JOHN LENNON (Imagine)
John Lennon tenía veintitrés años en 1963, cuando apareció Please, please me el primer disco de los Beatles. Aquel sonido alegre y brioso fue trasformándose en la compleja experimentación que representaría el doble álbum blanco de 1968.
John Lennon fue el abanderado de la cada vez más ambiciosa y vanguardista trayectoria musical de los Beatles, que termina en 1969. La influencia de Yoko Ono, a la que conoció en 1966, explica en parte la vertiente extrema de sus primeros discos en solitario.
En aquella música inacabada y conceptual se produce la ruptura con el pasado y la aventura intimidante de explorar su revuelta naturaleza interior, resultando de ello uno de los discos confesionales más sinceros de la historia del rock: Plastic Ono Band (1970).
Después, en el álbum Imagine (1971), coproducido con Phil Spector, la canción del mismo título, mezcla de idealismo filosófico y manifiesto revolucionario, le dio la gloria de ser una de las más escuchadas, versionadas y estimadas de todos los tiempos.
(Imagina que no hay paraísos / Es fácil si lo intentas / Que debajo no hay infierno / Y por encima sólo hay cielo / Imagínate a toda la gente / Viviendo para el hoy / Imagina que no hay naciones / No es difícil imaginarlo / Que no hay nada por lo que matar o morir / Ni religiones / Imagina una vida en paz)
lunes, 21 de diciembre de 2015
Imagine
domingo, 13 de diciembre de 2015
Just like Tom thumb's blues
DEENA WEBSTER (Just like Tom thumb's blues)
Deena Webster publicó Tuesday's child en 1968, un álbum folk que, al abandonar ella los escenarios poco después, se convirtió en su único testimonio artístico y al mismo tiempo en un obscuro artefacto musical muy apreciado como rareza discográfica.
Es difícil encontrar datos biográficos de esta artista inglesa, pero sí hay constancia de su aparición como invitada, junto a Mary Hopkins, en un programa de la BBC de 1969 que también entrevistaba a Paul McCartney en la emisión.
El álbum Tuesday's child contenía doce temas de folk colorista, de los cuales dos eran tradicionales ('House of the Rising sun' y 'Geordie' ) y el resto procedía de autores como Donovan, Tom Paxton o la cantautora americana Janis Ian.
Con un estilo de voz que recuerda a Judy Collins o a una joven Marianne Faithful, su interpretación de 'Just like Tom thumb's blues' canción escrita por Bob Dylan tres años antes, tiene un acompañamiento con momentos deslumbrantes.
(Cuando estás perdido en Juárez en día de lluvia / Y además es tiempo de Pascua / Y andas desorientado / Y la negatividad no te sirve de apoyo / No vayas dándotelas de algo / En la Avenida Rue Morgue / Porque allí hay mujeres con hambre / Que pueden liarte bien ... / Ni fuerza me queda para pincharme otra vez / Y mi mejor amigo, el médico / Ni siquiera sabe qué es lo que tengo)
Deena Webster publicó Tuesday's child en 1968, un álbum folk que, al abandonar ella los escenarios poco después, se convirtió en su único testimonio artístico y al mismo tiempo en un obscuro artefacto musical muy apreciado como rareza discográfica.
Es difícil encontrar datos biográficos de esta artista inglesa, pero sí hay constancia de su aparición como invitada, junto a Mary Hopkins, en un programa de la BBC de 1969 que también entrevistaba a Paul McCartney en la emisión.
El álbum Tuesday's child contenía doce temas de folk colorista, de los cuales dos eran tradicionales ('House of the Rising sun' y 'Geordie' ) y el resto procedía de autores como Donovan, Tom Paxton o la cantautora americana Janis Ian.
Con un estilo de voz que recuerda a Judy Collins o a una joven Marianne Faithful, su interpretación de 'Just like Tom thumb's blues' canción escrita por Bob Dylan tres años antes, tiene un acompañamiento con momentos deslumbrantes.
(Cuando estás perdido en Juárez en día de lluvia / Y además es tiempo de Pascua / Y andas desorientado / Y la negatividad no te sirve de apoyo / No vayas dándotelas de algo / En la Avenida Rue Morgue / Porque allí hay mujeres con hambre / Que pueden liarte bien ... / Ni fuerza me queda para pincharme otra vez / Y mi mejor amigo, el médico / Ni siquiera sabe qué es lo que tengo)
lunes, 7 de diciembre de 2015
Badlands
BRUCE SPRINGSTEEN (Badlands)
La obra de Bruce Springsteen, con mirada especial a los triunfos e infortunios de los socialmente desfavorecidos, ilumina una trayectoria cuyas canciones poseen a la vez las cualidades del rock & roll emocional y la grandiosidad literaria.
Sus más de veinte álbumes de estudio se inauguran con Greetings from Ashbury Park, NJ (1973), descubriendo a un poeta suburbano que, en la línea del folk-rock presidida por Bob Dylan, es rabiosamente juvenil y va cargada de más decibelios.
Bruce Springsteen publicó extraordinarios álbumes en los diez años siguientes, siendo Born to run (1975) el de mayor reconocimiento, gracias a la música exultante desplegada por la E-Street Band, su banda de apoyo habitual desde entonces.
El aire fogoso de los primeros discos da paso en Darkness on the edge of town (1978), otro álbum esencial, a atmósferas tormentosas bajo las que aparecen la variedad de gente que, dolorida en el amor, el trabajo y los sueños, busca su redención.
(Esta noche las luces están apagadas / Hay un conflicto en el corazón de la tierra... / Estoy en medio de un fuego cruzado... / Sería mejor que me escucharas, chica / Estoy hablando de un sueño, de hacerlo realidad / Te despiertas por la noche con un miedo muy real / Pasas la vida esperando un momento que no llegará / No malgastes el tiempo esperando / Hay que vivir el día a día en estas tierras yermas)
La obra de Bruce Springsteen, con mirada especial a los triunfos e infortunios de los socialmente desfavorecidos, ilumina una trayectoria cuyas canciones poseen a la vez las cualidades del rock & roll emocional y la grandiosidad literaria.
Sus más de veinte álbumes de estudio se inauguran con Greetings from Ashbury Park, NJ (1973), descubriendo a un poeta suburbano que, en la línea del folk-rock presidida por Bob Dylan, es rabiosamente juvenil y va cargada de más decibelios.
Bruce Springsteen publicó extraordinarios álbumes en los diez años siguientes, siendo Born to run (1975) el de mayor reconocimiento, gracias a la música exultante desplegada por la E-Street Band, su banda de apoyo habitual desde entonces.
El aire fogoso de los primeros discos da paso en Darkness on the edge of town (1978), otro álbum esencial, a atmósferas tormentosas bajo las que aparecen la variedad de gente que, dolorida en el amor, el trabajo y los sueños, busca su redención.
(Esta noche las luces están apagadas / Hay un conflicto en el corazón de la tierra... / Estoy en medio de un fuego cruzado... / Sería mejor que me escucharas, chica / Estoy hablando de un sueño, de hacerlo realidad / Te despiertas por la noche con un miedo muy real / Pasas la vida esperando un momento que no llegará / No malgastes el tiempo esperando / Hay que vivir el día a día en estas tierras yermas)
martes, 1 de diciembre de 2015
Hickory wind
GRAM PARSONS & EMMYLOU HARRIS (Hickory wind)
Gram Parsons acaba de estar con Keith Richards en el sur de Francia y Emmylou Harris malvivía como cantante en un local de Washington DC. Al conocerse aquel otoño de 1971, iniciarían una colaboración que iba a dejar un legado artístico imborrable.
Durante un par de años, hasta la muerte temprana de él en 1973, compartieron horas de grabación de estudio y actuaciones en directo, ofreciendo canciones ('Streets of Baltimore', 'Love hurts'...) en las que deslumbran con sus armonías vocales.
La voz cristalina de Emmylou Harris realzó con gracia y frescura el country-rock cósmico de GP (1973) y Return of the grievous angel (1974). En este último trabajo en solitario de Gram Parsons aparecía su interpretación conjunta de 'Hickory wind'.
La escribió y compuso Gram Parsons primero para The Byrds en Sweetheart of the rodeo (1968). Luego Emmylou Harris la recuperó en su álbum Blue Kentucky Girl (1980). La canción guarda con nostalgia recuerdos de una venturosa infancia.
(En Carolina del Sur hay muchos pinos altos / Y me acuerdo del roble al que nos subíamos / Pero cuando ahora me siento solo, me dejo envolver / Por el sentimiento de oír el viento del nogal / Casi todo lo empecé de muy joven / Las diversiones y los placeres, ¿qué más puede dar la vida? / Pero me siento mucho mejor cada vez que el viento del nogal / Se deja oír llamándome a casa")
Gram Parsons acaba de estar con Keith Richards en el sur de Francia y Emmylou Harris malvivía como cantante en un local de Washington DC. Al conocerse aquel otoño de 1971, iniciarían una colaboración que iba a dejar un legado artístico imborrable.
Durante un par de años, hasta la muerte temprana de él en 1973, compartieron horas de grabación de estudio y actuaciones en directo, ofreciendo canciones ('Streets of Baltimore', 'Love hurts'...) en las que deslumbran con sus armonías vocales.
La voz cristalina de Emmylou Harris realzó con gracia y frescura el country-rock cósmico de GP (1973) y Return of the grievous angel (1974). En este último trabajo en solitario de Gram Parsons aparecía su interpretación conjunta de 'Hickory wind'.
La escribió y compuso Gram Parsons primero para The Byrds en Sweetheart of the rodeo (1968). Luego Emmylou Harris la recuperó en su álbum Blue Kentucky Girl (1980). La canción guarda con nostalgia recuerdos de una venturosa infancia.
(En Carolina del Sur hay muchos pinos altos / Y me acuerdo del roble al que nos subíamos / Pero cuando ahora me siento solo, me dejo envolver / Por el sentimiento de oír el viento del nogal / Casi todo lo empecé de muy joven / Las diversiones y los placeres, ¿qué más puede dar la vida? / Pero me siento mucho mejor cada vez que el viento del nogal / Se deja oír llamándome a casa")
domingo, 22 de noviembre de 2015
Small windows
LULUC (Small windows)
Luluc, el nombre que se han dado la pareja australiana Zoë Randell (voz guitarra) y el multi-instrumentista Steve Hassett, cuenta ya con un interesante muestrario de canciones nacidas bajo el signo de folk minimalista y de sentimientos dominados por la serenidad.
El fondo de introspección emocional, así como la sobriedad formal de la que hacen gala, impresionaron a John Boyd, el antiguo productor de Nick Drake, quien les ofreció en 2013 colaborar en el homenaje a aquel artista. Pero su debut había sido antes.
La composición y los temas de Dear Hamlyn (2008) corrieron a cargo de la cantante Zoë Randell. Ésta deja ver las huellas del impacto por la muerte de su padre, evidenciadas especialmente en el tono íntimo y vulnerable de canciones como 'Little suitcase'.
Luluc han dejado pasar seis años antes de publicar Passerby (2014), un segundo álbum que, aun conteniendo ahora una amplia variedad instrumental, sigue siendo fiel al aire puro y diáfano que de manera reposada transmite la obra de estos dos artistas.
(En vuelo sobre Chicago, entre la blanca nieve hay árboles sin hojas / La luz del día se apaga y filas de coches centellean / En la noche con colores rojos y dorados / ¡Qué vista desde mi pequeña ventana! / Un nuevo hogar se me presenta / Miro las calles que he venido a conocer / Y a rostros diversos, pero ellos me recuerdan a la gente que quiero y está lejos de aquí / El agua cartilaginosa de un sueño azul se extiende más allá de donde yo puedo ver)
Luluc, el nombre que se han dado la pareja australiana Zoë Randell (voz guitarra) y el multi-instrumentista Steve Hassett, cuenta ya con un interesante muestrario de canciones nacidas bajo el signo de folk minimalista y de sentimientos dominados por la serenidad.
El fondo de introspección emocional, así como la sobriedad formal de la que hacen gala, impresionaron a John Boyd, el antiguo productor de Nick Drake, quien les ofreció en 2013 colaborar en el homenaje a aquel artista. Pero su debut había sido antes.
La composición y los temas de Dear Hamlyn (2008) corrieron a cargo de la cantante Zoë Randell. Ésta deja ver las huellas del impacto por la muerte de su padre, evidenciadas especialmente en el tono íntimo y vulnerable de canciones como 'Little suitcase'.
Luluc han dejado pasar seis años antes de publicar Passerby (2014), un segundo álbum que, aun conteniendo ahora una amplia variedad instrumental, sigue siendo fiel al aire puro y diáfano que de manera reposada transmite la obra de estos dos artistas.
(En vuelo sobre Chicago, entre la blanca nieve hay árboles sin hojas / La luz del día se apaga y filas de coches centellean / En la noche con colores rojos y dorados / ¡Qué vista desde mi pequeña ventana! / Un nuevo hogar se me presenta / Miro las calles que he venido a conocer / Y a rostros diversos, pero ellos me recuerdan a la gente que quiero y está lejos de aquí / El agua cartilaginosa de un sueño azul se extiende más allá de donde yo puedo ver)
lunes, 16 de noviembre de 2015
Badge
CREAM (Badge)
Cream lo formaron Eric Clapton (guitarra), Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería), tres músicos excepcionales que aunaron la libertad exploradora de la psicodelia y la fuerza incisiva del blues eléctrico en una obra singularmente calurosa e impresionista.
Eric Clapton había dejado los Bluesbreakers de John Mayall en 1966 convertido en una estrella de la guitarra, pero también Jack Bruce era un bajista genial y, en esta ocasión, la verdadera fuerza cohesionadora de la creatividad explosiva del trío.
El grupo se estrenó con Fresh Cream (1966), revistiendo el blues tradicional de rock caleidoscópico en un álbum que desde su primera canción, la esplendorosa 'I feel free', traduce en arte el tremendo espíritu inventivo de la época.
Cream publicó con Disraeli gears (1967) su excelencia máxima ('Strangebrew', 'Sunshine of your love' ...). Todavía el álbum Goodbye (1969) guardaba canciones clásicas como 'Badge', escrita por Clapton con ayuda de George Harrison.
(Pensando en los tiempos en que venías en mi coche / Pensando en que podría haberte llevado muy lejos / Y estoy pensando en el amor que pusiste sobre mi mesa / Te dije que no fueras a dar vueltas de noche / Te hablé de los cisnes que viven en el parque/... / Sí, te dije que las luces se encienden y apagan / ¿No has visto cómo la rueda sigue girando?)
Cream lo formaron Eric Clapton (guitarra), Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería), tres músicos excepcionales que aunaron la libertad exploradora de la psicodelia y la fuerza incisiva del blues eléctrico en una obra singularmente calurosa e impresionista.
Eric Clapton había dejado los Bluesbreakers de John Mayall en 1966 convertido en una estrella de la guitarra, pero también Jack Bruce era un bajista genial y, en esta ocasión, la verdadera fuerza cohesionadora de la creatividad explosiva del trío.
El grupo se estrenó con Fresh Cream (1966), revistiendo el blues tradicional de rock caleidoscópico en un álbum que desde su primera canción, la esplendorosa 'I feel free', traduce en arte el tremendo espíritu inventivo de la época.
Cream publicó con Disraeli gears (1967) su excelencia máxima ('Strangebrew', 'Sunshine of your love' ...). Todavía el álbum Goodbye (1969) guardaba canciones clásicas como 'Badge', escrita por Clapton con ayuda de George Harrison.
(Pensando en los tiempos en que venías en mi coche / Pensando en que podría haberte llevado muy lejos / Y estoy pensando en el amor que pusiste sobre mi mesa / Te dije que no fueras a dar vueltas de noche / Te hablé de los cisnes que viven en el parque/... / Sí, te dije que las luces se encienden y apagan / ¿No has visto cómo la rueda sigue girando?)
sábado, 7 de noviembre de 2015
Alan's song
JADE (Alan's song)
El grupo de folk inglés Jade surgió en 1969 y, aunque de corta existencia, no sólo dejó un álbum esencial en su amalgama de folk tradicional británico y arreglos de orientación pop, sino que también contó con una voz femenina sobresaliente.
Marianne Segal empezó a actuar en clubes londinense en 1967. Fue cuando conoció a Dave Waite (banjo, guitarra acústica), con quien durante dos años recreó un folk que fusionaba la tradición clásica (Sandy Denny) y corrientes modernistas (Joni Mitchell).
En 1969 recibieron una oferta de grabación por parte de Jon Miller, el agente musical que además de reclutar al tercer componente de Jade, el teclista Rod Edwards, llamó a media docena de músicos de renombre que propiciaron un sonido cercano al rock.
Marianne Segal escribió todas las canciones del disco resultante, Fly on strangewings, que Jade publicó a mediados de 1970. En 'Alan's song' la cantante recuerda con mirada poética a un amigo de la infancia desaparecido en accidente de motocicleta.
(Cuando éramos jóvenes, solíamos subirnos al naranjo / Tú mirabas alrededor y me contabas todo lo que podías ver / Serías alto y fuerte, y repicarías el tambor / Y me decías que irías a la guerra sin poder contener la risa... / Y ahora el jardín parece tan pequeño comparado con el del ayer / Los años pasaron volando, se fueron nuestros sueños / Y las naranjas aún siguen creciendo)
El grupo de folk inglés Jade surgió en 1969 y, aunque de corta existencia, no sólo dejó un álbum esencial en su amalgama de folk tradicional británico y arreglos de orientación pop, sino que también contó con una voz femenina sobresaliente.
Marianne Segal empezó a actuar en clubes londinense en 1967. Fue cuando conoció a Dave Waite (banjo, guitarra acústica), con quien durante dos años recreó un folk que fusionaba la tradición clásica (Sandy Denny) y corrientes modernistas (Joni Mitchell).
En 1969 recibieron una oferta de grabación por parte de Jon Miller, el agente musical que además de reclutar al tercer componente de Jade, el teclista Rod Edwards, llamó a media docena de músicos de renombre que propiciaron un sonido cercano al rock.
Marianne Segal escribió todas las canciones del disco resultante, Fly on strangewings, que Jade publicó a mediados de 1970. En 'Alan's song' la cantante recuerda con mirada poética a un amigo de la infancia desaparecido en accidente de motocicleta.
(Cuando éramos jóvenes, solíamos subirnos al naranjo / Tú mirabas alrededor y me contabas todo lo que podías ver / Serías alto y fuerte, y repicarías el tambor / Y me decías que irías a la guerra sin poder contener la risa... / Y ahora el jardín parece tan pequeño comparado con el del ayer / Los años pasaron volando, se fueron nuestros sueños / Y las naranjas aún siguen creciendo)
domingo, 1 de noviembre de 2015
Alone again or
BRYAN MACLEAN (Alone again or)
Bryan MacLean (Los Ángeles, 1947) tuvo a una madre artista y bailadora de flamenco, a un padrastro que le sumergió en el mundo del jazz, pero fueron los Beatles de 'A hard day's night' quienes le encendieron el deseo de ser parte de todo aquello.
Tenía diecisiete años cuando tomó la guitarra y se puso a escribir canciones. Pronto tocaría en directo en el Troubadour y en el Ash Grove, locales de moda en Los Ángeles. En esos ambientes conoció en 1965 a Arthur Lee, con quien formó el grupo Love.
Este grandioso grupo de folk-rock piscodélico publicaba en 1967 Forever changes, un álbum inmaculado al que Bryan contribuyó con los tres mejores temas. En 1970 dejaba la vida mundana del rock y se convertía a una iglesia evangélica.
Una cinta olvidada con demos de él para el grupo Love se transformó en el disco Ifyoubelievein (1997). En su interpretación acústica de 'Alone again or', Bryan compite admirablemente con el embrujo que la misma canción transmite en su versión eléctrica.
(De acuerdo, está bien / No olvidaré las veces que he te he esperado pacientemente / Pero tú harás lo que te parezca y yo terminaré esta noche otra vez solo, mi querida / Sí, he oído algo gracioso, alguien ha dicho que yo me puedo enamorar de casi cualquiera / Me parece que la gente es de lo más ocurrente / Yo terminaré esta noche otra vez solo, querida mía)
Bryan MacLean (Los Ángeles, 1947) tuvo a una madre artista y bailadora de flamenco, a un padrastro que le sumergió en el mundo del jazz, pero fueron los Beatles de 'A hard day's night' quienes le encendieron el deseo de ser parte de todo aquello.
Tenía diecisiete años cuando tomó la guitarra y se puso a escribir canciones. Pronto tocaría en directo en el Troubadour y en el Ash Grove, locales de moda en Los Ángeles. En esos ambientes conoció en 1965 a Arthur Lee, con quien formó el grupo Love.
Este grandioso grupo de folk-rock piscodélico publicaba en 1967 Forever changes, un álbum inmaculado al que Bryan contribuyó con los tres mejores temas. En 1970 dejaba la vida mundana del rock y se convertía a una iglesia evangélica.
Una cinta olvidada con demos de él para el grupo Love se transformó en el disco Ifyoubelievein (1997). En su interpretación acústica de 'Alone again or', Bryan compite admirablemente con el embrujo que la misma canción transmite en su versión eléctrica.
(De acuerdo, está bien / No olvidaré las veces que he te he esperado pacientemente / Pero tú harás lo que te parezca y yo terminaré esta noche otra vez solo, mi querida / Sí, he oído algo gracioso, alguien ha dicho que yo me puedo enamorar de casi cualquiera / Me parece que la gente es de lo más ocurrente / Yo terminaré esta noche otra vez solo, querida mía)
sábado, 24 de octubre de 2015
One more cup of coffee
SERTAB ERENER (One more cup of coffee)
Dirigida por Larry Charles, la película Masked and Anonymous se estrenó en 2003 sobre una idea de Bob Dylan, quien, además de actor principal y contribuir con cuatro temas a la banda sonora, también aportó la música que interpretan varios artistas.
El filme fue recibido con críticas adversas, pero no así la banda sonora, un triunfo con sabor multicultural. Entre los artistas musicales invitados estaba la popular cantante turca Sertab Erener, ganadora del festival de Eurovisión de aquel mismo año.
Sertab interpretaba 'One more cup of coffee', una canción que recibe el brillo de la última llamarada en un escenario pintoresco y romántico. Bob Dylan la había escrito para Desire (1976), el álbum que lo acercaba a la poética de la generación beat.
La versión de Sertab también apareció en su álbum Every way that I can (2003). En su nueva interpretación, ella redoblaba la carga original de exotismo, sensualidad y aire de despedida con fondo de amor gitano.
(Tu aliento es dulce / Tus ojos como dos joyas en el cielo / Tu espalda es recta, tu pelo suave / Sobre la almohada en donde te recuestas / Pero yo no siento afecto / Tampoco gratitud o amor / No es para mí tu fidelidad / Sino para las estrellas de lo alto / Una taza más de café para el camino / Una taza más de café antes de marchar / Al valle de abajo)
Dirigida por Larry Charles, la película Masked and Anonymous se estrenó en 2003 sobre una idea de Bob Dylan, quien, además de actor principal y contribuir con cuatro temas a la banda sonora, también aportó la música que interpretan varios artistas.
El filme fue recibido con críticas adversas, pero no así la banda sonora, un triunfo con sabor multicultural. Entre los artistas musicales invitados estaba la popular cantante turca Sertab Erener, ganadora del festival de Eurovisión de aquel mismo año.
Sertab interpretaba 'One more cup of coffee', una canción que recibe el brillo de la última llamarada en un escenario pintoresco y romántico. Bob Dylan la había escrito para Desire (1976), el álbum que lo acercaba a la poética de la generación beat.
La versión de Sertab también apareció en su álbum Every way that I can (2003). En su nueva interpretación, ella redoblaba la carga original de exotismo, sensualidad y aire de despedida con fondo de amor gitano.
(Tu aliento es dulce / Tus ojos como dos joyas en el cielo / Tu espalda es recta, tu pelo suave / Sobre la almohada en donde te recuestas / Pero yo no siento afecto / Tampoco gratitud o amor / No es para mí tu fidelidad / Sino para las estrellas de lo alto / Una taza más de café para el camino / Una taza más de café antes de marchar / Al valle de abajo)
domingo, 18 de octubre de 2015
Personal Jesus
DEPECHE MODE (Personal Jesus)
Depeche
Mode formó parte de la ola de grupos británicos que
entronizaron el uso del sintetizador en las salas de baile, y confirmó que en la electrónica musical y la nueva estética juvenil de los ochenta triunfaba el individualismo y la moda.
El techno-pop de Depeche Mode tuvo su primera salida
discográfica en Speak and well (1981), un disco de referencia del género para
el que el teclista Vince Clarke, que enseguida dejaría el grupo, compuso la
mayor parte de los temas.
Con Martin
Gore (guitarra, teclados), en la dirección desde A broken frame (1982), Depeche Mode fue derivando primero hacia la denominada música
industrial y luego al rock alternativo de Songs of faith and devotion (1993).
El arreglista Alan Wilder y el carismático cantante David Gahan también estuvieron detrás del éxito cosechado con Violator (1990), el álbum que contenía 'Personal Jesus', la canción más escuchada en la
discografía de Depeche Mode.
(Tu propio Jesús persona l /Alguien que escucha tus
plegarias/Alguien a quien le importas/ Alguien que está presente / Sintiéndote
desconocido y solo en todo tu ser / Descuelga el teléfono / Haré de ti un
creyente / Toma una alternativa /Ponme a prueba / Hay cosas en tu pecho que necesitas confesar / Estaré a la altura / Sé perdonar)
sábado, 10 de octubre de 2015
The garden of Jane Delawney
TREES (The garden of Jane Delawney)
Trees, el quinteto británico de folk-rock progresivo formado a comienzos de 1970, ingresó en la lista formada por Fairport Convention, The Pentangle y Steeleye Span, y, como éstos, también ellos contaron con una cantante femenina.
La voz de Celia Humphries distinguió el trabajo de un grupo que publicó sus dos únicos álbumes en 1970. Los temas de ambos, cuando no compuestos por Tobias Boshell (guitarra, bajo) o D. Costa (guitarra de 12 cuerdas), provenían del folklore tradicional.
On the shore, el segundo, todavía conserva intacta la reputación de desbordante folk électrico abierto a territorios oníricos. Se escucha en canciones como 'Murdoch' o 'Streets of Derry', y se anuncia en la portada de Storm Thorgenson para Hipgnosis.
Más apacible y tradicional, The garden of Jane Delawney, el primer álbum, guarda entre sones de guitarra acústica y clavicémbalo la canción que le da título. Extraña y misteriosa, esta composición original sobresale entre otras rarezas.
(La voz del poeta sigue oyéndose / Sus palabras resuenan en el aire / La tierra que pisas podría dejar de existir / Te llevaré a través de mis sueños hasta la mañana más oscura / Atrás quedarán arroyos de sangre hasta llegar al jardín de Jane Delawney / Aunque es hermosa, no cojas la rosa del jardín / Porque un fuego te consumirá el pelo y los ojos se te pondrán vidriosos / A la sombra del sauce, no te tumbes para oírlo llorar)
Trees, el quinteto británico de folk-rock progresivo formado a comienzos de 1970, ingresó en la lista formada por Fairport Convention, The Pentangle y Steeleye Span, y, como éstos, también ellos contaron con una cantante femenina.
La voz de Celia Humphries distinguió el trabajo de un grupo que publicó sus dos únicos álbumes en 1970. Los temas de ambos, cuando no compuestos por Tobias Boshell (guitarra, bajo) o D. Costa (guitarra de 12 cuerdas), provenían del folklore tradicional.
On the shore, el segundo, todavía conserva intacta la reputación de desbordante folk électrico abierto a territorios oníricos. Se escucha en canciones como 'Murdoch' o 'Streets of Derry', y se anuncia en la portada de Storm Thorgenson para Hipgnosis.
Más apacible y tradicional, The garden of Jane Delawney, el primer álbum, guarda entre sones de guitarra acústica y clavicémbalo la canción que le da título. Extraña y misteriosa, esta composición original sobresale entre otras rarezas.
(La voz del poeta sigue oyéndose / Sus palabras resuenan en el aire / La tierra que pisas podría dejar de existir / Te llevaré a través de mis sueños hasta la mañana más oscura / Atrás quedarán arroyos de sangre hasta llegar al jardín de Jane Delawney / Aunque es hermosa, no cojas la rosa del jardín / Porque un fuego te consumirá el pelo y los ojos se te pondrán vidriosos / A la sombra del sauce, no te tumbes para oírlo llorar)
sábado, 3 de octubre de 2015
Houses
ELYSE WEINBERG (Houses)
Elyse Weinberg se inició artísticamente en la escena folk de Toronto y, al igual que sus amigos Joni Mitchell y Neil Young, creció en el ambiente musical de Los Ángeles de finales de los sesenta. Pero a diferencia de aquéllos, su nombre cayó en la oscuridad.
Elyse Weinberg llegó a Laurel Canyon en 1968. Con ayuda de Mama Cass, pronto consiguió el contrato que le permitió grabar Elyse (1969), un álbum de folk ácido y ribetes psicodélicos imbuido de canciones de desesperanza y mortalidad.
Elyse Weinberg recibió buenas críticas y fue invitada a un popular programa de televisión, pero el disco no se vendería y acabó siendo el Santo Grial que, treinta años después, el cantante y guitarrista Andrew Rieger se empeñó en devolver al público.
Su discográfica cerraba justo al terminar Grease Paint Smile (1971), un inusual álbum de folk-rock que contaba a la guitarra con Neil Young en 'Houses'. Desanimada, Elyse Weinberg buscó otros caminos a su idealismo, y cambió de nombre.
(Nunca podría salir airosa en tu casa / Tú nunca podrías en la mía / Ni siquiera armados de la mejor intención / Y distinguidamente nacidos en otro tiempo... / Nunca salir airosa en tu prisión / Ni tú podrías en la mía / Igual que una órbita en torno al sol / Llevo el pasaje en la mano / Y voy de camino a la tierra prometida / Yo nunca podría yacer en tu cuneta / Tú nunca querrías hacerlo en la mía)
Elyse Weinberg se inició artísticamente en la escena folk de Toronto y, al igual que sus amigos Joni Mitchell y Neil Young, creció en el ambiente musical de Los Ángeles de finales de los sesenta. Pero a diferencia de aquéllos, su nombre cayó en la oscuridad.
Elyse Weinberg llegó a Laurel Canyon en 1968. Con ayuda de Mama Cass, pronto consiguió el contrato que le permitió grabar Elyse (1969), un álbum de folk ácido y ribetes psicodélicos imbuido de canciones de desesperanza y mortalidad.
Elyse Weinberg recibió buenas críticas y fue invitada a un popular programa de televisión, pero el disco no se vendería y acabó siendo el Santo Grial que, treinta años después, el cantante y guitarrista Andrew Rieger se empeñó en devolver al público.
Su discográfica cerraba justo al terminar Grease Paint Smile (1971), un inusual álbum de folk-rock que contaba a la guitarra con Neil Young en 'Houses'. Desanimada, Elyse Weinberg buscó otros caminos a su idealismo, y cambió de nombre.
(Nunca podría salir airosa en tu casa / Tú nunca podrías en la mía / Ni siquiera armados de la mejor intención / Y distinguidamente nacidos en otro tiempo... / Nunca salir airosa en tu prisión / Ni tú podrías en la mía / Igual que una órbita en torno al sol / Llevo el pasaje en la mano / Y voy de camino a la tierra prometida / Yo nunca podría yacer en tu cuneta / Tú nunca querrías hacerlo en la mía)
viernes, 25 de septiembre de 2015
Planet love
THE DYLANS (Planet love)
The Dylans, una formación de Manchester nacida en 1990, devolvió a la escena británica el sonido de guitarras y ahondó en el final de la música de sintetizador, un instrumento hegemónico en la década de la New Wave y los New Romantics.
The Dylans, cuyo nombre era ya toda una declaración de principios, fue la creación de su guitarrista Colin Gregory, impulsor de un floreado pop-rock de corte psicodélico que podría haberse emparentado con el de California de finales de los sesenta.
El año en que debutaban los Smashing Pumkins con Gish y Nirvana lanzaba el triunfal y aguerrido Never mind, The Dylans aventuraron en 1991 el primero de sus dos únicos álbumes, haciéndolo con su atractiva fórmula de moderno retro-rock.
El álbum llevaba el nombre de la banda y parecía traer llamaradas de una hoguera que había crepitado más de veinte años atrás. Canciones como 'Planet love', con su aire garajero y melodioso, se distinguían pintorescamente entre el sonido grunge dominante.
(Su ojos parecían fríamente serenos / El viento traía verdad / Y mi tiempo había llegado / Días dulces de soñar / Todo lo que necesito / Déjate crecer el pelo en el Planeta Amor / Oigo tus panderetas dentro de mi cabeza... / Tanto hay de todo que me quedo sin aliento / Ahora mi tiempo ha llegado / Amor, amor, amor)
The Dylans, una formación de Manchester nacida en 1990, devolvió a la escena británica el sonido de guitarras y ahondó en el final de la música de sintetizador, un instrumento hegemónico en la década de la New Wave y los New Romantics.
The Dylans, cuyo nombre era ya toda una declaración de principios, fue la creación de su guitarrista Colin Gregory, impulsor de un floreado pop-rock de corte psicodélico que podría haberse emparentado con el de California de finales de los sesenta.
El año en que debutaban los Smashing Pumkins con Gish y Nirvana lanzaba el triunfal y aguerrido Never mind, The Dylans aventuraron en 1991 el primero de sus dos únicos álbumes, haciéndolo con su atractiva fórmula de moderno retro-rock.
El álbum llevaba el nombre de la banda y parecía traer llamaradas de una hoguera que había crepitado más de veinte años atrás. Canciones como 'Planet love', con su aire garajero y melodioso, se distinguían pintorescamente entre el sonido grunge dominante.
(Su ojos parecían fríamente serenos / El viento traía verdad / Y mi tiempo había llegado / Días dulces de soñar / Todo lo que necesito / Déjate crecer el pelo en el Planeta Amor / Oigo tus panderetas dentro de mi cabeza... / Tanto hay de todo que me quedo sin aliento / Ahora mi tiempo ha llegado / Amor, amor, amor)
viernes, 18 de septiembre de 2015
Sally free and easy
DAVY GRAHAM (Sally free and easy)
Davy Graham fue un artista de difícil categorización, lo cual respondía a su genialidad como maestro de la guitarra y su interés por explorar lenguajes nuevos en campos de "el folk, el blues y más allá", como rezaba el título de un disco suyo.
Davy Graham (Leicester, 1940) alcanzó notoriedad entre la bohemia londinense cuando, ya a los dieciséis años, mezclaba a la guitarra el blues de Big Bill Broonzy y el jazz de Charles Mingus. Después hizo de músico callejero en París, Italia, Grecia y Tánger.
De vuelta a Londres, recibió el aplauso interpretando al contrapunto el blues 'Cry me a river' en televisión (1957); también 'Anji' (1961), una pieza instrumental, despertó la admiración y fue recogida por Simon & Garfunkel en uno de sus álbumes.
Davy influenció con el álbum The guitar player (1963) a toda una generación de artistas ingleses de folk. Folk, blues and beyond (1964), igualmente fascinante, incluía 'Sally free and easy', la enorme canción que escribiera el marinero y músico Cyril Tawney.
(Sally, libre y veleidosa / Ese debería ser su nombre / Se tomó el amor de un marino por un juego de niños / Oh, ella le ofreció un corazón que no era de piedra / Era dulce y hueco como el nido de una abeja / Esperaré hasta mañana para ver bajar la bandera / Y ver la llegada de mi féretro al lugar del entierro / Sally, libre y veleidosa / Ese debería ser su nombre)
Davy Graham fue un artista de difícil categorización, lo cual respondía a su genialidad como maestro de la guitarra y su interés por explorar lenguajes nuevos en campos de "el folk, el blues y más allá", como rezaba el título de un disco suyo.
Davy Graham (Leicester, 1940) alcanzó notoriedad entre la bohemia londinense cuando, ya a los dieciséis años, mezclaba a la guitarra el blues de Big Bill Broonzy y el jazz de Charles Mingus. Después hizo de músico callejero en París, Italia, Grecia y Tánger.
De vuelta a Londres, recibió el aplauso interpretando al contrapunto el blues 'Cry me a river' en televisión (1957); también 'Anji' (1961), una pieza instrumental, despertó la admiración y fue recogida por Simon & Garfunkel en uno de sus álbumes.
Davy influenció con el álbum The guitar player (1963) a toda una generación de artistas ingleses de folk. Folk, blues and beyond (1964), igualmente fascinante, incluía 'Sally free and easy', la enorme canción que escribiera el marinero y músico Cyril Tawney.
(Sally, libre y veleidosa / Ese debería ser su nombre / Se tomó el amor de un marino por un juego de niños / Oh, ella le ofreció un corazón que no era de piedra / Era dulce y hueco como el nido de una abeja / Esperaré hasta mañana para ver bajar la bandera / Y ver la llegada de mi féretro al lugar del entierro / Sally, libre y veleidosa / Ese debería ser su nombre)
viernes, 11 de septiembre de 2015
My baby don't understand me
NATALIE PRASS (My baby don't understand me)
Natalie Prass (Virginia, 1986) se dio a conocer este año con un disco de canciones implosivas, construidas sobre una cinemática sección de viento, una voz exquisita y efectivos arreglos de cuerda que remiten al vigoroso sonido Memphis de los sesenta.
Natalie Prass vivió en Nashville unos diez años, tiempo de formación musical. En 2009 apareció el EP Small and sweet y luego Sense of transcendence en 2011. Pero él éxito le ha llegado mientras participaba en las giras de la artista Jenny Lewis.
Parte de él se lo debe a su amigo Matthew E. White, que con el sello Spacebomb ha contribuido a revitalizar la energía soul clásica y, haciendo de productor, le ha procurado los competentes músicos con los que ella ha grabado Natalie Prass (2015).
Canciones como 'Bird of prey' o 'My baby don't understand me' giran orquestalmente sobre una montaña rusa de sentimientos sobre el amor que, sin embargo, la mueve –nos dice ella– "el espíritu femenino que convierte todo en sensible y hermoso".
(No siento mucho, temerosa, he dejado de sentir / En nombre del amor, estoy cerca, pero me he ido a grandes pasos... /Nuestro amor es un largo adiós / Esperamos a la llegada del tren para llorar / Pues mi chico no me entiende / No, no, ya no me entiende / Y ¿qué hacer cuando esto pasa? ¿Dónde ir cuando el único hogar que conoces es junto al de un extraño?)
viernes, 4 de septiembre de 2015
Is it in my head?
THE WHO (Is it in my head?)
La primera obra conceptual de los Who fue The Who sell out (1967), homenaje, no exento de humor, a las radios piratas británicas que, como Radio Caroline o Radio London, contribuyeron a alimentar el optimismo de los "swinging sixties".
Este interés por crear álbumes de estructura narrativa se plasmó después en Tommy (1969), y más tarde en Quadrophenia (1973), una segunda aventura de rock conceptual muy empapada en la sociología de su tiempo.
En ésta recrearon el lado declinante de la sub-cultura mod a través de Jimmy, el personaje juvenil psicológicamente inestable que va perdiendo lo que le rodea -pandilla, familia, vespa, chica, pretensiones artísticas- y acaba solitario en un bote de remos.
Quadrophenia, que se trataría de un poema rock a partir de los errores y glorias del grupo, según Pete Townsend, se considera el último de los grandes álbumes de los Who. Una producción meticulosa contribuye a darle verismo y profundidad emocional.
(Veo a un hombre sin un sólo problema / Veo a un país siempre hambriento / Escucho el sonido de los latidos de un corazón / Voy caminando, y la gente se gira y ríe... / ¿Está en mi cabeza o en mi corazón? / En los teléfonos escucho mi historia / Sueño en llamadas que echo a faltar/Intento enumerar a las personas que me quieren / Para ver exactamente cuál es el problema)
La primera obra conceptual de los Who fue The Who sell out (1967), homenaje, no exento de humor, a las radios piratas británicas que, como Radio Caroline o Radio London, contribuyeron a alimentar el optimismo de los "swinging sixties".
Este interés por crear álbumes de estructura narrativa se plasmó después en Tommy (1969), y más tarde en Quadrophenia (1973), una segunda aventura de rock conceptual muy empapada en la sociología de su tiempo.
En ésta recrearon el lado declinante de la sub-cultura mod a través de Jimmy, el personaje juvenil psicológicamente inestable que va perdiendo lo que le rodea -pandilla, familia, vespa, chica, pretensiones artísticas- y acaba solitario en un bote de remos.
Quadrophenia, que se trataría de un poema rock a partir de los errores y glorias del grupo, según Pete Townsend, se considera el último de los grandes álbumes de los Who. Una producción meticulosa contribuye a darle verismo y profundidad emocional.
(Veo a un hombre sin un sólo problema / Veo a un país siempre hambriento / Escucho el sonido de los latidos de un corazón / Voy caminando, y la gente se gira y ríe... / ¿Está en mi cabeza o en mi corazón? / En los teléfonos escucho mi historia / Sueño en llamadas que echo a faltar/Intento enumerar a las personas que me quieren / Para ver exactamente cuál es el problema)
sábado, 29 de agosto de 2015
What can a song do for you?
MOLLY DRAKE (What can a song do to you?)
Molly Drake, la madre de Nick Drake, el delicado cantautor inglés de folk fallecido tempranamente de tristeza en 1974, dejó un puñado de canciones de aire pastoral que suenan livianas y espectrales como las brumas del invierno.
Molly Drake nació en Rangún en 1915, pero de jovencita estudió y vivió temporalmente en Inglaterra. Avatares de guerra la llevaron a Nueva Delhi en 1942. Allí, junto a su hermana Nancy, trabajó en un programa musical de All India Radio.
Molly Drake volvió a tierras inglesas en 1952 con su marido y dos hijos. La vida familiar y social guardaba momentos en los que ella se sentaba al piano y ponía voz a poemas de su cuaderno, recreando una atmósfera impregnada de la magia de otros tiempos.
Algunas de estas interpretaciones fueron publicadas en 2013 por la discográfica Bryter Music veinte años después de su muerte. Su tono íntimo hace pensar en una Molly Drake amiga del silencio y de las luces del atardecer.
(Música desde una ventana abierta/Música inesperada y flotante / Música ordinaria en una calle corriente / ¿Por qué detiene los latidos de tu corazón? / ¿Qué te puede hacer una canción? / Puede despertar un recuerdo dormido / Puede hacerte rememorar un día que tu corazón voló a los cuidados de otra persona / ¿Qué te puede hacer una canción? / Puede devolverte la primavera en diciembre)
sábado, 22 de agosto de 2015
I thought I'd never see you again
WORKING WEEK (I thought I'd never see you again)
Working Week acapararon la atención musical en el Londres de 1984 con su mezcla de aires latinos, jazz experimental, rebanadas de soul y militancia política. Tres años después eran tan conocidos que podían compartir cartel con el mismísimo Miles Davis.
Aunque Working Week contó con numerosos músicos en sus directos y grabaciones, el núcleo lo componían el guitarrista Simon Booth y el saxofonista Larry Stabbins. Luego se añadiría la cantante de color Juliet Roberts, formada en el reggae y el jazz.
Animando festivales y clubes de baile londinenses, como el Wag Club o el Electric Ballroom, 'Venceremos', un primer sencillo a ritmo de Bossa Nova, los catapultó a la fama. El posterior 'Storm of light' tendría a Julie Driscoll de invitada.
En Working nights (1985), su primer álbum, Working Week reunía ocho canciones para animar cuerpos y corazones con la aportación de trompetistas (Guy Barker, Harry Becket), saxofonistas (Chris Biscoe) y la trombonista Annie Whitehead.
(Las noches calurosas hacen la vida más intens a/ Pero ahora la fiesta se ha acabado / Días veraniegos bebiendo vino al sol, y luego tú tienes que partir/Pensé que nunca volvería a verte / El placer más vivo conlleva el más dulce de los dolores / Me dejas sombría, las noches son más largas... / Pensé que no volvería a verte / Pensé que se había acabado)
Working Week acapararon la atención musical en el Londres de 1984 con su mezcla de aires latinos, jazz experimental, rebanadas de soul y militancia política. Tres años después eran tan conocidos que podían compartir cartel con el mismísimo Miles Davis.
Aunque Working Week contó con numerosos músicos en sus directos y grabaciones, el núcleo lo componían el guitarrista Simon Booth y el saxofonista Larry Stabbins. Luego se añadiría la cantante de color Juliet Roberts, formada en el reggae y el jazz.
Animando festivales y clubes de baile londinenses, como el Wag Club o el Electric Ballroom, 'Venceremos', un primer sencillo a ritmo de Bossa Nova, los catapultó a la fama. El posterior 'Storm of light' tendría a Julie Driscoll de invitada.
En Working nights (1985), su primer álbum, Working Week reunía ocho canciones para animar cuerpos y corazones con la aportación de trompetistas (Guy Barker, Harry Becket), saxofonistas (Chris Biscoe) y la trombonista Annie Whitehead.
(Las noches calurosas hacen la vida más intens a/ Pero ahora la fiesta se ha acabado / Días veraniegos bebiendo vino al sol, y luego tú tienes que partir/Pensé que nunca volvería a verte / El placer más vivo conlleva el más dulce de los dolores / Me dejas sombría, las noches son más largas... / Pensé que no volvería a verte / Pensé que se había acabado)
viernes, 7 de agosto de 2015
Devil in me
NATALIE DUNCAN (Devil in me)
Natalie Duncan irrumpió en el mercado discográfico con voz, temas y estilo que hicieron soñar a la industria y a la prensa especializada inglesas en la llegada de una nueva Amy Winehouse. Espíritu soul y determinación de carácter no le faltaban.
Natalie Duncan (Londres, 1988), rodeada de pequeña de la música que escuchaba su padre, empezó a tocar piano a los cinco años. A los dieciséis ya actuaba en el área de Nottingham. Por entonces descubrió a Joni Mitchell, a quien tiene como heroína.
La circunstancia que la dio a conocer ampliamente fue un programa televisivo de la BBC. De resultas, consiguió el contrato por el que grabaría su primer álbum en los estudios Real World, de Peter Gabriel.
El lenguaje directo y confesional de Devil in me (2012), producido por Joe Henry, cuando no abiertamente liberador, arrastra la fuerza de lo implícitamente oscuro. Pero en ambas cosas, Natalie Duncan está en la línea de las grandes del jazz y del soul.
(A veces siento que vas buscando mi lado diabólico / Como si yo fuera un perro moribundo que va detrás de tus huesos / De verdad, siento que fueras buscando mi lado malo / ¿Por qué no cierras los ojos cuando estoy rendida junto a tu corazón? / De verdad, a veces siento que buscas mi lado diabólico)
Natalie Duncan irrumpió en el mercado discográfico con voz, temas y estilo que hicieron soñar a la industria y a la prensa especializada inglesas en la llegada de una nueva Amy Winehouse. Espíritu soul y determinación de carácter no le faltaban.
Natalie Duncan (Londres, 1988), rodeada de pequeña de la música que escuchaba su padre, empezó a tocar piano a los cinco años. A los dieciséis ya actuaba en el área de Nottingham. Por entonces descubrió a Joni Mitchell, a quien tiene como heroína.
La circunstancia que la dio a conocer ampliamente fue un programa televisivo de la BBC. De resultas, consiguió el contrato por el que grabaría su primer álbum en los estudios Real World, de Peter Gabriel.
El lenguaje directo y confesional de Devil in me (2012), producido por Joe Henry, cuando no abiertamente liberador, arrastra la fuerza de lo implícitamente oscuro. Pero en ambas cosas, Natalie Duncan está en la línea de las grandes del jazz y del soul.
(A veces siento que vas buscando mi lado diabólico / Como si yo fuera un perro moribundo que va detrás de tus huesos / De verdad, siento que fueras buscando mi lado malo / ¿Por qué no cierras los ojos cuando estoy rendida junto a tu corazón? / De verdad, a veces siento que buscas mi lado diabólico)
sábado, 1 de agosto de 2015
Love hurts
ROBIN GIBB (Love hurts)
Boudleaux Bryant y su mujer Felice se cuentan entre los grandes escritores de canciones de la música popular. Obtuvieron su primer gran reconocimiento en la versión que los Everly Brothers hicieron en 1957 de su 'Bye, bye, love'.
Tres años después, los Bryant escribieron 'Love hurts', una canción que retrata con fuertes trazos otra cara del amor. Entre los que la interpretaron con gran éxito se cuentan Roy Orbison, Gram Parsons (a dúo con Emmylou Harris) y Jim Capaldi,
También Robin Gibb, el más inspirado e inquieto de los Bee Gees, se dejó envolver por el atractivo de 'Love hurts'. Su versión apareción en Magnet (2003), el disco con el que intentaba relanzar la carrera en solitario que había comenzado en 1970.
Robin, lejos de dormirse en pasados laureles, siempre estuvo atento a las novedades del presente. De ahí que invitara a Wyclef Jean, componente de The Fugees, para que con su fraseado rapero le ayudara a poner al día este gran clásico.
(El amor hiere, el amor deja cicatrices / El amor causa heridas y deja señales / En el corazón que no es duro / Ni lo bastante resistente para aguantar el dolor / El amor es como una nube que guarda copiosa lluvia / Soy joven, pero sé una o dos cosas que he aprendido de ti / El amor, como una estufa, quema cuando está caliente / Pero algunos piensan tontamente en felicidad, dicha y entendimiento)
Boudleaux Bryant y su mujer Felice se cuentan entre los grandes escritores de canciones de la música popular. Obtuvieron su primer gran reconocimiento en la versión que los Everly Brothers hicieron en 1957 de su 'Bye, bye, love'.
Tres años después, los Bryant escribieron 'Love hurts', una canción que retrata con fuertes trazos otra cara del amor. Entre los que la interpretaron con gran éxito se cuentan Roy Orbison, Gram Parsons (a dúo con Emmylou Harris) y Jim Capaldi,
También Robin Gibb, el más inspirado e inquieto de los Bee Gees, se dejó envolver por el atractivo de 'Love hurts'. Su versión apareción en Magnet (2003), el disco con el que intentaba relanzar la carrera en solitario que había comenzado en 1970.
Robin, lejos de dormirse en pasados laureles, siempre estuvo atento a las novedades del presente. De ahí que invitara a Wyclef Jean, componente de The Fugees, para que con su fraseado rapero le ayudara a poner al día este gran clásico.
(El amor hiere, el amor deja cicatrices / El amor causa heridas y deja señales / En el corazón que no es duro / Ni lo bastante resistente para aguantar el dolor / El amor es como una nube que guarda copiosa lluvia / Soy joven, pero sé una o dos cosas que he aprendido de ti / El amor, como una estufa, quema cuando está caliente / Pero algunos piensan tontamente en felicidad, dicha y entendimiento)
viernes, 24 de julio de 2015
Let no man steal your thyme
THE IDITAROD (Let no man steal your thyme)
Hay canciones del folklore tradicional que tras haber tenido un largo reclamo caen en una especie de letargo, como vencidas por el paso del tiempo, pero a las que un acontecimiento fortuito les devuelve actualidad y recupera su hermosura.
Tal ha sido el caso de 'Let no man steal your thyme', una canción perteneciente al folklore británico e irlandés cuyos orígenes se remontan al siglo XVII. Adoptando la forma de balada, alerta a las doncellas contra los falsos amantes.
El evento fortuito ha sido su inclusión en la banda sonora de la reciente película Lejos del mundanal ruido, en donde Carey Mulligan desempeña el papel de una joven hacendada que es cortejada por varios pretendientes en un trabajoso medio rural.
'Let no man steal your thyme' ha recibido muchas versiones. A destacar la del álbum The Ghost, the elf, the cat and the angel (2002) de The Iditarod, un grupo de folk inglés formado por Carin Wagner y Jeffrey Alexander a mediados de los noventa.
(Venid todas, hermosas y tiernas doncellas/Vosotras, en la flor de la vida / Cuidado, cuidado / Guardad limpio vuestro jardín / Y no dejéis que hombre alguno os robe el tomillo / Pues cuando el tomillo esté decaído y marchito / Él ya no se ocupará de vosotras / Y dondequiera que vuestro tomillo fue desperdiciado / Se extenderá el lamento)
Hay canciones del folklore tradicional que tras haber tenido un largo reclamo caen en una especie de letargo, como vencidas por el paso del tiempo, pero a las que un acontecimiento fortuito les devuelve actualidad y recupera su hermosura.
Tal ha sido el caso de 'Let no man steal your thyme', una canción perteneciente al folklore británico e irlandés cuyos orígenes se remontan al siglo XVII. Adoptando la forma de balada, alerta a las doncellas contra los falsos amantes.
El evento fortuito ha sido su inclusión en la banda sonora de la reciente película Lejos del mundanal ruido, en donde Carey Mulligan desempeña el papel de una joven hacendada que es cortejada por varios pretendientes en un trabajoso medio rural.
'Let no man steal your thyme' ha recibido muchas versiones. A destacar la del álbum The Ghost, the elf, the cat and the angel (2002) de The Iditarod, un grupo de folk inglés formado por Carin Wagner y Jeffrey Alexander a mediados de los noventa.
(Venid todas, hermosas y tiernas doncellas/Vosotras, en la flor de la vida / Cuidado, cuidado / Guardad limpio vuestro jardín / Y no dejéis que hombre alguno os robe el tomillo / Pues cuando el tomillo esté decaído y marchito / Él ya no se ocupará de vosotras / Y dondequiera que vuestro tomillo fue desperdiciado / Se extenderá el lamento)
viernes, 17 de julio de 2015
Anastasia
ELLIOTT MURPHY (Anastasia)
Elliott Murphy publicó Aquashow' en 1973, un debut en el que el periodista Paul Nelson vio la llegada de un nuevo Bob Dylan, quizá porque encerraba imágenes e historias bajo el arrebatado arrebol de sueños y esperanzas juveniles.
Elliott era hijo de Nueva York, como lo eran Lou Reed y Patti Smith, amigos de entonces. Aquella ciudad, y luego París, a partir de los noventa, sellaron su condición de poeta del rock urbano.
Elliott ha publicado más de veinticinco álbumes de estudio, pero diríase que sigue siendo para minorías, si bien todo apuntaba distinto cuando Paul A. Rothchild, el productor de los Doors, estaba detrás de Lost Generation (1975), el segundo de su discografía.
Las referencia culturales y literarias pueblan la obra de Elliott Murphy. Así en el contemporáneo Notes from the underground (2008) o en Just a story from America (1976). En este la canción 'Anastasia' recuerda el infortunio de una de las hijas del zar Nicolás II.
(Anastasia, vuelve a casa, por favor / Tu familia está al teléfono/Saben que te dejaron sola con tu realeza / Anastasia, tú no hiciste nada malo / Tu pecado más grande fue haber nacido / La aristocracia es como una corona de espinas que necesita de creyentes / Anastasia, ¿a dónde podríamos ir?... / Necesitamos algún tiempo para relajarnos y tomar las cosas con calma / Anastasia, ya sé lo que quieres decir / La revolución se llevó nuestros sueños)
Elliott Murphy publicó Aquashow' en 1973, un debut en el que el periodista Paul Nelson vio la llegada de un nuevo Bob Dylan, quizá porque encerraba imágenes e historias bajo el arrebatado arrebol de sueños y esperanzas juveniles.
Elliott era hijo de Nueva York, como lo eran Lou Reed y Patti Smith, amigos de entonces. Aquella ciudad, y luego París, a partir de los noventa, sellaron su condición de poeta del rock urbano.
Elliott ha publicado más de veinticinco álbumes de estudio, pero diríase que sigue siendo para minorías, si bien todo apuntaba distinto cuando Paul A. Rothchild, el productor de los Doors, estaba detrás de Lost Generation (1975), el segundo de su discografía.
Las referencia culturales y literarias pueblan la obra de Elliott Murphy. Así en el contemporáneo Notes from the underground (2008) o en Just a story from America (1976). En este la canción 'Anastasia' recuerda el infortunio de una de las hijas del zar Nicolás II.
(Anastasia, vuelve a casa, por favor / Tu familia está al teléfono/Saben que te dejaron sola con tu realeza / Anastasia, tú no hiciste nada malo / Tu pecado más grande fue haber nacido / La aristocracia es como una corona de espinas que necesita de creyentes / Anastasia, ¿a dónde podríamos ir?... / Necesitamos algún tiempo para relajarnos y tomar las cosas con calma / Anastasia, ya sé lo que quieres decir / La revolución se llevó nuestros sueños)
viernes, 10 de julio de 2015
Little red boots
Lindi Ortega - "Little Red Boots"
Lindi Ortega (Toronto, 1980), la artista canadiense de familia mejicano-irlandesa es un valor en progresión creciente dentro de la escena country-rock americana, en cuya capital, Nashville, ha grabado parte de su inminente "Faded Gloryville".
Lindi Ortega, una voz bañada en miel según algún crítico, ha cumplido muchos de los sueños a los que aspiraba cuando a los diecisiete años empuñó una guitarra para acompañarse a la letra que había escrito por el desengaño de un primer amor.
De su padre, bajista de una banda latina en Ontario, recibió el estímulo musical, pero su triunfo sólo fue posible gracias al tesón del que hizo gala durante una década que la vio actuar sin descanso y editar dos primeras obras por cuenta propia.
Tras firmar con la independiente Last Gang Records, Lindi Ortega ha empezado a volar alto. Los álbumes "Tin star" (2013), "Cigarettes & truckstops" (2012) y "Little red boots" (2011) anuncian que Dolly Parton puede tener ya una espléndida continuadora.
("Me vais a conocer por mis pequeñas botas rojas/Quizá no sepáis de mi nombre, porque no soy famosa/Pero me conoceréis por mis pequeñas botas rojas/Entrando en la ciudad con mi guitarra a la espalda/Las mamás de alrededores sufrirán ataques de corazón/Demasiado perdida para encontrarme, soy como tren descarriado/Me vais a conocer por mis pequeñas botas rojas")
Lindi Ortega (Toronto, 1980), la artista canadiense de familia mejicano-irlandesa es un valor en progresión creciente dentro de la escena country-rock americana, en cuya capital, Nashville, ha grabado parte de su inminente "Faded Gloryville".
Lindi Ortega, una voz bañada en miel según algún crítico, ha cumplido muchos de los sueños a los que aspiraba cuando a los diecisiete años empuñó una guitarra para acompañarse a la letra que había escrito por el desengaño de un primer amor.
De su padre, bajista de una banda latina en Ontario, recibió el estímulo musical, pero su triunfo sólo fue posible gracias al tesón del que hizo gala durante una década que la vio actuar sin descanso y editar dos primeras obras por cuenta propia.
Tras firmar con la independiente Last Gang Records, Lindi Ortega ha empezado a volar alto. Los álbumes "Tin star" (2013), "Cigarettes & truckstops" (2012) y "Little red boots" (2011) anuncian que Dolly Parton puede tener ya una espléndida continuadora.
("Me vais a conocer por mis pequeñas botas rojas/Quizá no sepáis de mi nombre, porque no soy famosa/Pero me conoceréis por mis pequeñas botas rojas/Entrando en la ciudad con mi guitarra a la espalda/Las mamás de alrededores sufrirán ataques de corazón/Demasiado perdida para encontrarme, soy como tren descarriado/Me vais a conocer por mis pequeñas botas rojas")
viernes, 3 de julio de 2015
A whiter shade of pale
Procol Harum (A whiter shade of pale)
La baraja del rock progresivo inglés, en donde ya estaban Jethro Tull y Pink Floyd, añadió otro as con Procol Harum en 1967, el año siguiente a conocerse Keith Reid, el fabulador de las letras de las canciones de la banda, y Gary Broker, su líder indiscutible.
La voz de Gary Brooker y su emocionalidad al piano prestaban gran parte del sonido distintivo de Procol Harum, pero sin olvidar al organista Matthew Fisher, que lo ampliaba a dimensiones de catedral gótica, y al clasicismo rock del guitarrista Robin Trower.
En los diez años de existencia, no obstante dejar álbumes notables, especialmente Procol Harum (1967) y A salty dog (1969), el grupo creó sobre todo un puñado de canciones que son su particular seña de identidad: 'Conquistador', 'Homburg'...
Pero Procol Harum le debe su gran nombre a 'A whiter shade of pale', una canción para todos los tiempos, que, recediendo al álbum de estreno, salió en un sencillo meses antes de que la cultura hippie celebrara su verano del amor.
(Nos saltamos aquel ligero fandango / Dimos varias volteretas por el suelo / Me sentía mareado, pero la multitud pedía más a voces / El bullicio en el salón era mayor cuando el techó voló por los aires / Y al pedir otra bebida, el camarero nos trajo una bandeja / Así, cuando luego el molinero contaba su historia / El rostro de ella, primero espectral, adquirió después una blanca palidez)
viernes, 26 de junio de 2015
Highway 61 Revisited
KAREN O (Highway 61 Revisited)
La autopista 61, una ruta que guarda ecos del blues de Bessie Smith y de Robert Johnson, recorre la geografía americana en paralelo al río Mississippi. Su trazado vertical une Nueva Orleáns y Duluth, ciudad ésta en donde nació Bob Dylan.
Él redundaría en la mítica de la autopista con Highway 61 Revisited (1965), el álbum que revolucionó la vertiente musical y cultural de los sesenta, porque según la revista Rolling Stone "lo cambió todo" y, para el crítico Robert Shelton, fue símbolo de libertad.
La canción del mismo título, sin darse un respiro en su desenfrenada asociación de ideas y continua aceleración rítmica, remite a la autopista 61 como el escenario en donde se aclaran los enredos y la confusión (Johnny Winter hizo una primera versión en 1969).
Karen O, la versátil vocalista del grupo neoyorquino Yeah Yeah Yeahs, también la recreó en 2007 para la película I'm not there. Las guitarras de Lee Ranaldo (Sonic Youth) y de Tom Verlaine convierten 'Highway 61 Revisited' en vertiginoso rock garajero.
(Dios dijo a Abraham: "Hazme la ofrenda de tu hijo" / Y Abra le dice:"Hombre, me parece que estás bromeando" /Dios: "No"; Abra: "¿¡Qué!? / Y Dios le dice: "Puedes hacer lo que quieras, pero la próxima vez que me veas venir mejor que salgas corriendo" / Y Abra responde: "Bueno, ¿dónde quieres que haga la ofrenda?" / Y Dios le dice: "Ahí, en la autopista 61)
La autopista 61, una ruta que guarda ecos del blues de Bessie Smith y de Robert Johnson, recorre la geografía americana en paralelo al río Mississippi. Su trazado vertical une Nueva Orleáns y Duluth, ciudad ésta en donde nació Bob Dylan.
Él redundaría en la mítica de la autopista con Highway 61 Revisited (1965), el álbum que revolucionó la vertiente musical y cultural de los sesenta, porque según la revista Rolling Stone "lo cambió todo" y, para el crítico Robert Shelton, fue símbolo de libertad.
La canción del mismo título, sin darse un respiro en su desenfrenada asociación de ideas y continua aceleración rítmica, remite a la autopista 61 como el escenario en donde se aclaran los enredos y la confusión (Johnny Winter hizo una primera versión en 1969).
Karen O, la versátil vocalista del grupo neoyorquino Yeah Yeah Yeahs, también la recreó en 2007 para la película I'm not there. Las guitarras de Lee Ranaldo (Sonic Youth) y de Tom Verlaine convierten 'Highway 61 Revisited' en vertiginoso rock garajero.
(Dios dijo a Abraham: "Hazme la ofrenda de tu hijo" / Y Abra le dice:"Hombre, me parece que estás bromeando" /Dios: "No"; Abra: "¿¡Qué!? / Y Dios le dice: "Puedes hacer lo que quieras, pero la próxima vez que me veas venir mejor que salgas corriendo" / Y Abra responde: "Bueno, ¿dónde quieres que haga la ofrenda?" / Y Dios le dice: "Ahí, en la autopista 61)
viernes, 19 de junio de 2015
Fire and rain
JAMES TAYLOR (Fire and rain)
James Taylor hizo su estreno discográfico en 1968. Aquel músico todavía desconocido despertaba tanta promesas que en ese primer álbum participarían Paul McCartney y Peter Asher, este representante artístico de la compañía Apple.
James Taylor había llegado a Londres, apenas con veinte años, para renovar una vida caída en la adicción a la heroína mientras lideraba The Flying Machine, el grupo formado en 1966 con el que actuaba regularmente en el club Night Owl Cafe de Nueva York.
Las primeras canciones de James Taylor desvelan su difícil época ligada a las drogas ('Rainy day man', 'Night Owl') y las cualidades de reposado cantautor de base acústica y mirada introspectiva que tan bien refleja la famosa 'Carolina in my mind'.
James Taylor grabó en California Sweet baby James (1970), un segundo álbum que lo estableció entre la élite de los cantautores de la música popular, a la que realzó con el rock blando y melodioso que canciones como 'Fire and rain' ejemplificaban máximamente.
(Me dijeron ayer por la mañana que te habías ido /S uzanne, sus planes acabaron contigo / Salí a pasear esta mañana y te he escrito esta canción / Pero no puedo acordarme de a quién enviársela / He visto fuego y he visto lluvia / He visto días soleados que parecían no terminar nunca / He visto tiempos de soledad sin poder encontrar amigos / Pero siempre pensé que volvería a verte)
James Taylor hizo su estreno discográfico en 1968. Aquel músico todavía desconocido despertaba tanta promesas que en ese primer álbum participarían Paul McCartney y Peter Asher, este representante artístico de la compañía Apple.
James Taylor había llegado a Londres, apenas con veinte años, para renovar una vida caída en la adicción a la heroína mientras lideraba The Flying Machine, el grupo formado en 1966 con el que actuaba regularmente en el club Night Owl Cafe de Nueva York.
Las primeras canciones de James Taylor desvelan su difícil época ligada a las drogas ('Rainy day man', 'Night Owl') y las cualidades de reposado cantautor de base acústica y mirada introspectiva que tan bien refleja la famosa 'Carolina in my mind'.
James Taylor grabó en California Sweet baby James (1970), un segundo álbum que lo estableció entre la élite de los cantautores de la música popular, a la que realzó con el rock blando y melodioso que canciones como 'Fire and rain' ejemplificaban máximamente.
(Me dijeron ayer por la mañana que te habías ido /S uzanne, sus planes acabaron contigo / Salí a pasear esta mañana y te he escrito esta canción / Pero no puedo acordarme de a quién enviársela / He visto fuego y he visto lluvia / He visto días soleados que parecían no terminar nunca / He visto tiempos de soledad sin poder encontrar amigos / Pero siempre pensé que volvería a verte)
viernes, 12 de junio de 2015
Hold me dancin'
MARGO GURYAN (Hold me dancin')
Margo Guryan (Nueva York, 1937) heredó de sus padres la afición musical que la llevó a realizar desde niña estudios clásicos de piano, a los que ella añadiría su habilidad como compositora de canciones, pronto recogidas por gente del mundo del jazz.
A principios de los sesenta Margo Guryan trabajaba para Bill Evans, Max Roach o Ornette Coleman, pero el pop que llegaba de la soleada California le haría cambiar de aires (decía haber escuchado infinitamente el Pet Sounds de los Beach Boys).
Intentos por hacerse artista la llevaron hasta Atlantic estando en secundaria, pero su voz de entonces no dio la talla. Y esperó mientras otros interpretaban composiciones suyas ('Think of rain', Jackie de Shannon; 'Sunday morning', Spanky and our Gang...).
El momento de Margo Gunyan llegó con Take a picture (1968), un álbum esencialmente melódico y con atractivas variaciones cromáticas procedentes del jazz. En Thoughts (2002), un disco recopilatorio para recordarla, se hallaba la canción 'Hold me dancin'.
(Sostenme, sostenme / Podría estar bailando sin parar si tú me sostuvieras / He estado esperando que me apoyaras durante mucho tiempo / No puedo recordar cuándo quise a alguien más que a ti / He estado pensando en las muchas maneras de amarme / Las hay si me dijeras que quieres bailar y tocarme / Y sostenerme, ven y agárrame / Yo podría estar bailando ahora y siempre si tú me sostuvieras)
Margo Guryan (Nueva York, 1937) heredó de sus padres la afición musical que la llevó a realizar desde niña estudios clásicos de piano, a los que ella añadiría su habilidad como compositora de canciones, pronto recogidas por gente del mundo del jazz.
A principios de los sesenta Margo Guryan trabajaba para Bill Evans, Max Roach o Ornette Coleman, pero el pop que llegaba de la soleada California le haría cambiar de aires (decía haber escuchado infinitamente el Pet Sounds de los Beach Boys).
Intentos por hacerse artista la llevaron hasta Atlantic estando en secundaria, pero su voz de entonces no dio la talla. Y esperó mientras otros interpretaban composiciones suyas ('Think of rain', Jackie de Shannon; 'Sunday morning', Spanky and our Gang...).
El momento de Margo Gunyan llegó con Take a picture (1968), un álbum esencialmente melódico y con atractivas variaciones cromáticas procedentes del jazz. En Thoughts (2002), un disco recopilatorio para recordarla, se hallaba la canción 'Hold me dancin'.
(Sostenme, sostenme / Podría estar bailando sin parar si tú me sostuvieras / He estado esperando que me apoyaras durante mucho tiempo / No puedo recordar cuándo quise a alguien más que a ti / He estado pensando en las muchas maneras de amarme / Las hay si me dijeras que quieres bailar y tocarme / Y sostenerme, ven y agárrame / Yo podría estar bailando ahora y siempre si tú me sostuvieras)
viernes, 5 de junio de 2015
Your pale blue eyes
The Velvet Underground (Your pale blue eyes)
La Velvet Underground se formó como un experimento musical junto a los otros de pintura y cine que Andy Warhol acogía en la Factory, su estudio neoyorkino donde un grupo de estrellas apostaba por la trasgresión y la vanguardia en la vida y en el arte.
Para esta banda de culto, lo mejor fue empezar con la sinergia entre el Lou Reed actor e intérprete del malditismo urbano, y John Cale, artista de Gales a quien el rock le amplió la libertad experimental que ya había tanteado con John Cage y Monte La Young.
Nico completaba la ecuación. Llegó de la mano de Warhol, a tiempo para poner su voz de belleza fría y nocturnal en The Velvet Underground & Nico (1967). La banana de la portada, clara metáfora sexual, consagraba un disco intenso de principio a fin.
The Velvet Underground (1969), sin Nico ni John Cale pero con Sterling Morrison y la baterista Maureen Tucker, los otros nombres fundadores, confirmó la seductora genialidad de Lou Reed, que esta vez escribe canciones de amor como 'Your pale blue eyes'.
(Unas veces me siento feliz y otras veces triste / A veces me siento muy feliz, pero me vuelves loco... / Sigo viendo tus ojos de azul pálido / Te tomé por la cima de mi montaña... / Pensé que eras todo lo que había tenido y no había podido conservar... / Si pudiera crear el mundo puro y extraño que yo veo / Te pondría de espejo, te pondría frente a mí.../ Sigo viendo tus ojos de azul pálido)
viernes, 29 de mayo de 2015
You said something
PJ HARVEY (You said something)
El ambiente electrizante de la ciudad de Nueva York ha estimulado la creatividad de toda clase de artistas, pero su influencia ha sido especial en los músicos. Billy Joel llegó a decir en una canción 'estar envuelto en el estado mental propio de Nueva York'.
John Lennon quiso obstinadamente vivir en la ciudad; a David Bowie se le veía pasear por las calles de Manhattan. Fascinación por la urbe de los rascacielos que igualmente PJ Harvey deja traslucir en Stories from the city, stories from the sea (2000).
En ese álbum ella se olvida de su vertiente ruidosa y visceral, manifiesta con impactante sinceridad en Dry (1992) y Rid of me (1993), para desvelar su experiencia neoyorkina a través de canciones adornadas de melodía y bellas imágenes.
PJ Harvey logró con Stories from the city... una obra de relajada madurez pero también vibrante, en sintonía con el enamoramiento que, como confiesa en 'You said something', comparte con la ciudad. (¿Qué dijo él para que ella no lo olvidara nunca?)
(En un terrado de Brooklyn, una de la mañana / Mirando los destellos de las luces de Manhattan / Veo cinco puentes y el Empire State Building / Y entonces tú dijiste algo que nunca he olvidado / Nos apoyamos en la barandilla / Describiendo colores y olores... y actuando como amantes / ¿Cómo hemos llegado a este punto de nuestras vidas? / Contuve el aliento / Y tú dijiste algo)
El ambiente electrizante de la ciudad de Nueva York ha estimulado la creatividad de toda clase de artistas, pero su influencia ha sido especial en los músicos. Billy Joel llegó a decir en una canción 'estar envuelto en el estado mental propio de Nueva York'.
John Lennon quiso obstinadamente vivir en la ciudad; a David Bowie se le veía pasear por las calles de Manhattan. Fascinación por la urbe de los rascacielos que igualmente PJ Harvey deja traslucir en Stories from the city, stories from the sea (2000).
En ese álbum ella se olvida de su vertiente ruidosa y visceral, manifiesta con impactante sinceridad en Dry (1992) y Rid of me (1993), para desvelar su experiencia neoyorkina a través de canciones adornadas de melodía y bellas imágenes.
PJ Harvey logró con Stories from the city... una obra de relajada madurez pero también vibrante, en sintonía con el enamoramiento que, como confiesa en 'You said something', comparte con la ciudad. (¿Qué dijo él para que ella no lo olvidara nunca?)
(En un terrado de Brooklyn, una de la mañana / Mirando los destellos de las luces de Manhattan / Veo cinco puentes y el Empire State Building / Y entonces tú dijiste algo que nunca he olvidado / Nos apoyamos en la barandilla / Describiendo colores y olores... y actuando como amantes / ¿Cómo hemos llegado a este punto de nuestras vidas? / Contuve el aliento / Y tú dijiste algo)
viernes, 22 de mayo de 2015
Chica de ayer
NACHA POP (Chica de ayer)
La anquilosada vida cultural del postfranquismo recibió como refrescante agua de mayo la aparición de la denominada 'movida madrileña', un movimiento musical de principios de los ochenta protagonizado en Madrid por toda una pléyade de bandas juveniles.
La música fue el núcleo de la movida pero las aspas de su molinillo giraban impulsadas por radios (Radio España: Jesús Ordovás; Radio Popular: Julio Ruiz...), revistas (Rock de Luxe...), televisión (Popgrama...) y salas de conciertos (Rock-Ola...).
Los cinco años de movida madrileña representaron una época dorada del pop español. A Nacha Pop se le asigna un lugar especial gracias a una canción de colores vivos y románticos escrita por su líder Antonio Vega.
La 'Chica de ayer', que apareció en Nacha Pop (1980), fue la composición más gloriosa y la que mejor transmite un cierto estado de ánimo presente en la movida. Hasta el mercado anglosajón recibió en 2001 una fiel versión por parte de Gigolo Aunts.
(Any day, you don't know what time it is / You sleep by my side without knowing why / The wet streets have seen you grow up and change / With your heart, you are crying again / I look out of the window for the girl I knew yesterday / Smiling in the flowers of my favorite garden / Too hard to understand too late to comprehend... / The early morning light slowly fills the room /A nd makes your golden hair shine like the sun)
La anquilosada vida cultural del postfranquismo recibió como refrescante agua de mayo la aparición de la denominada 'movida madrileña', un movimiento musical de principios de los ochenta protagonizado en Madrid por toda una pléyade de bandas juveniles.
La música fue el núcleo de la movida pero las aspas de su molinillo giraban impulsadas por radios (Radio España: Jesús Ordovás; Radio Popular: Julio Ruiz...), revistas (Rock de Luxe...), televisión (Popgrama...) y salas de conciertos (Rock-Ola...).
Los cinco años de movida madrileña representaron una época dorada del pop español. A Nacha Pop se le asigna un lugar especial gracias a una canción de colores vivos y románticos escrita por su líder Antonio Vega.
La 'Chica de ayer', que apareció en Nacha Pop (1980), fue la composición más gloriosa y la que mejor transmite un cierto estado de ánimo presente en la movida. Hasta el mercado anglosajón recibió en 2001 una fiel versión por parte de Gigolo Aunts.
(Any day, you don't know what time it is / You sleep by my side without knowing why / The wet streets have seen you grow up and change / With your heart, you are crying again / I look out of the window for the girl I knew yesterday / Smiling in the flowers of my favorite garden / Too hard to understand too late to comprehend... / The early morning light slowly fills the room /A nd makes your golden hair shine like the sun)
viernes, 15 de mayo de 2015
Stonemilker
BJÖRK (Stonemilker)
Björk (Reykjavik, 1965) ha llevado su talante vanguardista a los campos de la electrónica, el sonido y la imagen, la danza, el cine o la voz, para reducirlos a las figuras fantásticas que brotan de la magia de su rara sensibilidad.
El espíritu creativo de Björk le permitió grabar a los once años su primer disco y participar después en colaboraciones diversas antes de cristalizar Sugarcubes en 1986, un grupo de punk postrero con el que la artista se dio a conocer a escala internacional.
Influenciada por Kate Bush, Brian Eno o el compositor Stockhausen, su camino empieza en Debut (1993), repleto de canciones emocionalmente libres. Vespertine (2001) fue otro gran álbum también singularizado por ser experimental, confesional e íntimo.
Y lo más reciente es el oleaje de sonido y canto, envuelto en orquestación de cuerda, de Vulnicura (2015), que es viaje al interior de sí misma buscando reparación emocional. El tema 'Stonemilker' es la primera parada en ese viaje.
(Una confluencia del destino / Ha encontrado nuestras mutuas coordenada / Los momentos de claridad son raros / Mejor documentar éste / En el horizonte los temores importan / ¿Quién ha abierto su pecho? / ¿Quién ha materializado, quién compartido, quien arruinado esta oportunidad? / Muestra respeto a mis emociones / Tengo necesidades emocionales / Quisiera sincronizar nuestro sentimientos)
Björk (Reykjavik, 1965) ha llevado su talante vanguardista a los campos de la electrónica, el sonido y la imagen, la danza, el cine o la voz, para reducirlos a las figuras fantásticas que brotan de la magia de su rara sensibilidad.
El espíritu creativo de Björk le permitió grabar a los once años su primer disco y participar después en colaboraciones diversas antes de cristalizar Sugarcubes en 1986, un grupo de punk postrero con el que la artista se dio a conocer a escala internacional.
Influenciada por Kate Bush, Brian Eno o el compositor Stockhausen, su camino empieza en Debut (1993), repleto de canciones emocionalmente libres. Vespertine (2001) fue otro gran álbum también singularizado por ser experimental, confesional e íntimo.
Y lo más reciente es el oleaje de sonido y canto, envuelto en orquestación de cuerda, de Vulnicura (2015), que es viaje al interior de sí misma buscando reparación emocional. El tema 'Stonemilker' es la primera parada en ese viaje.
(Una confluencia del destino / Ha encontrado nuestras mutuas coordenada / Los momentos de claridad son raros / Mejor documentar éste / En el horizonte los temores importan / ¿Quién ha abierto su pecho? / ¿Quién ha materializado, quién compartido, quien arruinado esta oportunidad? / Muestra respeto a mis emociones / Tengo necesidades emocionales / Quisiera sincronizar nuestro sentimientos)
viernes, 8 de mayo de 2015
Kathleen
TOWNES VAN ZANDT (Kathleen)
Con apellido de ricos propietarios tejanos, parecía natural que Townes Van Zandt estudiara derecho en 1962 y tuviera reservado un futuro en la empresa o la política. Sin embargo, las musas de la poesía, la música y la tragedia le rondaban desde antiguo.
Aquel año, la familia, aduciendo conducta errática y consumo de drogas, le internó en un hospital psiquiátrico. Perdió la memoria de su infancia, pero no el recuerdo de haber pedido una primera guitarra a los doce años, tras ver a Elvis Presley en televisión.
El folk gótico de Townes Van Zandt (Fort Worth, 1944) produjo canciones como 'If I needed you' o 'Pancho and Lefty' y once álbumes de estudio. En el de estreno, For the sake of the song (1968), se manifiesta ya su lirismo de vaquero atormentado.
Definido como un cruce entre Woody Guthrie y Leonard Cohen, Townes Van Zandt grabó Our mother the mountain (1969) con músicos de Nashville y Los Ángeles. 'Kathleen', canción de lúgubre belleza, cautivó a la banda Tindersticks.
(Es fácil ver que el sol no brillará hoy / Pero da igual, porque no estoy para días soleados / Quizá vaya a enloquecer /Tengo que detener el dolor/También podría ir a ver a Kathleen / Una golondrina viene y me trae sus sueños / A ella le gustaría saber qué significan / Me siento morir cuando la veo alejarse / Volando con el viento del norte a ver a Kathleen)
Con apellido de ricos propietarios tejanos, parecía natural que Townes Van Zandt estudiara derecho en 1962 y tuviera reservado un futuro en la empresa o la política. Sin embargo, las musas de la poesía, la música y la tragedia le rondaban desde antiguo.
Aquel año, la familia, aduciendo conducta errática y consumo de drogas, le internó en un hospital psiquiátrico. Perdió la memoria de su infancia, pero no el recuerdo de haber pedido una primera guitarra a los doce años, tras ver a Elvis Presley en televisión.
El folk gótico de Townes Van Zandt (Fort Worth, 1944) produjo canciones como 'If I needed you' o 'Pancho and Lefty' y once álbumes de estudio. En el de estreno, For the sake of the song (1968), se manifiesta ya su lirismo de vaquero atormentado.
Definido como un cruce entre Woody Guthrie y Leonard Cohen, Townes Van Zandt grabó Our mother the mountain (1969) con músicos de Nashville y Los Ángeles. 'Kathleen', canción de lúgubre belleza, cautivó a la banda Tindersticks.
(Es fácil ver que el sol no brillará hoy / Pero da igual, porque no estoy para días soleados / Quizá vaya a enloquecer /Tengo que detener el dolor/También podría ir a ver a Kathleen / Una golondrina viene y me trae sus sueños / A ella le gustaría saber qué significan / Me siento morir cuando la veo alejarse / Volando con el viento del norte a ver a Kathleen)
viernes, 1 de mayo de 2015
Me & Bobby McGee
JANIS JOPLIN (Me & Bobby McGee)
Aunque la música popular registra innumerables matices y sentimientos, pocos artistas la han enriquecido de la autenticidad y entrega de Janis Joplin, a quien el rock le sirvió de potente altavoz para hablar al mundo de un corazón generoso y apasionado.
Cuando Janis Joplin (Port Arthur-Tejas, 1943) terminó estudios de secundaria, ya había dejado constancia de su afición al blues (Bessie Smith, Ma Rainey, Big Mama Thornton...) y de ser una chica inadaptada socialmente pero dotada para el arte.
En 1964 estaba en San Francisco, residencia de Big Brother & The Holding Company, con quienes grabaría Cheap Thrills (1968), el disco de la locura psicodélica de 'Ball and chain' y de la portada impagable del ilustrador Robert Crumb.
Del mismo ímpetu dramático que la llevó a una vida sin límites procede Pearl (1971), en donde Janis Joplin realizó otra obra maestra y la versión definitiva de 'Me & Bobby McGee', el glorioso tema de su amigo Kris Kristofferson.
(En Baton Rouge, sin blanca en los bolsillos y esperando un tren / Sintiéndome casi tan ajada como los jeans que llevaba puestos / Bobby consiguió parar un camión / Que nos llevó a Nueva Orleáns justo antes de que lloviera / De un pañuelo rojo y sucio saqué la armónica / Y empecé a tocarla en tono triste mientras Bobby entonaba los blues / El limpiaparabrisas iba marcando el ritmo / Y, con Bobby cogidos de la mano, estuvimos cantando todas las melodías / Que el conductor se sabía)
Aunque la música popular registra innumerables matices y sentimientos, pocos artistas la han enriquecido de la autenticidad y entrega de Janis Joplin, a quien el rock le sirvió de potente altavoz para hablar al mundo de un corazón generoso y apasionado.
Cuando Janis Joplin (Port Arthur-Tejas, 1943) terminó estudios de secundaria, ya había dejado constancia de su afición al blues (Bessie Smith, Ma Rainey, Big Mama Thornton...) y de ser una chica inadaptada socialmente pero dotada para el arte.
En 1964 estaba en San Francisco, residencia de Big Brother & The Holding Company, con quienes grabaría Cheap Thrills (1968), el disco de la locura psicodélica de 'Ball and chain' y de la portada impagable del ilustrador Robert Crumb.
Del mismo ímpetu dramático que la llevó a una vida sin límites procede Pearl (1971), en donde Janis Joplin realizó otra obra maestra y la versión definitiva de 'Me & Bobby McGee', el glorioso tema de su amigo Kris Kristofferson.
(En Baton Rouge, sin blanca en los bolsillos y esperando un tren / Sintiéndome casi tan ajada como los jeans que llevaba puestos / Bobby consiguió parar un camión / Que nos llevó a Nueva Orleáns justo antes de que lloviera / De un pañuelo rojo y sucio saqué la armónica / Y empecé a tocarla en tono triste mientras Bobby entonaba los blues / El limpiaparabrisas iba marcando el ritmo / Y, con Bobby cogidos de la mano, estuvimos cantando todas las melodías / Que el conductor se sabía)
viernes, 24 de abril de 2015
Dark Eyes
IRON & WINE/CALEXICO (Dark Eyes)
Como antes hubiera hecho Larry Charles en Masked and anonymous (2003), el también director cinematográfico Todd Haynes realizó una aproximación biográfica a la personalidad elusiva de Bob Dylan en la película I'm not there (2007).
Con seis actores que dan vida a otras tantas etapas de creación, Todd Haynes hilvanó un relato de poesía, surrealismo y ambigüedad. Así, el papel de Richard Gere se sumerge en el periodo errabundo del Bob Dylan de The Rolling Thunder Revue.
La banda sonora, con participación de veintinueve nombres, resultó en un doble CD que recoge treinta y tres grandes versiones, aportando Bob Dylan 'I'm not there', un tema grabado con The Band a finales de los sesenta y no publicado hasta aquí.
La canción 'Dark eyes', del álbum Empire burlesque (1985), fue el reencuentro de Bob Dylan con su más potente vis poética. Calexico y el cantautor Sam Beam la eligieron para iluminar sus pliegues y descubrir la amplitud de su misteriosa profundidad.
(Oh, los caballeros conversan y la luna de medianoche está en la ribera / Ellos beben y pasean, pero para mí es hora de partir / Yo vivo en otro mundo, uno en el que se recuerda a la vida y la muerte / En donde un cordel con perlas de los amantes rodea la tierra, pero todo lo que veo es oscuridad en las miradas... / Oh, el tiempo es breve, los días son dulces y la pasión gobierna la flecha que vuela)
sábado, 18 de abril de 2015
September fields
FRAZEY FORD (September Fields)
Originaria de Vancouver, a Frazey Ford parece haberle llegado el tiempo del reconocimiento popular tras dejar atrás más de diez años en la formación The Be Good Tanyas, un trío femenino de base acústica y raíces en el folklore de la Columbia británica.
Años fecundos como vocalista de aquel grupo hasta llegar a un primer álbum que recibe aliento "de su condición de madre, de la tierra y de los campos". Frazey entusiasma en Obadiah (2010) con canciones der atractivos tiempos medios y aparente serenidad.
Creció escuchando a artistas como Ann Peebles y Roberta Flack y entre padres que vivieron la vida de las comunas hippies y la llevaron a conocer el mundo asiático, facilitándole un caudal de sensaciones y experiencias que ahora integran su personalidad.
Con Indian ocean (2014), su egundo álbum, Frazey ha sorprendido al abrazar el soul sureño de Memphis y arroparse de la misma sección rítmica que tantos éxitos dio a Al Green en los setenta. La canción 'September Fields' puede ser un buen botón de muestra.
(Más vale que busques a tu mamá / Más vale que agarres lo mejor de tu vida / Ya sé que estás preparado para envejecer / Resta dar vueltas por regiones de tiempos oscuros /Donde te encuentras en soledad / ¿Tienes en cuenta a tu cuerpo y a tu mente? / Días en la tierra por calles de noche / Sí, te vi caminando con las luces de la ciudad / ¿Tienes un hogar al llegar la mañana?)
Originaria de Vancouver, a Frazey Ford parece haberle llegado el tiempo del reconocimiento popular tras dejar atrás más de diez años en la formación The Be Good Tanyas, un trío femenino de base acústica y raíces en el folklore de la Columbia británica.
Años fecundos como vocalista de aquel grupo hasta llegar a un primer álbum que recibe aliento "de su condición de madre, de la tierra y de los campos". Frazey entusiasma en Obadiah (2010) con canciones der atractivos tiempos medios y aparente serenidad.
Creció escuchando a artistas como Ann Peebles y Roberta Flack y entre padres que vivieron la vida de las comunas hippies y la llevaron a conocer el mundo asiático, facilitándole un caudal de sensaciones y experiencias que ahora integran su personalidad.
Con Indian ocean (2014), su egundo álbum, Frazey ha sorprendido al abrazar el soul sureño de Memphis y arroparse de la misma sección rítmica que tantos éxitos dio a Al Green en los setenta. La canción 'September Fields' puede ser un buen botón de muestra.
(Más vale que busques a tu mamá / Más vale que agarres lo mejor de tu vida / Ya sé que estás preparado para envejecer / Resta dar vueltas por regiones de tiempos oscuros /Donde te encuentras en soledad / ¿Tienes en cuenta a tu cuerpo y a tu mente? / Días en la tierra por calles de noche / Sí, te vi caminando con las luces de la ciudad / ¿Tienes un hogar al llegar la mañana?)
domingo, 12 de abril de 2015
You wear it well
ROD STEWART (You wear it well)
Rod Stewart contribuyó a modelar el rostro del rock & roll con cuatro álbumes imperecederos en los años de contrato con el sello Mercury. Lou Reizner, su productor ejecutivo, le había visto actuar en la gira americana del Jeff Beck Group en julio de 1968.
Al dejar la adolescencia, Rod Stewart (Londres, 1945) tenía ante sí las opciones de dedicarse al fútbol o cantar y tocar la armónica. Al obedecer a su condición de artista de raza, inició un ascenso cuyos primeros escalones los cubrió con Long John Baldry.
Su paso por Steampacket y el Jeff Beck Group fueron la antesala a su papel estelar como tremendo vocalista y desinhibido intérprete en Faces, un súper grupo que también alistaba a Ron Wood, futuro Rolling Stones, y al inolvidable Ronnie Lane.
Rod Stewart inyectó sangre rock en canciones de inspiración en el mundo del folk y del country, consiguiendo la perfección máxima de Every picture tells a story (1971) y Never a dull moment (1972), disco éste al que pertenecía 'You wear it wel'l.
(No tenía nada que hacer en esta tarde calurosa / Sólo acomodarme y escribirte unas líneas / He pensado en llamarte, pero ¡uff! / El tiempo ha pasado desde lo de Minnesota / Y tú ahora lo llevas muy bien / Algo pasada de moda pero no importa / Bueno, supongo que estarás pensando 'éste se estará hundiendo' / O 'no me volverá a llamar' / No, no voy pidiendo ayuda ni he perdido la cabeza)
martes, 7 de abril de 2015
An illustration of loneliness
COURTNEY BARNETT (An illustration of loneliness)
Courtney Barnett, una artista del abundante granero musical de Melbourne, ha dado a conocer en tres años dos obras atractivas de rock indie, en donde, entre guitarras tremolantes, sus canciones se nos ofrecen como estampas de quien se sienta y observa.
Courtney Barnett (Melbourne, 1988) preparó su puesta de largo desde 2011 mientras participaba en Inmigrant Union, grupo que también contaba con el batería Brent DeBoer (The Dandy Warhols). Y se presentó con I've got a friend called Emily Ferry (2012).
El tema 'Avant Gardener', de aquel EP, tuvo excelente acogida. How to carve a carrot into a rose (2013), el siguiente EP, confirmó su particular capacidad para presentar historias en forma de canción y descubrirnos intrincados espacios personales.
Sometimes I sit and think, and sometimes I just sit (2015), último trabajo, es la invitación de Courtney Barnett a escuchar lo que podría tomarse como un intrigante disco-libro, una de cuyas páginas la abriría el aire pensativo de 'An illustration of loneliness'.
(Sigo despierta a las cuatro de la madrugada / Mirando a la pared... cuento sus grietas / Y me acuerdo de un libro que hojeaba reponiéndome de una operación / Era sobre quiromancia / No sé qué me reserva la vida / Imagino al yeso como si fuera la palma de la mano/ Las grietas representan lo que me pasa / Me quedo sin aliento...la línea del amor parece estar entrelazada con la de la muerte / Yo también pienso en ti)
Courtney Barnett, una artista del abundante granero musical de Melbourne, ha dado a conocer en tres años dos obras atractivas de rock indie, en donde, entre guitarras tremolantes, sus canciones se nos ofrecen como estampas de quien se sienta y observa.
Courtney Barnett (Melbourne, 1988) preparó su puesta de largo desde 2011 mientras participaba en Inmigrant Union, grupo que también contaba con el batería Brent DeBoer (The Dandy Warhols). Y se presentó con I've got a friend called Emily Ferry (2012).
El tema 'Avant Gardener', de aquel EP, tuvo excelente acogida. How to carve a carrot into a rose (2013), el siguiente EP, confirmó su particular capacidad para presentar historias en forma de canción y descubrirnos intrincados espacios personales.
Sometimes I sit and think, and sometimes I just sit (2015), último trabajo, es la invitación de Courtney Barnett a escuchar lo que podría tomarse como un intrigante disco-libro, una de cuyas páginas la abriría el aire pensativo de 'An illustration of loneliness'.
(Sigo despierta a las cuatro de la madrugada / Mirando a la pared... cuento sus grietas / Y me acuerdo de un libro que hojeaba reponiéndome de una operación / Era sobre quiromancia / No sé qué me reserva la vida / Imagino al yeso como si fuera la palma de la mano/ Las grietas representan lo que me pasa / Me quedo sin aliento...la línea del amor parece estar entrelazada con la de la muerte / Yo también pienso en ti)
viernes, 27 de marzo de 2015
Defying gravity
JESSE WINCHESTER (Defying gravity)
Cuando lo llamaron a filas en 1967, Jesse Winchester estaba construyéndose un presente artístico entre los cantautores de folk-rock americanos. Refugiado en Canadá, la nostalgia del apátrida lo empujó a escribir sus primeras famosas canciones.
El artista de Luisiana pudo volver a Estados Unidos en 1977. Para entonces había publicado cinco magníficos álbumes y compuesto letras que, como 'Yankee Lady' o 'The Brand New Tennessee Waltz', llevan el sello de clásicas.
El soul pantanoso de Talk Memphis (1981) inauguró la década de los ochenta, continuación a una carrera que concluye A reasonable amount of trouble en 2014. Más de doce obras por el camino, con el amor y el recuerdo de protagonistas destacados.
El comienzo lo había marcado el extraordinario Jesse Winchester (1970), que produjo Robbie Robertson, líder de The Band. Pero Learn to love it (1973), gracias a temas como 'Mississippi You're on my mind' o 'Defying gravity', también es un disco notable.
(Vivo en una bola grande y redonda / Nunca imagino que pueda caer / Y si un día me pasara / Bueno, daría un salto y me pondría a sonreírte / Ni siquiera sé dónde estamos / Dicen que dando vueltas a una estrella / Bien, no sé, creeré sus palabras / Mareado como estoy, puede que sea así / Subido a una bola grande y redonda / Nunca imagino que pueda caer / Pero un día lo alto puede estar bajo / Y cuando caiga, estaré contento de irme)
Cuando lo llamaron a filas en 1967, Jesse Winchester estaba construyéndose un presente artístico entre los cantautores de folk-rock americanos. Refugiado en Canadá, la nostalgia del apátrida lo empujó a escribir sus primeras famosas canciones.
El artista de Luisiana pudo volver a Estados Unidos en 1977. Para entonces había publicado cinco magníficos álbumes y compuesto letras que, como 'Yankee Lady' o 'The Brand New Tennessee Waltz', llevan el sello de clásicas.
El soul pantanoso de Talk Memphis (1981) inauguró la década de los ochenta, continuación a una carrera que concluye A reasonable amount of trouble en 2014. Más de doce obras por el camino, con el amor y el recuerdo de protagonistas destacados.
El comienzo lo había marcado el extraordinario Jesse Winchester (1970), que produjo Robbie Robertson, líder de The Band. Pero Learn to love it (1973), gracias a temas como 'Mississippi You're on my mind' o 'Defying gravity', también es un disco notable.
(Vivo en una bola grande y redonda / Nunca imagino que pueda caer / Y si un día me pasara / Bueno, daría un salto y me pondría a sonreírte / Ni siquiera sé dónde estamos / Dicen que dando vueltas a una estrella / Bien, no sé, creeré sus palabras / Mareado como estoy, puede que sea así / Subido a una bola grande y redonda / Nunca imagino que pueda caer / Pero un día lo alto puede estar bajo / Y cuando caiga, estaré contento de irme)
viernes, 20 de marzo de 2015
Don't let it trouble your mind
RHIANNON GIDDENS (Don't let it trouble your mind)
Rhiannon Giddends ha conseguido un estatus de estrella que no parecía reservarle su pertenencia a The Carolina Chocolate Drops, un trio de folk especializado en bucear en la tradición musical afroamericana con raíz en la vida rural de las Carolinas.
Rhiannon Giddens nació en una región de Carolina del Norte con rico legado musical. Aprendió a tocar el banjo y el violín y a redondear una voz en la línea que, según el productor T. Bone Burnett, pasa por Odetta, Mahalia Jackson y Nina Simone.
Ha sido él esencial en el ascenso de Rhiannon Giddens, invitándola primero al concierto Another day, another time, celebrado en Nueva York en 2013, y luego a las grabaciones New Basement Tapes que ponían música a antiguas letras de Bob Dylan.
Dos experiencias anticipadoras del talento que brilla en Tomorrow is my turn (2015), un álbum en donde algunas canciones de heroínas suyas son recubiertas de un manto atractivamente actual; así en 'Don't let it trouble your mind', original de Dolly Parton.
(Nuestra relación amorosa es agridulce, insegura e incompleta / Y muchas veces me he preguntado por qué tu marcha se demora tanto / Todo se ha vuelto complicado, quizá te sientes obligado / Y por compasión sigues conmigo / Pero mejor vivir sola que vivir con alguien que no me ama / Prefiero que te vayas a quedarte.../Si no me quieres, déjame y no le des más vueltas a la cabeza)
Rhiannon Giddends ha conseguido un estatus de estrella que no parecía reservarle su pertenencia a The Carolina Chocolate Drops, un trio de folk especializado en bucear en la tradición musical afroamericana con raíz en la vida rural de las Carolinas.
Rhiannon Giddens nació en una región de Carolina del Norte con rico legado musical. Aprendió a tocar el banjo y el violín y a redondear una voz en la línea que, según el productor T. Bone Burnett, pasa por Odetta, Mahalia Jackson y Nina Simone.
Ha sido él esencial en el ascenso de Rhiannon Giddens, invitándola primero al concierto Another day, another time, celebrado en Nueva York en 2013, y luego a las grabaciones New Basement Tapes que ponían música a antiguas letras de Bob Dylan.
Dos experiencias anticipadoras del talento que brilla en Tomorrow is my turn (2015), un álbum en donde algunas canciones de heroínas suyas son recubiertas de un manto atractivamente actual; así en 'Don't let it trouble your mind', original de Dolly Parton.
(Nuestra relación amorosa es agridulce, insegura e incompleta / Y muchas veces me he preguntado por qué tu marcha se demora tanto / Todo se ha vuelto complicado, quizá te sientes obligado / Y por compasión sigues conmigo / Pero mejor vivir sola que vivir con alguien que no me ama / Prefiero que te vayas a quedarte.../Si no me quieres, déjame y no le des más vueltas a la cabeza)
viernes, 13 de marzo de 2015
Open up the door
ARTHUR LEE HARPER (Open up the door)
Arthur Lee Harper, artista de obra exigua pero adornada de la pretensión de contribuir a cambiar el mundo, es otro de los tesoros de finales de los sesenta recuperados por Light in the Attic, discográfica especializada en el rescate de olvidadas rarezas.
Arthur Lee fue uno de los muchos jóvenes que con una canción, un sueño y una guitarra se pusieron en camino. El suyo lo llevó de Florida a Hollywood, en donde aguantó dificultades hasta encontrar la oportunidad de grabar su álbum de presentación.
Fue en el sello LHI del genial creador musical Lee Hazlewood. El álbum, titulado Dreams and images (1968), además de la canción 'Open up the door', se componía de otras de pop barroco, apropiadas para una atmósfera íntima y de suave olor a incienso.
Pero Arthur Lee no encontró su público ni en éste ni en Love is the revolution (1975), su siguiente disco. De quien Lee Hazlewood había dicho "un día será niño otra vez" murió en 2002, horas después de hacerlo su mujer en accidente de tráfico.
(Me amas y me quieres a tu lado / Pero luego te quejas y dices que no estás satisfecha / Y que quieres apearte de este tren / Si ya has dejado de necesitarme, entonces ábreme la puerta / Este mundo nuestro, durante unas pocas horas más... / Le hablan al tiempo con una inacabable canción que inunda tu corazón / Si ya no me necesitas, ábreme la puerta)
Arthur Lee Harper, artista de obra exigua pero adornada de la pretensión de contribuir a cambiar el mundo, es otro de los tesoros de finales de los sesenta recuperados por Light in the Attic, discográfica especializada en el rescate de olvidadas rarezas.
Arthur Lee fue uno de los muchos jóvenes que con una canción, un sueño y una guitarra se pusieron en camino. El suyo lo llevó de Florida a Hollywood, en donde aguantó dificultades hasta encontrar la oportunidad de grabar su álbum de presentación.
Fue en el sello LHI del genial creador musical Lee Hazlewood. El álbum, titulado Dreams and images (1968), además de la canción 'Open up the door', se componía de otras de pop barroco, apropiadas para una atmósfera íntima y de suave olor a incienso.
Pero Arthur Lee no encontró su público ni en éste ni en Love is the revolution (1975), su siguiente disco. De quien Lee Hazlewood había dicho "un día será niño otra vez" murió en 2002, horas después de hacerlo su mujer en accidente de tráfico.
(Me amas y me quieres a tu lado / Pero luego te quejas y dices que no estás satisfecha / Y que quieres apearte de este tren / Si ya has dejado de necesitarme, entonces ábreme la puerta / Este mundo nuestro, durante unas pocas horas más... / Le hablan al tiempo con una inacabable canción que inunda tu corazón / Si ya no me necesitas, ábreme la puerta)
viernes, 6 de marzo de 2015
The sun is down
YOKO ONO (The sun is down)
En Yoko Ono vida y arte han caminado juntos. Nacida en Tokio en 1933, pertenecía a una familia que en la línea paterna contaba con samurais, nobles y sacerdotes. Aprendió a ser cosmopolita desde niña, viajando entre Nueva York, San Francisco y Tokio.
El vanguadismo que Yoko Ono encarnó a partir de 1959 se gestó en compañía de gentes como su primer marido, el compositor Toshi Ichinaga, el radical innovador musical John Cage y George Maciunas, promotor de imnprevisibles performances.
Yoko Ono y John Lennon se conocieron en 1966, entrando ella en la órbita del mundo del rock y él en una revolución de ideas que alteraría profundamente su obra posterior. El experimental Unfinished Music No. 1: Two Virgins (1968) fue su primer trabajo conjunto.
En Yoko Ono/Plastic Ono Band (1970) y Fly (1971) hay composiciones en donde la crudeza de sus exclamaciones transporta a emociones primordiales, anteriores al lenguaje. La canción 'The sun is down' apareció en Between my head and the sky (2009).
(El sol se está poniendo / El sol se va yendo, está oscureciendo / ¿Qué son las estrellas? ¿Qué es la luna? / Las estrellas deberían dar brillo al río / Quizá el río es demasiado frío para ellas / El sol se va yendo, está oscureciendo / El espejo; oh, el espejo / Tiro el espejo al río / No lo necesito, puedo moverme sin él… / Es tiempo de ponerme a andar… / El sol se están poniendo en el jardín secreto)
En Yoko Ono vida y arte han caminado juntos. Nacida en Tokio en 1933, pertenecía a una familia que en la línea paterna contaba con samurais, nobles y sacerdotes. Aprendió a ser cosmopolita desde niña, viajando entre Nueva York, San Francisco y Tokio.
El vanguadismo que Yoko Ono encarnó a partir de 1959 se gestó en compañía de gentes como su primer marido, el compositor Toshi Ichinaga, el radical innovador musical John Cage y George Maciunas, promotor de imnprevisibles performances.
Yoko Ono y John Lennon se conocieron en 1966, entrando ella en la órbita del mundo del rock y él en una revolución de ideas que alteraría profundamente su obra posterior. El experimental Unfinished Music No. 1: Two Virgins (1968) fue su primer trabajo conjunto.
En Yoko Ono/Plastic Ono Band (1970) y Fly (1971) hay composiciones en donde la crudeza de sus exclamaciones transporta a emociones primordiales, anteriores al lenguaje. La canción 'The sun is down' apareció en Between my head and the sky (2009).
(El sol se está poniendo / El sol se va yendo, está oscureciendo / ¿Qué son las estrellas? ¿Qué es la luna? / Las estrellas deberían dar brillo al río / Quizá el río es demasiado frío para ellas / El sol se va yendo, está oscureciendo / El espejo; oh, el espejo / Tiro el espejo al río / No lo necesito, puedo moverme sin él… / Es tiempo de ponerme a andar… / El sol se están poniendo en el jardín secreto)
jueves, 26 de febrero de 2015
Oh, Los Angeles, be kind
OWL JOHN (Oh, Los Angeles, be kind)
Owl John es el nombre que Scott Hutchinson, líder de la banda escocesa Frightened Rabbit, se ha dado para su primer trabajo en solitario, en donde vierte un rock indie de crepitar de guitarras, desasosiego temático y abundancia de recursos electrónicos.
Scott Hutchinson procede de Glasgow. Sus actuaciones en directo por el circuito musical de la ciudad le prepararon para publicar junto a su hermano Grant, a la percusión, el disco Sing the greys (2006), un conjunto de demos por las que corre energía sin filtrar.
El álbum The midnight organ fight (2008) apostó por la extraña belleza que nace de la pasión y el desengaño. Lo último, Pedestrian verse (2013), es un álbum a la vanguardia de la música indie, en una línea que recuerda a los Arcade Fire.
En el disco epónimo de 2014, Owl John ha reunido diez canciones de tono sombrío en contenido, pero agitadas en expresión musical. Ahora vive en Los Ángeles, urbe que en 'Oh Los Angeles, be kind' se convierte en metáfora de amores complicados.
(Sabes, me agotas / Arrojando negros humos de tubos de escape / La neblina tóxica no se irá de esta piel inconveniente de inmigrante / Gracia tuya tan maliciosa / No sé qué has hecho con tu cara / Algunas noches no puedo hacerme una idea de dónde tienes el corazón / Oh, Los Angeles, sé amable / No más problemas o distrito de luces rojas)
Owl John es el nombre que Scott Hutchinson, líder de la banda escocesa Frightened Rabbit, se ha dado para su primer trabajo en solitario, en donde vierte un rock indie de crepitar de guitarras, desasosiego temático y abundancia de recursos electrónicos.
Scott Hutchinson procede de Glasgow. Sus actuaciones en directo por el circuito musical de la ciudad le prepararon para publicar junto a su hermano Grant, a la percusión, el disco Sing the greys (2006), un conjunto de demos por las que corre energía sin filtrar.
El álbum The midnight organ fight (2008) apostó por la extraña belleza que nace de la pasión y el desengaño. Lo último, Pedestrian verse (2013), es un álbum a la vanguardia de la música indie, en una línea que recuerda a los Arcade Fire.
En el disco epónimo de 2014, Owl John ha reunido diez canciones de tono sombrío en contenido, pero agitadas en expresión musical. Ahora vive en Los Ángeles, urbe que en 'Oh Los Angeles, be kind' se convierte en metáfora de amores complicados.
(Sabes, me agotas / Arrojando negros humos de tubos de escape / La neblina tóxica no se irá de esta piel inconveniente de inmigrante / Gracia tuya tan maliciosa / No sé qué has hecho con tu cara / Algunas noches no puedo hacerme una idea de dónde tienes el corazón / Oh, Los Angeles, sé amable / No más problemas o distrito de luces rojas)
jueves, 19 de febrero de 2015
Summer wine
NANCY SINATRA (Summer Wine)
Nancy Sinatra creció a la sombra de la celebridad imponente de su padre, pero tuvo talento suficiente para poder librarse de ella y desarrollar una carrera propia como actriz y cantante que tuvo momentos estelares en la década de los sesenta.
Nancy orientó sus aficiones juveniles hacia el baile, la música y la técnica de voz. Había cumplido veinte años cuando en 1960 debutó –y convenció–, como artista en un show televisivo de su padre, que aquel día tenía a Elvis Presley de invitado.
En los años siguientes intentó abrirse paso en el mercado discográfico con canciones de envoltura pop, pero tuvo que esperar hasta 1966 para lograr el éxito más resonante de su vida artística: 'These boots are made for walking'.
La había escrito Lee Hazlewood, estrecho colaborador suyo y genio inclasificable, con quien compartió Nancy & Lee (1968), un álbum de contenido deliciosamente sensual. Prueba de ello eran tanto 'Some velvet morning' como gran 'Summer wine'.
(Fresas, cerezas y el beso de un ángel en primavera / De verdad, mi vino de verano está hecho de todas estas cosas' / Llegué a la ciudad con espuelas que tintineaban / Una canción que yo había cantado sólo a unas pocas / Ella vio mis espuelas plateadas y me dijo: 'Deja que pase el tiempo / Y yo te daré vino de verano'... / 'Quítate tus espuelas plateadas y ayúdame a pasar el tiempo / Que yo te daré mi vino de verano'')
Nancy Sinatra creció a la sombra de la celebridad imponente de su padre, pero tuvo talento suficiente para poder librarse de ella y desarrollar una carrera propia como actriz y cantante que tuvo momentos estelares en la década de los sesenta.
Nancy orientó sus aficiones juveniles hacia el baile, la música y la técnica de voz. Había cumplido veinte años cuando en 1960 debutó –y convenció–, como artista en un show televisivo de su padre, que aquel día tenía a Elvis Presley de invitado.
En los años siguientes intentó abrirse paso en el mercado discográfico con canciones de envoltura pop, pero tuvo que esperar hasta 1966 para lograr el éxito más resonante de su vida artística: 'These boots are made for walking'.
La había escrito Lee Hazlewood, estrecho colaborador suyo y genio inclasificable, con quien compartió Nancy & Lee (1968), un álbum de contenido deliciosamente sensual. Prueba de ello eran tanto 'Some velvet morning' como gran 'Summer wine'.
(Fresas, cerezas y el beso de un ángel en primavera / De verdad, mi vino de verano está hecho de todas estas cosas' / Llegué a la ciudad con espuelas que tintineaban / Una canción que yo había cantado sólo a unas pocas / Ella vio mis espuelas plateadas y me dijo: 'Deja que pase el tiempo / Y yo te daré vino de verano'... / 'Quítate tus espuelas plateadas y ayúdame a pasar el tiempo / Que yo te daré mi vino de verano'')
viernes, 13 de febrero de 2015
Your love is not enough
MANIC STREET PREACHERS (Your love is not enough)
En su nacimiento, a principios de los noventa, Manic Street Preachers, lo componían cuatro músicos de Gales por cuyo ADN corría la energía apasionada del punk, pero también el activismo político de The Clash y la desatada angustia de Joy Division.
James Dean Bradfield, su guitarra y voz, es hasta hoy la figura central del grupo, un puesto reservado entonces a Richey James, el guitarra rítmica de sus tres primeros discos antes de desaparecer misteriosamente en Londres una mañana de febrero de 1995.
En Generation terrorists (1992), Manic Street Preachers arremetía contra males del capitalismo, línea que incluso después de explosionar comercialmente con Everything must go (1996) acentuaron en Know your enemy (2001).
Los años, sin embargo, han ablandado la furia militante de Manic Street Preachers, que ahora llenan estadios con notas de pop abrasivo y majestuoso. La canción 'Your love is not enough', con Nina Persson de invitada, apareció en Send away the tigers (2007).
(Solo tu amor no es bastante / En tiempos difíciles, todo se vuelve duro / Cambia tus héroes por fantasmas / Estos son los que más te quieren/Solo tu amor no es bastante... / Dijiste que el cielo se te caería encima / Y en medio del dolor, tus ojos permanecieron azules / Pero tu amor solo no salvará al mundo/Sabías el secreto del universo / Aún así, te fue mucho peor / Te quedaste solo, maldecido)
En su nacimiento, a principios de los noventa, Manic Street Preachers, lo componían cuatro músicos de Gales por cuyo ADN corría la energía apasionada del punk, pero también el activismo político de The Clash y la desatada angustia de Joy Division.
James Dean Bradfield, su guitarra y voz, es hasta hoy la figura central del grupo, un puesto reservado entonces a Richey James, el guitarra rítmica de sus tres primeros discos antes de desaparecer misteriosamente en Londres una mañana de febrero de 1995.
En Generation terrorists (1992), Manic Street Preachers arremetía contra males del capitalismo, línea que incluso después de explosionar comercialmente con Everything must go (1996) acentuaron en Know your enemy (2001).
Los años, sin embargo, han ablandado la furia militante de Manic Street Preachers, que ahora llenan estadios con notas de pop abrasivo y majestuoso. La canción 'Your love is not enough', con Nina Persson de invitada, apareció en Send away the tigers (2007).
(Solo tu amor no es bastante / En tiempos difíciles, todo se vuelve duro / Cambia tus héroes por fantasmas / Estos son los que más te quieren/Solo tu amor no es bastante... / Dijiste que el cielo se te caería encima / Y en medio del dolor, tus ojos permanecieron azules / Pero tu amor solo no salvará al mundo/Sabías el secreto del universo / Aún así, te fue mucho peor / Te quedaste solo, maldecido)
viernes, 6 de febrero de 2015
Woodstock
JONI MITCHELL (Woodstock)
En agosto de 1969, Woodstock, pequeña ciudad cercana a Nueva York, reunió en un festival a casi medio millón de personas con el lema "tres días de paz y música", condensando anhelos de una generación que ensayaba fórmulas para una vida más satisfactoria.
El festival de Woodstock escenificó también lo que el fotógrafo Elliot Landy, allí presente, consideraba las herramientas principales de la contracultura nacida en los años sesenta: amor, libertad, espiritualidad y música.
El número y la significación de los artistas que pasaron por el escenario de Woodstock lo convirtieron en el más importante festival musical de todos los tiempos. Curiosamente, Joni Mitchell no pudo asistir, pero escribió la canción que mejor lo refleja.
Joni Mitchell rodeó de simbología religiosa la cancióin 'Woodstock', aparecida en Ladies of the Canyon (1970), un gran álbum de su primera época para el que compuso doce temas de especial sensibilidad y virtuosismo artístico.
(Me crucé con un niño de Dios / Iba caminando por la carretera / Y le pregunté adónde se dirigía / Me dijo que iba a la granja de Yasgur / Se uniría a una banda de rock & roll / Y acamparía en la tierra / Con la intención de liberar su alma /Somos polvo de estrellas / Igual que el oro / Y hemos de conseguir volver al jardín / Entonces, ¿puedo ir contigo?... / Siento que soy el eslabón de algo en movimiento)
En agosto de 1969, Woodstock, pequeña ciudad cercana a Nueva York, reunió en un festival a casi medio millón de personas con el lema "tres días de paz y música", condensando anhelos de una generación que ensayaba fórmulas para una vida más satisfactoria.
El festival de Woodstock escenificó también lo que el fotógrafo Elliot Landy, allí presente, consideraba las herramientas principales de la contracultura nacida en los años sesenta: amor, libertad, espiritualidad y música.
El número y la significación de los artistas que pasaron por el escenario de Woodstock lo convirtieron en el más importante festival musical de todos los tiempos. Curiosamente, Joni Mitchell no pudo asistir, pero escribió la canción que mejor lo refleja.
Joni Mitchell rodeó de simbología religiosa la cancióin 'Woodstock', aparecida en Ladies of the Canyon (1970), un gran álbum de su primera época para el que compuso doce temas de especial sensibilidad y virtuosismo artístico.
(Me crucé con un niño de Dios / Iba caminando por la carretera / Y le pregunté adónde se dirigía / Me dijo que iba a la granja de Yasgur / Se uniría a una banda de rock & roll / Y acamparía en la tierra / Con la intención de liberar su alma /Somos polvo de estrellas / Igual que el oro / Y hemos de conseguir volver al jardín / Entonces, ¿puedo ir contigo?... / Siento que soy el eslabón de algo en movimiento)
viernes, 30 de enero de 2015
Spanish Mary
THE NEW BASEMENT TAPES (Spanish Mary)
T. Bone Burnett fue uno de los invitados a The Rolling Thunder Revue, la gira musical que, con espíritu trovadoresco y algo circense, Bob Dylan emprendió en caravana en el otoño de 1975 por el Noreste de Estados Unidos y Canadá.
Amigo y admirador suyo, T. Bone Burnett conoció en 2011 de la existencia de letras que Bob Dylan había escrito en 1967, en la época en que, junto a los componentes de The Band, realizó las entrañables grabaciones conocidas como 'The Basement Tapes'.
Esas letras habían permanecido olvidadas, pero T. Bone Burnett quiso reavivarlas poniéndoles música, para lo cual reunió una banda formada por cinco artistas conocidos, siendo Elvis Costello y Marcus Mumford los de más renombre.
El resultado ha sido Lost in the river: the new Basement Tapes (2014), un puñado de canciones que buscan reflejarse en las cintas del sótano dilanyanas. 'Spanish Mary', interpretada por Rhiannon Giddens, habla de enigmas que esconde el amor.
(Hubo tres soldados, arrojados y veraces / Que transportando mercancías / Lejos navegaban en el azul del océano / Por el amor de la hispana Mary / Tan trastornados estaban / Que ya no podían demorarse... / En la ciudad de Kingston, con alta distinción / El bufón, el loco, el afeminado / Todos me presentaban sus respetos y preguntaban / Por el amor de la hispana Mary / Hombre menesteroso, no me mientas / ¿Qué es un misterio: vivir o morir?)
T. Bone Burnett fue uno de los invitados a The Rolling Thunder Revue, la gira musical que, con espíritu trovadoresco y algo circense, Bob Dylan emprendió en caravana en el otoño de 1975 por el Noreste de Estados Unidos y Canadá.
Amigo y admirador suyo, T. Bone Burnett conoció en 2011 de la existencia de letras que Bob Dylan había escrito en 1967, en la época en que, junto a los componentes de The Band, realizó las entrañables grabaciones conocidas como 'The Basement Tapes'.
Esas letras habían permanecido olvidadas, pero T. Bone Burnett quiso reavivarlas poniéndoles música, para lo cual reunió una banda formada por cinco artistas conocidos, siendo Elvis Costello y Marcus Mumford los de más renombre.
El resultado ha sido Lost in the river: the new Basement Tapes (2014), un puñado de canciones que buscan reflejarse en las cintas del sótano dilanyanas. 'Spanish Mary', interpretada por Rhiannon Giddens, habla de enigmas que esconde el amor.
(Hubo tres soldados, arrojados y veraces / Que transportando mercancías / Lejos navegaban en el azul del océano / Por el amor de la hispana Mary / Tan trastornados estaban / Que ya no podían demorarse... / En la ciudad de Kingston, con alta distinción / El bufón, el loco, el afeminado / Todos me presentaban sus respetos y preguntaban / Por el amor de la hispana Mary / Hombre menesteroso, no me mientas / ¿Qué es un misterio: vivir o morir?)
jueves, 22 de enero de 2015
Breakin' in my heart
TOM VERLAINE (Breakin' in my heart)
Tom Verlaine (New Jersey, 1949) tuvo de joven a amigos que como él mismo querían ser poetas y artistas: Richard Hell, heraldo de la escena punk neoyorkina; Patti Smith, el alma beat que imantaba el club CGCB con actuaciones apasionadas.
Como líder de Televisión, Tom Verlaine publicó Marquee moon en 1977, un álbum que, adornado de guitarras garajeras resplandecientes y de un lirismo que manaba del corazón de la noche, cuestionaba claramente el aguerrido nihilismo punk.
Tras grabar Adventure (1978), Tom Verlaine despidió Television, para iniciar una carrera en solitario que reparte su atractivo en Dreamtime (1981), Words from the front (1982) o Flashlight (1987).
Pero Tom Verlaine (1979) es quizá el más apreciado de sus álbumes. Canciones como 'Kingdom come' se fijan obstinadamente en la memoria, y en 'Breakin' in my heart' las guitarras componen arabescos que giran como reflejos de un caleidoscopio.
(Truenos... truenos y relámpagos / Una gota de lluvia en el envés de mi mano / ¡Cómo me encanta deambular! /Alguien vino en medio de la noche / Y me arrojó a un cuarto sin paredes... / Un viento frío me azotó el rostro / Y otra vez sin hacer nada... / Bajo tu ventana brilló una luz / Esta noche el aire enseña sus dientes / ¡Ah, si tuviera otro aire que respirar! / Y tú sólo me dices: ''Deja de colarte en mi corazón")
Tom Verlaine (New Jersey, 1949) tuvo de joven a amigos que como él mismo querían ser poetas y artistas: Richard Hell, heraldo de la escena punk neoyorkina; Patti Smith, el alma beat que imantaba el club CGCB con actuaciones apasionadas.
Como líder de Televisión, Tom Verlaine publicó Marquee moon en 1977, un álbum que, adornado de guitarras garajeras resplandecientes y de un lirismo que manaba del corazón de la noche, cuestionaba claramente el aguerrido nihilismo punk.
Tras grabar Adventure (1978), Tom Verlaine despidió Television, para iniciar una carrera en solitario que reparte su atractivo en Dreamtime (1981), Words from the front (1982) o Flashlight (1987).
Pero Tom Verlaine (1979) es quizá el más apreciado de sus álbumes. Canciones como 'Kingdom come' se fijan obstinadamente en la memoria, y en 'Breakin' in my heart' las guitarras componen arabescos que giran como reflejos de un caleidoscopio.
(Truenos... truenos y relámpagos / Una gota de lluvia en el envés de mi mano / ¡Cómo me encanta deambular! /Alguien vino en medio de la noche / Y me arrojó a un cuarto sin paredes... / Un viento frío me azotó el rostro / Y otra vez sin hacer nada... / Bajo tu ventana brilló una luz / Esta noche el aire enseña sus dientes / ¡Ah, si tuviera otro aire que respirar! / Y tú sólo me dices: ''Deja de colarte en mi corazón")
jueves, 15 de enero de 2015
We're all alone
RITA COOLIDGE (We're all alone)
Rita Coolidge no ha sido una autora de canciones especialmente relevantes, pero su voz y estilo le permitieron, primero, participar en sesiones de grandes nombres del rock y, luego, desarrollar una interesante carrera musical, sobre todo en los setenta.
Rita Coolige, de snagre mitad cherokee, nació cerca de Nashville en 1945. Compatibilizó estudios de arte con la afición a cantar que había comenzado en la iglesia de su padre. Haciendo anuncios comerciales de radio en Memphis, contactó con Delaney & Bonnie.
Participó con ellos y Eric Clapton en su famosa gira de 1970, y después en Mad Dogs & Englishmen, la excitante aventura musical americana de Joe Cocker. Ese mismo año conoció a Kris Kristofferson, con quien le unió idilio artístico y amoroso.
Ambos hicieron dos discos de country-rock: Full moon (1973) y Breakaway (1974). Ella se había estrenado con Rita Coolidge en 1971. En Anytime... Anywhere (1976), su álbum más galardonado, se encontraba 'We're all alone', canción escrita por Boz Scaggs.
(Afuera comienza a llover y puede no acabar nunca / Deja de llorar, pues / En la playa un sueño nos llevará al mar / Para siempre, para siempre / Cierra los ojos y sueña / Y puedes estar conmigo / Bajo las olas y a través del foso de las horas / Mucho tiempo olvidadas / Todos estamos solos, todos estamos solos / Cierra la ventana, tamiza la luz / Y todo estará bien)
Rita Coolidge no ha sido una autora de canciones especialmente relevantes, pero su voz y estilo le permitieron, primero, participar en sesiones de grandes nombres del rock y, luego, desarrollar una interesante carrera musical, sobre todo en los setenta.
Rita Coolige, de snagre mitad cherokee, nació cerca de Nashville en 1945. Compatibilizó estudios de arte con la afición a cantar que había comenzado en la iglesia de su padre. Haciendo anuncios comerciales de radio en Memphis, contactó con Delaney & Bonnie.
Participó con ellos y Eric Clapton en su famosa gira de 1970, y después en Mad Dogs & Englishmen, la excitante aventura musical americana de Joe Cocker. Ese mismo año conoció a Kris Kristofferson, con quien le unió idilio artístico y amoroso.
Ambos hicieron dos discos de country-rock: Full moon (1973) y Breakaway (1974). Ella se había estrenado con Rita Coolidge en 1971. En Anytime... Anywhere (1976), su álbum más galardonado, se encontraba 'We're all alone', canción escrita por Boz Scaggs.
(Afuera comienza a llover y puede no acabar nunca / Deja de llorar, pues / En la playa un sueño nos llevará al mar / Para siempre, para siempre / Cierra los ojos y sueña / Y puedes estar conmigo / Bajo las olas y a través del foso de las horas / Mucho tiempo olvidadas / Todos estamos solos, todos estamos solos / Cierra la ventana, tamiza la luz / Y todo estará bien)
sábado, 10 de enero de 2015
Time
PINK FLOYD (Time)
La obra majestuosa de Pink Floyd fue la reiteración de un viaje a la imaginación futurista, para el que se pertrecharon de música progresiva y psicodelia, y navegaron entre las ondas en donde residen los sueños y sus súbitos despertares.
Liderados al inicio por Syd Barret, Pink Floyd dejó atrás sus influencias del blues, y en 1967 alumbraron The Piper at the gates of dawn, un primer álbum de cromatismo llameante que remite a una psique en alterada efervescencia.
La compañía del LSD alcanzó a Syd Barret, que aquel mismo año fue sustituido por David Gilmour. Pero el multiinstrumentista Roger Waters tomó el control y las excursiones electro-oníricas continuaron en los tres álbumes siguientes.
Con The Dark side of the moon (1973), un álbum producido inmaculadamente por Alan Parsons, Pink Floyd logró el milagro de dar solidez al aire, bajando de su consistencia con mensajes inquietantes sobre el paso del tiempo y el valor del dinero.
(Dejando pasar los momentos que hacen el día aburrido / Despilfarras y malgastas las horas distraídamente /Pateando un trozo de tierra de tu ciudad natal / A la espera de que alguien o algo te muestre el camino / Cansado de tirarte al sol, quedándote en casa mirando la lluvia / Eres joven, la vida es larga y hoy matas el tiempo... / Nadie te dijo cuándo correr, te perdiste el pistoletazo de salida)
La obra majestuosa de Pink Floyd fue la reiteración de un viaje a la imaginación futurista, para el que se pertrecharon de música progresiva y psicodelia, y navegaron entre las ondas en donde residen los sueños y sus súbitos despertares.
Liderados al inicio por Syd Barret, Pink Floyd dejó atrás sus influencias del blues, y en 1967 alumbraron The Piper at the gates of dawn, un primer álbum de cromatismo llameante que remite a una psique en alterada efervescencia.
La compañía del LSD alcanzó a Syd Barret, que aquel mismo año fue sustituido por David Gilmour. Pero el multiinstrumentista Roger Waters tomó el control y las excursiones electro-oníricas continuaron en los tres álbumes siguientes.
Con The Dark side of the moon (1973), un álbum producido inmaculadamente por Alan Parsons, Pink Floyd logró el milagro de dar solidez al aire, bajando de su consistencia con mensajes inquietantes sobre el paso del tiempo y el valor del dinero.
(Dejando pasar los momentos que hacen el día aburrido / Despilfarras y malgastas las horas distraídamente /Pateando un trozo de tierra de tu ciudad natal / A la espera de que alguien o algo te muestre el camino / Cansado de tirarte al sol, quedándote en casa mirando la lluvia / Eres joven, la vida es larga y hoy matas el tiempo... / Nadie te dijo cuándo correr, te perdiste el pistoletazo de salida)
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