepción dando a Columbia tres discos antológicos. El segundo, New York Tendaberry (1969), traía vivos claroscuros al enigma de su ser diferente, y la entregaba al piano para explorar misterios del amor y de la ciudad.
(Soy blanda y sencilla, y mi nombre es Lillianaloo / Y, señor, usted es finura en acción para mi contento / Mi mamá está ahorrando porque mi papá es un jugador empedernido ... / Ven aquí ahora y yo seré tu mujer, y tú serás mi capitán…/ Yo seré tu mujer y tú mi capitán sin miedo / ¡Morir! Me reclinaré y moriré por mi capitán…/ Los marineros me han vendido, los sastres me han usado, los soldados me hieren / Pero, tú, mi capitán, eres medicina para mi reputación)
domingo, 5 de julio de 2020
Walk away, Renée
THE LEFT BANKE (Walk away Renée)
The Left Banke se dieron a conocer en 1967 mediante un álbum inusualmente envuelto en orquestación clásica, decorado ideal para que en algunas canciones resplandecieran, entre secciones de viento y cuerda -clavecín incluido-, las chicas del ayer.
Los Beatles ('Eleanor Rigby)' o los Zombies ('She’s not there') les precedían, pero The Left Banke singularizaban este ‘pop barroco’ gracias a Michael Brown, quien había desarrollado su talento de creador de canciones en el estudio de grabación de su padre.
Mérito también de Steve Martin, cuya voz en falsete coloreaba melancólicamente las sombras del recuerdo. El éxito de Walk away Renée/Pretty Ballerina (1967), sin embargo, no bastaría para dar continuidad a un grupo en el que afloraban las disparidades.
La canción estrella del álbum era ‘Walk away Renée’, y respondía al encantamiento de Michael Brown por Renné, la novia del bajista. Que la canción nació para ser imperecedera lo atestiguan las ilustres versiones recibidas, entre ellas la de Rickie Lee Jones.
(Y cuando veo la señal de ‘dirección única’ / El solar por el que pasábamos cada día / Márchate, Renée, no vas a verme siguiéndote a casa / Las aceras solitarias de mi barrio ya no son las mismas / Tú no tienes la culpa / Desde muy dentro algo me fuerza a llorar / Desde muy dentro me llega la pena / Que me ha dado por ocultar… / La lluvia ahora se vierte sobre mis ojos fatigados / Y llora por mí / Márchate, Renée)
The Left Banke se dieron a conocer en 1967 mediante un álbum inusualmente envuelto en orquestación clásica, decorado ideal para que en algunas canciones resplandecieran, entre secciones de viento y cuerda -clavecín incluido-, las chicas del ayer.
Los Beatles ('Eleanor Rigby)' o los Zombies ('She’s not there') les precedían, pero The Left Banke singularizaban este ‘pop barroco’ gracias a Michael Brown, quien había desarrollado su talento de creador de canciones en el estudio de grabación de su padre.
Mérito también de Steve Martin, cuya voz en falsete coloreaba melancólicamente las sombras del recuerdo. El éxito de Walk away Renée/Pretty Ballerina (1967), sin embargo, no bastaría para dar continuidad a un grupo en el que afloraban las disparidades.
La canción estrella del álbum era ‘Walk away Renée’, y respondía al encantamiento de Michael Brown por Renné, la novia del bajista. Que la canción nació para ser imperecedera lo atestiguan las ilustres versiones recibidas, entre ellas la de Rickie Lee Jones.
(Y cuando veo la señal de ‘dirección única’ / El solar por el que pasábamos cada día / Márchate, Renée, no vas a verme siguiéndote a casa / Las aceras solitarias de mi barrio ya no son las mismas / Tú no tienes la culpa / Desde muy dentro algo me fuerza a llorar / Desde muy dentro me llega la pena / Que me ha dado por ocultar… / La lluvia ahora se vierte sobre mis ojos fatigados / Y llora por mí / Márchate, Renée)
sábado, 27 de junio de 2020
Flying Cowboys
RICKIE LEE JONES (Flying Cowboys)
Rickie Lee Jones (Chicago, 1954), la niña que en casa oía y cantaba estándares del jazz, tenía catorce años cuando se dio a un imparable vagabundeo de carretera que la llevaría con el tiempo al ambiente bohemio del sur de California en 1973.
Allí fue la ‘duquesa de Coolsville' que entabla con Tom Waits una relación de seres afines y publica, teniendo a Lenny Waronker en la producción, el chispeante y maravilloso testimonio de cultura beat que es su álbum epónimo de 1978.
Un enorme éxito que, sin embargo, no impidió que la drogadicción, la pérdida del amor y sombras crepusculares volvieran a acompañarla y se proyectaran en el más complejo y jazzístico Pirates (1981), un disco saludado como 'etérea obra maestra'.
Caería en una onda melancólica de la que salió al reconciliarse con su padre: ‘Si he tenido una hija así, no puedo decir que yo haya sido un fracasado'. Es el año en que publica Flying Cowboys (1989) y recupera la ligereza y la espontaneidad de su debut.
(Por ahí, cerca del río, hay un hombre / Cuya existencia se ha torcido en formas / Desconocidas a malvados y sabios / Y lleva con él la mirada de un animal… / Me parece que siempre me estarán preguntando por ti / Vendremos al río / Hay chaquetones en la pradera / Cubiertos de polvo / Escaparemos de todo esto / ¿A quién puedo dirigirme? /¿En quién confiar? /¿Tú andabas sobre las aguas?/¿Jugabas al sol? / El mundo gira más deprisa / Que cuando yo era joven)
Rickie Lee Jones (Chicago, 1954), la niña que en casa oía y cantaba estándares del jazz, tenía catorce años cuando se dio a un imparable vagabundeo de carretera que la llevaría con el tiempo al ambiente bohemio del sur de California en 1973.
Allí fue la ‘duquesa de Coolsville' que entabla con Tom Waits una relación de seres afines y publica, teniendo a Lenny Waronker en la producción, el chispeante y maravilloso testimonio de cultura beat que es su álbum epónimo de 1978.
Un enorme éxito que, sin embargo, no impidió que la drogadicción, la pérdida del amor y sombras crepusculares volvieran a acompañarla y se proyectaran en el más complejo y jazzístico Pirates (1981), un disco saludado como 'etérea obra maestra'.
Caería en una onda melancólica de la que salió al reconciliarse con su padre: ‘Si he tenido una hija así, no puedo decir que yo haya sido un fracasado'. Es el año en que publica Flying Cowboys (1989) y recupera la ligereza y la espontaneidad de su debut.
(Por ahí, cerca del río, hay un hombre / Cuya existencia se ha torcido en formas / Desconocidas a malvados y sabios / Y lleva con él la mirada de un animal… / Me parece que siempre me estarán preguntando por ti / Vendremos al río / Hay chaquetones en la pradera / Cubiertos de polvo / Escaparemos de todo esto / ¿A quién puedo dirigirme? /¿En quién confiar? /¿Tú andabas sobre las aguas?/¿Jugabas al sol? / El mundo gira más deprisa / Que cuando yo era joven)
sábado, 20 de junio de 2020
A song for you
GRAM PARSONS (A song for you)
Gram Parsons imprimió, estando con los Byrds, el sello fundacional del country-rock en Sweetheart of the Rodeo (1968). Poco después formó The Flying Burrito Brothers, para formular su visión ‘cósmica’ de la música vaquera americana.
La fragmentada personalidad romántica de Gram Parsons aspiraba a aunar dos corrientes dispares: la del country tradicional, que albergaba a sus admirados George Jones y Merle Haggard, y la del blues eléctrico, dominada imperialmente por los Rolling Stones.
A la inversa, se dice que ‘Wild horses’, de Sticky Fingers (1971), así como otras canciones de Exile on main street (1972), translucen el influjo de Gram Parsons sobre Keith Richards en la primavera de 1971. Un año antes había conocido a Emmylou Harris.
Como ángel de la misericordia, ella vino a dar equilibrio al nuevo proyecto que Gram Parsons emprendía con GP (1973), un álbum en el que también la banda de carretera de Elvis Presley le ayuda a enmarcar las bellas estampas que va recogiendo del suelo.
(Oh, mi tierra es como un ganso salvaje / Va dando vueltas por todas partes / Tiembla y da sacudidas hasta dejar a los árboles sin hojas / Retuerce los páramos y retuerce los clavos / Así que llévame a tu pista de baile / No me importará que la gente mire / Pinta tu puerta principal de colores diferentes / Y mañana aún estaremos allí / Jesús se construyó un barco para cantar una canción / Va surcando los ríos y las olas…/ Yo te amé todos los días, pero ahora voy de partida)
Gram Parsons imprimió, estando con los Byrds, el sello fundacional del country-rock en Sweetheart of the Rodeo (1968). Poco después formó The Flying Burrito Brothers, para formular su visión ‘cósmica’ de la música vaquera americana.
La fragmentada personalidad romántica de Gram Parsons aspiraba a aunar dos corrientes dispares: la del country tradicional, que albergaba a sus admirados George Jones y Merle Haggard, y la del blues eléctrico, dominada imperialmente por los Rolling Stones.
A la inversa, se dice que ‘Wild horses’, de Sticky Fingers (1971), así como otras canciones de Exile on main street (1972), translucen el influjo de Gram Parsons sobre Keith Richards en la primavera de 1971. Un año antes había conocido a Emmylou Harris.
Como ángel de la misericordia, ella vino a dar equilibrio al nuevo proyecto que Gram Parsons emprendía con GP (1973), un álbum en el que también la banda de carretera de Elvis Presley le ayuda a enmarcar las bellas estampas que va recogiendo del suelo.
(Oh, mi tierra es como un ganso salvaje / Va dando vueltas por todas partes / Tiembla y da sacudidas hasta dejar a los árboles sin hojas / Retuerce los páramos y retuerce los clavos / Así que llévame a tu pista de baile / No me importará que la gente mire / Pinta tu puerta principal de colores diferentes / Y mañana aún estaremos allí / Jesús se construyó un barco para cantar una canción / Va surcando los ríos y las olas…/ Yo te amé todos los días, pero ahora voy de partida)
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